大佬们求个你们学琴的流程步骤
本帖最后由 kkaa 于 2019-9-10 14:28 编辑小城市没有找到老师，现在自己在网上找资料学习
不太清楚要学哪些东西，先学什么，后学什么
大佬们你们刚开始学，是怎么学过来的，有什么需要注意的吗
楼下有朋友推荐看乐理，有基础一点的乐理书（或视频）推荐吗，找了一些网上的乐理资料，对完全的乐理小白来说看着还是有点晕
你去电吉他谱那里，先下几个五声音阶和各把位的音阶图练起来呗
视频教程可以去闲鱼淘宝看看 先学学乐理 不然后期想提高 书都看不懂 学乐理和练基本功同时一定要练一段自己最喜欢的曲或solo保持兴趣，要不然太枯燥很容易中途放弃。 最好的顺序是：搞懂乐理→灵活指法→记忆音阶这是基础阶段 刘陆伟“释乐系列音乐学习类文章”之
《乐器可以自学吗——从乐器学习的特点说起》
文：刘陆伟（唱作人、音乐制作人、吉他手、录音混音师、释魂乐队主创）
“我是零基础，可不可以先自学一段时间，有了基础再花钱找老师？”
这要从乐器学习的特点说起。乐器演奏和数学、历史等纯知识的学科不一样。乐器演奏是一系列复杂的动作，本质上是肌肉记忆的一个过程。练习任何技巧，都应该先从慢速开始，一遍遍重复这个动作，肌肉逐渐形成记忆，形成惯性，因此越来越熟练，最终达到下意识（大脑不需要经过思考）就能做这个动作的程度。你看舞台上那些演奏家演奏得又快又精确，那个时候他其实是没有在思考“下一个音该怎么演奏”的，他是凭着长期练习之后形成的惯性，手指在下意识地动，否则这么大的信息量，大脑怎么思考得过来？
记忆的特点：在学习一个新动作时，身体会把你一开始练习的几遍到几十遍动作，当成正确的动作来记忆（不管它是不是真的正确……），因此这个阶段是最重要的时候。当一个动作形成习惯之后，想要改变它就要花费更大的力气了。我见过太多人由于没有正确的指导，在一开始就养成了不好的演奏习惯。如果想要纠正以前错误的习惯，就必须得建立正确的习惯，让新的习惯代替旧的习惯，其难度可想而知，这时必须要投入更多的注意力才可以，只要注意力稍微放松，就可能又回到过去的老样子。
因此，关键是在练习的时候得有人告知你什么才是正确的，每一条练习都需要建立起一个正确的评价标准。换句话说，你得知道你现在练的这个动作，达到什么样的标准才能算是合格了？才可以进行下一条练习？很多人一开始想通过自己看教材或者网上的视频来自学，现在你应该知道这种方法所存在的最大问题了：没有人告诉你怎么样才算达到标准，没有人从客观的角度来观察你学到的姿势是否正确，没有人在你出现问题的时候及时提醒你。好的老师会在你刚开始尝试一个新动作的时候，专心观察你，实时指导和纠正，确保你建立起的是正确的习惯。
如果一开始的方法不对、姿势不对的话，你练得越狠，其实是把错误的东西练得越加巩固，正所谓南辕北辙。因此我认为，初学阶段其实才是最重要的阶段。找个好老师来打好一个坚实基础之后再自学，要比自学了一堆毛病再来花钱找老师来改正，要有效得多，不是吗？
学习就像上台阶，上了第一层才能到第二层。如果初学时的错误不能被及时的发现和纠正，累积到一定程度就会导致后续的学习难以进行。很多人走都走不稳，就勉强跑，跑得踉踉跄跄、连滚带爬：一首曲子能够勉强摸下来，但是磕磕绊绊、毛病多多。如果问题一直得不到解决，水平就卡在那里难以提高，时间久了自己也就觉得弹琴没意思了。
那么怎样判断一个练习方法是不是“正确的、规范的”？我这里先说一条比较笼统的标准吧。在乐器演奏领域，所谓正确的、规范的方法，就是经过一代代人积累、总结下来的正面经验，它能让你的演奏更加自然、更舒适、更有效率、更好听（发出更好的音色，让演奏更富有音乐性）。不好的演奏方法，除了让演奏者身体上感觉很不舒服之外，听觉上也会觉得音色不好听，缺乏美感。
当然，你也可以自学，自己悟，但最后你很有可能发现你走了很多前人已经走过的弯路，你多年没解决的一个问题，可能老师一句话就给你点破了。
“我只是随便学学，不指望靠吉他吃饭，随便找个老师就行了”
靠吉他吃饭，很多又有天赋又勤奋的吉他手也没做到。绝大多数人还是把它当做业余爱好。但这不意味着不该重视教学质量。业余玩玩也有好坏之分。
很多人找老师只考虑离自己最近的，或者收费最低的，这种方式能遇到合格（更别提优秀了）的老师的几率恐怕很低。市面上有太多那种自己扒拉了几首曲子就出来糊弄初学者的所谓“老师”。在我看来，教育是一项严肃且深刻的工作，必须要有足够的而且是正规的知识、经验、对教育方式方法有一定的研究，具备“因材施教”的智慧的人，才有可能成为合格的教师。或许你会同意，对于其他那些文化课，找对好老师很重要，那音乐教育又怎么可能例外呢？而且根据乐器学习的特点，对于老师因材施教的能力有着更高的要求。
学乐器需要“正确的方法”+“勤奋的练习”才有可能学有所成。一个好的老师，能教给你正确的方法，剩下的就看你的落实程度。反之，一个不够质量的老师也会让你本来只是业余爱好的想法都充满挫折。很多人被不够格的老师给带偏了，导致问题缠身，兴趣索然，过早放弃，这样的例子我见过太多，实在为他们感到可惜。
如果你真的对找老师那么随便，只想着学费越便宜越好，那我觉得你还真不如自学。
“是报班还是找私教？”
培训班是多人一起上课，看上去费用较低，但实际上性价比不一定高。人多了显得热闹，但是弹琴需要的其实是安心和专注。
另外，每个人的学习目的、接受能力都是不一样的。一对一教学的优势，在于可以根据每个人的具体情况来制定教学计划，来掌握学习进度。当然关键还是得看你找的老师是不是真的具备“因材施教”的能力，有的老师不管教谁都是自己那一套既定的东西，规定好了第一节课教什么，第二节课教什么，不管谁来都教这些，都按这个进度来，在初学者眼里这样似乎显得很“正规”，当然作为老师应该对知识形成体系，但更好的老师是能在知识体系的基础上融会贯通，因材施教。否则的话，和传统的大班教育没本质的区别。
传统的大班教育，大家从小到大在学校里都体验过，那是一种折中的方案，仅就学习进度而言，除了少数处于中间的那些学生，其他人都会觉得很不舒服：学得快的会觉得受限制，得不到满足；学得慢的会越来越跟不上，自信心受打击，乃至放弃。
综上所述，我建议初学者一开始一定要找个好老师进行面对面的学习，有条件的话首选一对一的教学，当然如果身边有基础差不多的小伙伴，一起找老师进行一对二、一对三这样的小班授课，也不失为一种性价比较高的方案。等你打下了一个良好的基础，达到一定的程度之后，再去考虑自学。最后说一句：在学音乐的这条路上，没有捷径，只有少走弯路，或者说，在别人走弯路的时候你没有走弯路，这就是最捷的径。 刘陆伟“释乐系列音乐学习类文章”之
《“我不知道该练什么……”——学音乐，到底该学些什么？》
https://site.douban.com/kindlethemoor/widget/notes/657386/note/201610557/
文：刘陆伟（唱作人、音乐制作人、吉他手、录音混音师、释魂乐队主创）
经常会有人抱怨“不知道该练些什么”，尤其是学了一些演奏技术、弹了一些歌曲之后，似乎音乐学习就停滞在那里了。要解决这个困惑，首先要问自己一个问题：我学琴的目标是什么？是为了学习些演奏技巧，还是想对音乐本身有个更深入的了解？是会弹几首自己喜欢的歌就可以，还是想要创作音乐，通过音乐来表达自己？
音乐是听觉的艺术，所以对于音乐学习来说，最核心部分的应该是对于音乐听觉的培养，但这恰恰是大多数音乐教学所忽略的。大部分的乐器教学，只是在教一些手上的活儿而已。学生不知道自己弹的是什么，学了很多年演奏技巧，但是对音乐本身缺乏深入的认识，如果想要创作，就会发现依然困难重重。
国内把音乐听力训练类的课程叫做“视唱练耳”，视唱是什么？看到一份陌生的乐谱，能够准确的把它唱出来（如果使用乐器演奏出来的话就称为视奏），但我认为“练耳”应该在“视唱”之前，举例来说，你首先得知道纯五度是什么音响效果，经过反复练习后建立起了对于纯五度的内心听觉，这样当你在视唱时遇到一个纯五度的音高变化你才能把它唱出来。
说到练耳大家最重视的是音程、和弦什么的，节奏却往往被忽视，而一段音乐旋律的本质，从纵向来讲是音程的变化，从横向来讲是节奏的变化。尤其是中国人相对而言普遍节奏感较弱，所以节奏方面的听力训练尤其应该得到重视。
经过很好的练耳训练，对音程和节奏的音响效果形成稳定的内心听觉之后，视唱的问题就很容易解决了。
那对于乐理又该如何看待？我认为，乐理是前人对音乐规律的总结，是和感性的声音相对应的理性总结，是帮助你理解、记忆、记录、分析、创作音乐的工具之一。关于乐理是否重要，又有很多以讹传讹的说法，尤其是以“某某成功音乐人声称自己不懂乐理”作为“乐理无用”的理由。我认为，如果你不是万中无一的音乐神童，那乐理对你来说就有意义，懂肯定要比不懂好，懂得多肯定要比懂得少好。
但是大部分的乐理教学方式都是错误的：把乐理和声音割裂开来，把它纯粹当成一种书面知识来讲，无怪乎很多学生觉得学习乐理很枯燥乏味。乐理的很多内容，本质上只是最简单的数学而已，要理解它很容易，但问题不在于此——只是理解它是没有什么意义的，关键是要建立起乐理和音乐听觉之间的联系。换句话说，乐理只有落实在听觉上才有意义。下面我更进一步说明：
音乐学习中最核心的内容，是要建立起“耳”、“脑”、“嘴”和“手”四者之间的联系。
“耳”，指的是对于作为物理现象存在的音乐（听觉上的，包含音高和节奏两大部分）的感知和捕捉能力；
“脑”，指的是对音乐进行理性分析和构建的能力，即乐理、和声、曲式、配器和读谱能力；
“嘴”，指的是用人声来再现音高和节奏的能力（一个音乐素材，只有你能把它准确地唱出来，我们才认为你是真正听到了它，听懂了它）；
“手”，指的是乐器演奏技巧，对乐器这个音乐表现媒介的驾驭能力和熟练程度（能够通过乐器来再现你所听到的音乐，或者你自己内心听觉里的音乐）。
其中“耳”是一切的基础，“嘴、手”（演唱、演奏）是最显性的，最容易被大众直接感受到的，也是普通的老师和学生最看重的，“脑”是联系起“耳”和“嘴、手”之间的桥梁，是帮助你感知、理解、记忆、记录、分析、创作音乐的工具。音乐是转瞬即逝的，如果不把它记录下来，“固化”成视觉上的符号，人们很难去进一步对它进行分析。也许对于极少数音乐天才来说，可以省略掉中间这个桥梁和工具，但是对于我们绝大多数人来说它是不可或缺的。
学生对这个问题的理解是否透彻，决定了他对待相关课程的态度。很多正规音乐学院所开设的课程，看起来也是想贯彻这个思路，但是在具体的教材选用和教学方法上，有着很大的出入。在很多教学实践中，课程之间的联系被割裂开，教学方式僵化、教条、不够人性化，极大影响了学生的积极性和学习效果。我自己在收集国外教学资料的过程中，接触到一些先进的教学理念，也意识到自己之前所受的教育的缺陷，它们让我走了很多的弯路。我在对过去的缺失进行反思的同时，也一直在努力吸收先进的学习方法。我一直希望能够把这些好的经验传给我的学生，还是那句话：在学音乐这条路上没有捷径，只有少走弯路。或者说，在别人走弯路的时候你没有走弯路，这就是最捷的径。
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