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第一章 预备知识
在学习乐器时，有一个极其重要方面却总被忽视，那便是练习时的环境。努力为你的音乐学习或创作制造一个几乎不变的空间：一把舒适的椅子，一盏阅读用灯和一个乐谱架是必不可少的东西，这将使你的学习更有效率。这是一幅合理的练习布景的照片。坐在椅子上的你应该伸手就可以调节到音箱、收录机等设备。电吉他的各部位名称, 电吉他有许多不同的设计、式样和颜色。但他们都是由相同的部分组成的。这是一幅电吉他的照片，所有主要部位均已标明。
接上插头
电吉他必须通过扩音器（即音箱）才能发声。所以在弹奏之前，你必须有一条电吉他连线来连接电吉他和扩音器。 电吉他连线实际就是一段电缆线（内含两根细电线），两头均有一个1/4英寸的插头。最理想的电吉他连线是用一种屏蔽电缆线做的，这种屏蔽电缆线可以把交流声、蜂鸣声和无线电信号降低到最小程度，而非屏蔽电缆线则容易接收这些信号。既使是高质量的电吉他连线也需要在两个插头附近进行加固，以免这两处用力部位的电线断裂。把电吉他连线的一端插入电吉他的输出插孔，把另一端插入扩音器中的一个输入插孔，打开扩音器，调节音量和音调旋钮，选择你需要的音调和音量。
电吉他的持法。
电吉他是一种由许多不同的但相互关联的部分组成的实体装置。有效地持握吉他，以使你的身体和吉他处于彼此协调的状态。我们来看这一点。在吉他弹奏中，你的每一只手都有一定的工作要做。你持琴的方式得当与否会使这些工作变易或者加难。右手的工作是拿一个匹克(pick)，弹拨吉他弦。声音由此而产生。左手的工作是在琴颈上寻找正确的位置以便按弦，从而发出所需要的音高。
做这些工作最有效的方法是把吉他紧靠在你上半身，使得琴颈向上呈30°角，你以这种方式支撑着吉他，吉他便不会滑动。注意：禁止用左手以任何方式去阻止吉他滑动。左手必须完全自由地、毫无负担地从事它的工作:在指板的任何位置寻找音符。
坐姿时，吉他靠在你左腿上(左腿应该稍稍抬起)。两腿同时支撑着吉他，胸部和右前臂在其上方。臂不能用来支撑琴颈。当你想用站姿弹奏时，在站起来之前简单调整一下背带，这样使得吉他能保持原位。注意一致性：不管是坐姿还是立姿，吉他相对上半身的位置最好不变。这样不管你是用何种姿势，你都可用手进行相同的动作。这样使得弹奏容易不少! 请初学者及中级学员严格按此要求去做。当然随着水平的不段提高，你控制琴的能力也会不段提高，持琴的姿式便可逐渐自由。
右手技巧
现代的电吉他手几乎都是用匹克来弹奏。匹克是用塑料或一种名叫“赛璐珞” 的材料做成的，匹克的形状各异，尺寸和厚度不一。不同形状和材料的匹克会产生不同的音色，而且手感也不同。同样重要的是保持一致性。一旦你找到一种适合你的匹克，就一直使用它。(偶尔进行实验看看有没有更适合你的匹克，也不失为一个好主意。)若你习惯于使用重(厚)匹克，一个轻(薄)的匹克将会使你的音乐走样。反之亦然。
这是拿匹克的正确方法:用拇指与食指轻轻夹起。匹克应靠在食指一侧，并且与拇指对齐，通过大拇指表皮画一条假想的线，这条线应与匹克尖的方向垂直。指的第一关节必须与拇指尖对齐.当你弹奏时，移动应该来自肘部，而非手腕或手指，手腕要保持放松，随肘部移动。
左手技巧
在平常，你有很多时候是在用手来做事，所以你的手比想象的要灵活。试练习：取一本很厚的书，用右手拿住，然后把左手拇指放在上面。闭上眼睛，努力用拇指去对准书的另一侧的无名指。 睁开眼睛，检查一下。你成功了!就算有一本厚书把拇指和无名指隔开很远。你仍能够把拇指和无名指直接相对。这种意识证明了你的手能根据大拇指来确定其它手指的位置。这同样适用于吉他弹奏，你确定了拇指的位置也就确定了其它手指的位置。这种一致性使你能够流畅地、清楚地、快速地弹奏。左手要把拇指这样放在吉他琴颈后面。拇指（在露出琴颈时）可这样弯曲，而不要这样弯曲，按弦时，手指尖要在品柱后有力地下压，左手应保持自然弯曲。 为获得左手的一致性，你必须掌握各种把位的正确姿式。吉他上一个把位是指：一组四个相连的品，每个手指负责一个品。拇指和食指所在的品位数确定所在的把位。因而，这是第二把位。这是第五把位。这是第八把位。
在吉他上，左手手指用如下标号:食指＝1 中指＝2 无名指＝3 小指＝4
当一个把位由食指弹奏的品来标号时，真正起决定作用的是拇指的位置，因此只要拇指不动，你就没有变换把位。为了左手的一致性，拇指应该永远在琴颈背后与食指或中指相对，这要根据你的习贯及手指情况而定。但注意：不管什么手型一旦确定就不要改变。因此当你变换把位时，能够保持拇指和其它手指的固定关系的话，你就可以在吉他任一位置自由清晰地弹奏。
协调练习
这里的练习开始培养你左手的控制能力，也培养你左右手的协调性。把吉他放于身体的正确位置，右手正确地持拿匹克，同时把拇指置于第二品后，现在我们开始在第一把位弹奏。 吉他琴弦如下所标:食指按第１弦第一品用匹克弹弦。开始时匹克在弦上方，然后手腕向下自然移动，带动匹克往下弹拨。这是一个下拨，由符号表示。现在，按在第１弦第一品的左手食指保持不动，将左手中指按在第１弦第２品上，用匹克弹拨。同样，不移动左手任一手指，将无名指按在第１弦第３品上，用匹克弹拨。最后，在保持左手三个手指不动的情况下，将左手小指按在第１弦第４品上，用匹克弹拨。 在第２弦、第３弦、第４弦、第５弦，最后在第６弦上重复这个过程。
这个练习强调三条规则:
1)禁止多余的移动（这是为什么把手指压在琴弦上不动的原因棗抬起它们是一种无效移动）。 2)永远做最短距离的移动（也就是说右手在弹弦时，匹克的移动幅度越小越好，同样，左手在变换琴弦时，手指和琴品越近越好。)
3)永远做最放松的移动，紧张会使一切更难、更慢。
上述规则将帮助你更协调地弹奏!
第二章 吉他调弦
每次弹奏吉他之前，都要调弦。调弦有好几种方法。
你可以让空弦音与定音笛上相对应的音相比较
定音笛是一种类似口琴的装置，由６片金属簧片组成，每一个金属簧片与吉他上一空弦音相对应。你想为某根弦定音，那么你就吹响所对应的簧片，把空弦音与簧片音高相比较。
你可以把空弦音与钢琴上相对应的音相比较。
你可以用各弦之间的音高关系调弦，即每一弦根据上一弦定音，而上一弦的音已定好。 如：根据第６弦（低音Ｅ）对第５弦（Ａ音）定音，第５弦的空弦音与第６弦第５品的音高一致即可。
较好的方法如下:先弹奏6弦(已定好)5品的音，接着马上弹奏5弦空弦音，让两弦同时发声。当两弦同时发声时，不放开左手，用右手去调5弦旋钮，使5弦空弦的音高与6弦5品的音高相一致，音高一致时，两音就会融成一体。
重复上述过程，根据5弦5品的音调4弦空弦音。
接着，根据4弦5品的音，调3弦空弦音。
然后，根据3弦4品的音，调2弦空弦音。
最后，根据2弦5品的音，调1弦空弦音。
由于你在对其它弦调音时，有些已调好的弦可能会跑音，因此最好再重复一遍调音过程.你可以用一个电子调音器来调弦。把电吉他连线一头插入吉他，另一头插入调音器输入插孔。打开吉他音量旋钮，分别弹奏每一根弦。你会在调音器的一个仪表或发光的二级管上看到何时此弦处于正确的音高。电子调音器除有一个输入插孔外，还有一个输出插孔，可以用来连接扩音器。这样你的电吉他便能通过调音器与扩音器相连。对职业电吉他演奏者来说，这是最常用的方法。
第三章 术语
术语定义
在本书中，我们将涉及把位、指法和在吉他琴颈上的动作。这里的一些术语将帮助你更好地理解本教程的内容.
沿琴颈上下移动
沿琴颈向上移动是指，左手沿着指板朝拾音器方向移动；沿琴颈向下移动是指：左手朝弦枕方向移动。这些移动方向之所以被称为“上”和“下”是因为作这种移动时音符会变高或变低
高音弦和低音弦
同样的道理适用于对每一根弦的描述:高音弦即音较高的弦。虽然它们实际上离地面最近。低音弦即音较低的弦。
弹拨方向
我们已经学会了右手下移(朝地板方向)拨弦的下拨弹法(符号表示)。
当你往相反方向(朝脸部方向)移动匹克而拨弦，这就叫做上拨，以符号表示。
在演奏中，节奏吉他手倾向于使用下拨，因为这样更有力，发声更从容。下拨、上拨交替使用称为交替弹拨，用于弹奏流畅的主旋律部分。
第四章 乐谱
标准乐谱（即五线谱）
乐谱就是在纸上代表音乐声音的书写符号。吉他手们很幸运，可以用两套互补的乐谱体系来描述所弹奏的音符；即标准乐谱──五线谱和符号谱──六线谱。
标准乐谱即五线谱是钢琴、提琴及管弦乐器等共用的乐谱体系。它由五条线和，一个叫高音谱号的符号组成。
符头在五线谱上的位置决定了它的音高(由一字母表示)，音符形状(符头、符干、符尾)决定了节奏(音长)。
音符的组成
一个音符的音高由它在五线谱上的位置决定。符头是否充实表示其音长。符干是否存在表示音的长短。符尾是否存在表示音有多短。
当在同一行中有一个以上音符带符尾，这些符尾由梁代替，梁与尾的长度正好一致。这样易于读谱。
符号谱（即六线谱）
符号谱采用六条线，每一条线代表吉他上的每一根弦。最上面的一条线代表吉他的第１弦，最下面的一条线代表吉他的第６弦。在线上放上数字，可以表示某弦的某个品位的音，数字0表示某弦的空弦音。例如:对于吉他手来说，六线谱相对于五线谱的明显的好处在于：它能告诉你在什么位置正确地弹奏一个指定音符。例如: 这个音符(高音E)在吉他上可以在五个不同位置弹奏:
六线谱在表示音符的把位时尤为方便，它以图解形式告诉你在什么位置换弦，什么时候转换把位，而五线谱则无法象六线谱一样处理把位转换。
数字谱（即简谱）
它主要用阿拉伯数字来表示音符，简单明了。
通过上述三种乐谱的结合，你应当非常清楚地知道在吉他上怎样和从哪里寻找音符，以及这些音符的长短。本书中所有谱例将同时用五线谱、简谱、六线谱编写．
节奏。音乐有两个主要组成部分:节奏和音高。节奏是指音符如何及时发声及相互之间的联系。每一音符相对音乐节拍都有一定的音长。节拍是音乐的基本组成单位，也叫拍子。当你跟着音乐拍脚（即用脚打拍字时），你是在随着节拍动作。
随着音乐拍子有规则地拍脚是一种应培养的技能。这会让你实际地感受到节拍，而你的手可以抽出来根据脚所打出的拍子在吉他上弹奏。这使你能感觉到音符和节拍的关系。
节拍通常“成组”重复。在乐谱中，我们把音乐分成这些重复的组。一组所占的时间称为一个音节（俗称小节）。每个小节的边界由竖线来表示，这叫做小节线。
乐谱开头的节拍符号表示每一小节有几拍，以何种音符为一拍。在这个例子中，音乐是４／４拍。这意味着以四分音符为一拍，每一小节有四拍。四分音符是根据它在4/4拍中占一个小节的1/4而命名的。4/4拍应用相当广泛，因而也被称为普通节拍，大多数摇滚和流行音乐都是4/4拍。
音符时值
下面是4/4拍中基本的音符时值:
＝全音符-4拍 一个全音符占一小节或4拍
＝半音符-2拍 一个半音符占半个小节或2拍。两个半音符占一小节，相当于一个全音符的时值。
＝1/4音符-1拍，一个1/4音符占1/4个小节或1拍。
＝1/8音符-1/2拍 一个1/8音符占1/8个小节或1/2拍。2个1/8音符 相当于一个1/4音符的时值。8个1/8音符占一小节。这是每个音符时值的计拍方法。
为了很好地掌握节奏，你必须会数节拍。试练习：开始慢速用脚打拍子。保持平稳似钟摆的节奏，这样每拍之间的间隔正好一致。一边拍脚一边计数，按4/4拍的拍子数，数到４后便反复，象这样:1-2-3-4，1-2-3-4。
要保证你的计数发音与脚拍同时进行，确保在4(一个音节的末尾)和1(下一音节的开头)之间的间隔与任何两拍之间的间隔一致。换言之，在一个小节的第4拍和下一小节的第1拍之间无间断。
其它表示节奏的方法
你可以用附点、连结线和休止符来改变一个音符的长度。一个附点把一个音符的时值延长一半。
连结线是连结两个具有相同音高的音符的一条曲线。连结线指示你只弹第一个音符，这个音符的音要持续两个音符相加的时值。
音符之间的静止由休止符表示。休止符与发声音符一样分有长短。一个休止符表示某段时值不发声(不弹奏，没有持续的音符声)。
音高
一个音符的音高是指这个音符发声的高低。在五线谱中，音高用字母:A，B，C，D，E，F和G表示。一个音符的音高在五线谱上由符头落在哪条线或间上来表示。在简谱中，音高用阿拉伯数字：1,2,3,4,5,6,7表示
这七个自然音符可以通过使用升半音号和降半音号来改变。一个升半音号(#) 把一个音符提高平音──吉他上一个品的距离。一个降半音号Ｂ把一个音符降低半音(一个品)。一个改变后的音符可以被称为升半音或降半音。例如，在第1品，第3 弦上弹奏的音符可根据情况称为G#或Ab。
节奏型
在弹奏节奏吉他时，光读节奏而不管音高显得较为容易。这样只有和弦发音，可使用节奏型来标示。和弦发音由这样的图表表示(称为和弦图):
图中圆圈表示你手指的位置，和弦图框上的字母０表示要弹奏的空弦，图框上的×表示不弹奏的弦。圆圈中的数字表示用左手哪个手指去按弦。
节奏型看起来象没有符头却有切口的音符。符头、符干和符尾依然表示节奏型的节奏时值，但你不用去反复读一组音符，你只要读一下和弦标记，然后根据节奏型所示弹奏。但更为简单、更好的方法是给出和弦图，并告诉你这一节奏的节奏型。这样读起来就容易多了!
第五章 重金属节奏
强力和弦
在重金属（又称硬摇滚）演奏中，最基本最常用的和弦是强力和弦。该和弦由于能产生巨大音响而得名。许多摇滚音乐以Ｅ和Ａ调写作，因为这些调能体现吉他的强低音和空弦音。
下面是双音符Ｅ５强力和弦的左手指法。
记住，左手手指按弦时，应尽可能贴近品柱，但不要放在品柱上。
若你的手指远离品柱按弦，音符将会有杂声或不发音。
若你的手指在品柱上按弦，音符将会不很响或走调。
如果贴近品柱按弦，音符将会清晰、逼真!
左手尽量用指尖按弦，手指应尽可能贴近品柱，保持手指变曲。
按好E5，右手用匹克向下同时弹拨第5、6两弦(注意和弦图中的X)
千万不能碰响其它弦。
你一旦能清晰地弹响此和弦，就可以进一步在节奏中弹此和弦。我们开始练习每个小节弹一个Ｅ５和弦。图示如下:
试着练习：象以前一样拍脚、计数。拍脚、计数一旦有了稳定的速度，就可加入吉他弹奏。每次你数“1”时，用下拨弹E5和弦。和弦发声后要继续你的计数，并与脚拍保持一致的速度，在进行过程中，你将会发现你越弹越快。避免这种倾向、以稳定的速度弹奏是一种十分重要的技能。摇滚乐和重金属音乐之所以能有它们的力量和效果，部分原因是由于高度的技巧和稳定的速度。
Ａ５强力和弦
下面是A5强力和弦的图示及谱例。
这个和弦比E5难，因为所有弹奏都落在内弦上。(1弦、6弦是外弦，其它各弦为内弦)你得十分小心地运用匹克，避免碰到6弦。在弹奏这个和弦时，你应只弹响 5弦和4弦（两弦要同时发声）。
现在在节奏中弹奏A5和弦，就象我们弹奏E5那样。要尽力保持右手弹拨的一致性。每一弹拨的声音必须与其它弹拨声音一致。记住，要一边拍脚（不一定非得出声）一边计数（内心默计）一边弹奏。
现在让我们试一试变换和弦。先弹奏E5，然后弹奏A5，反复进行这项练习，直到你觉得不错了，然后再在这样的节奏中变换和弦:
首先，你要用相同的节奏弹奏每一和弦，一旦你掌握了，可尽量使更换变得自然流畅。
你要让第一个和弦尽可能长时间地发音，然后迅速地更换到下一和弦，这样声音听起来不觉得有中断。这就要求你用最小的移动来变换和弦。在变换和弦时，手指应尽量贴近音品。禁止高抬起手指!
一旦这个和弦更换比较自然，就可以在每一小节中弹奏更多的和弦，试练习:
当你能够弹奏了，可再作这个练习
最后作这个练习:
在作上述练习时，要追求平稳流畅的和弦变换和右手弹奏的一致性。
D5强力和弦
我们要学习最后一个开放的强力和弦是D5和弦:
用你曾接触过的所有节奏来练习这一和弦。
当你能很好地掌握这一和弦时(保证只同时弹响4弦和3弦)，练习从A5到D5的更换。当这个练习也变得轻而易举时，试着练习E5到D5的更换。这个练习有点难度，因为你左手换和弦时必须跨过4弦。
下面是三个练习，帮助你练习这三个和弦之间的转换。
练习指南
如果你能每天练习，那么这种练习的效果会很好。若你不能每天练习，那你的练习效果就会大打折扣。练习越多，提高也就较快。每天在开始练习前，应先作协调练习，因为它可以使你的手处于理想状态。在一些没时间练习的日子里，若你能挤出五分钟时间进行协调练习，这会帮助巩固你的提高。
记住：在练习中你要做的一件最重要的事──培养好的弹奏习惯。习惯是指你在无意识的时候的动作。“重复养成习惯”，所以，若你以良好的手法和正确的持琴姿式反复弹奏，不用多久你便会养成好的习惯。这样你可以把精力转移到弹奏上和其它需要注意的问题上。
第六章 重金属主旋律
单音
吉他手必须象弹好节奏那样弹好主旋律。伟大的吉他演奏家如：埃迪•范•海伦，斯蒂夫•费，扬恩卫•骊斯蒂姆和乔•圣脱安尼激烈的主旋律演奏给人留下了难忘的印象。学习弹奏主旋律的第一步是学会单音弹奏。
我们开始在4弦上弹奏音符E。
这里的关键是只弹一根弦，而且要弹的清楚。练习:
当你掌握这个以后，试着更换音符练习.
华彩短句（又称连复段）
华彩短句是一小段独立的音乐片段。现在让我们作一下这种练习。
这是华彩短句在乐谱中的图示:
由反复符号:包括的一段音乐需要弹奏两遍。
以稳定的速度反复弹奏。
华彩短句通常与“和弦进行”一起出现，这个连复段也不例外。下面是这个连复段的节奏吉他谱例。依靠朋友或录音机的帮助，弹奏上面带反复的华彩短句。
“和弦进行”是指几个和弦组合在一个音乐框架里，以产生旋律效果或和谐的配合。
若你和朋友一起练习，你们可以轮流弹奏节奏和主旋律。若你单独练习，在弹奏节奏部分时可先自行录音，然后再跟录好的磁带练习主旋律。通过这样的练习，你会发现节奏吉他与主旋律吉他一起弹奏时，效果最佳。这便是音乐的工作原理：各个部分互相依赖!
华彩短句中的音符都是以旋律音阶为基础弹出的。(一个音阶是指以字母顺序排列的一系列音符。)这个旋律音阶被称为五声音阶，因为它仅由五个不同的音组成。(大多数音阶包含7个音符。)下图是前Ⅲ品上的１２个音符，它们组成E小调五声音阶。
现在练习这个有空弦音的E小调五声音阶。
上行练习
下行练习
直到你真正熟练掌握。
然后当朋友弹奏或录音播放我们用过的和弦进行时，练习弹奏五声音阶。注意这个音阶有一种布鲁斯音乐的感觉，不管弹奏哪个和弦，每个音符都很悦耳。这就是五声音阶的美妙所在──在许多不同的和弦中，它都很和协。这在即兴弹奏时尤为有用，因为它使你集中注意力于如何弹奏而不用去管哪些音符与这个和弦一起弹奏。
交替弹拨
到现在为止我们已经使用右手的下拨弹奏过全音符、半音符和４分音符。电吉他往往应用大量的快速音符，所以我们要学习两个相互联系的知识:８分音符和交替弹拨。
简单地说，交替弹拨就是指下拨、上拨、下拨、上拨……例如，试着用交替弹拨做这个练习：
除了使你能更快地弹奏外，交替弹拨还有一个非常重要的作用，就是它使你能根据右手上下拨弦的动作来正确地默数拍子。８分音符这样数拍:
你的匹克弹拨与你的数拍一致:
注意每次你默数拍节的“数字”时，右手正好下拨，默数“和”时，右手正好上拨。在弹奏８分音符时，学会在“数字”时下拨与“和”时上拨是至关重要的。这个技巧的一致性会让你在单音符主旋律片段中保持节奏稳定，以避免通常会有的逐渐加速的倾向。
让我们用交替弹拨练习一些带有1/4音符和1/8音符的华彩短句。
最好能够连续重复弹奏这些短句。也就是说，在反复弹奏过程中，一个短句的末尾和另一短句的开头之间不应有间断。
第七章 切分音
切分音
所谓切分音是指转变或打乱节奏、节拍或重音正常的位置。其中一种方法是加强弱拍。弱拍是指后半拍上的音符。在你掌握了对时值进行各种组合之后，你便可以集中注意力于加强弱拍的练习。当你“拍脚”时，脚从下向上抬到最高点的时间便是弱拍的时值。
下面介绍附点、连线和休止符在图示上的一些表示方法。附点、连结线和休止符。
我们知道一个音符的一个附点能把该音符的时值增加一半。一个2拍的音符增长一半后为3拍。一个1拍的4分音符增长一半为1拍半。
首先，一边“拍脚”，一边唱下面这首熟悉的旋律，注意体会附点节奏。然后随着“脚拍”弹奏此旋律。连线亦可用以加强弱拍，记住，当两个音符被连线连接时，第二个音符不用弹奏，只是在第一个音符后持续它的时值。
练习下列片段，不要加重弱拍。你将发现音乐中的节奏自然地加强了弱拍。休止符亦可用以加强弱拍。休止符是在音符之间插入静止。它对刻划音符或和弦、分隔音符或和弦有帮助。
下面这个练习，表示两段相近音乐之间的区别，其一采用了连线，其二采用了休止符。休止符可防止音乐混杂在一起，同时能产生戏剧性效果，这是由于有静止与声音之间明显的对比。遇到休止符时，你得用右手掌的底部对琴弦消音。这样使发音在休止符期间停止。
在有休止符的音乐中，吉他手要对弦消音。在有连线的音乐中，吉他手要让弦发音完整。
第八章 和弦
开放和弦
电吉他也使用开放和弦──带空弦音的和弦。民谣吉他、佛拉门格吉他经常采用这类简单和弦。然而在电吉他演奏中，右手弹拨和弦的方式与上两者有一些不同。
Ｄ和弦
这是Ｄ和弦的左手指法。图表中的字母Ｄ是指和弦的根音或和弦名称。这是一个Ｄ和弦，根音是音符Ｄ（即４弦空弦）。
习惯上假定所有和弦均为大调，除非另外指明。例如，Ｄ表示一个Ｄ大调和弦。Ｇ表示一个Ｇ大调和弦等。小调和弦需在和弦字母名旁边用小写的Ｍ表示，例如，一个Ｄ小调和弦写作ＤＭ。
这里需要注意几个问题。首先，保证每一手指尽可能贴近品柱，第二，小心别让你的第３手指碰到第１弦（这样会使１弦不发声）。用匹克分别弹拨每一弦（注意和弦图中的Ｘ──你在这一和弦中仅弹拨四条弦），所有音符应该发音而且持续。若不发音，检查左手的每个手指，看看是否离品柱太远，注意：不能用任一手指的某一部分碰触另一弦，因为这样会使其不发音。保证手指弯曲，坐姿端正。要用指尖按弦。你一旦能够使四个音符全部发音清晰，你便可以扫弹这个和弦了。
轻拿匹克，往下移动右手，使得匹克在这一个动作中划过四条弦。
在这里要尽可能快地划过弦，使人感觉你是同时弹拨这四根弦的。当你做下拨动作时，要有一个轻微甩的感觉，好象你要轻轻地甩掉手背上的什么东西一样。这会使所有音符听起来干静、整齐。
A7和弦
这是A7和弦的左手指法。
首先，练习扫弹这个和弦，使其清晰响亮。特别注意：第３弦上的音要能听到。不要让左手食指碰到３弦，因为这会使得第３弦不发音。
你一旦能清晰地扫弹这个和弦，就可以试着做Ｄ到Ａ７的转换练习。能够迅速换和弦是一种非常重要的、需培养的弹奏技能。在弹奏和弦的时候，为使音乐流畅圆润，你要让第一和弦尽可能长时间发音，然后以最快的速度更换到下一和弦。
首先弹奏Ｄ和弦，然后抬起第３指，接着把另两指往下各移一弦，这便是Ａ７和弦的左手指法。当你移动两指时，尽量同时移动，在移动过程中保持原来的距离。 从Ａ７和弦返回Ｄ和弦，将上述过程逆向进行即可。
你一旦能在Ａ７和Ｄ之间自由地来回转换，就可试着在节奏中进行转换。
或者，加快一点。
Ｃ大调和弦
这是Ｃ大调和弦的左手指法。
同样你只弹奏５根弦（参见×），每一根弦都要发音清楚。
G大调和弦
这是G大调和弦的左手指法。
这个和弦较难按，原因有二：第一，你第一次使用小指，第二，第６弦与第１弦之间相距太远。
若你不能马上弹奏这一和弦，不要泄气！先练习其它和弦，最后再练习这个和弦。在两三个星期内，随着你手指伸展性的加强，你会掌握它的!
练习指南
在培养技能时，有规律地进行顺序练习是大在裨益的。
在这点上，一种较好的练习顺序是:
1)慢慢弹奏协调练习，然后加快。这是热身活动，使你左手进入把位。
2)练习强力和弦。每一星期练习一两组更换比每次弹奏许多不同和弦更有收效。记住，练习中最重要的是重复。
3)练习华彩短句。
4)练习和弦。先做单一和弦练习，再做和弦转换练习。
5)在朋友或录音带的伴奏下，用五声音阶进行即兴弹奏。即兴弹奏意味着你边弹边创造。在这种情况下，唯一规则便是:保证你弹奏的所有音符都来自于你的五声音阶。
练习从G和弦到C和弦的更换，一开始弹奏G和弦。然后把第4手指抬离第1弦。接着把第2、3指从第6、5弦移至第5、4弦。保持手指的整体性和互相之间的相对位置。最后，把第1手指放在第2弦上，完成C和弦。
从C到G，反向移动。
最理想的是所有手指同时移动。但若你现在还不行，那就按上面所讲的那样分步完成。
Ａ小调和弦
这是Ａ小调和弦的左手指法。
在你熟练掌握这一和弦之后，练习下面的从C到Am的转换:
弹奏C和弦，从第5弦第3品上移动第3指到第3弦第2品。禁止抬起第1、2指。它们可能会随着第3指的运动而沿琴弦前后移动，但不要抬起。
再从A小调更换到C大调，反向移动。
Ｅ大调和弦
这是Ｅ大调和弦的左手指法。
这个和弦和Ａ小调有相同的形状，但落在不同弦上。在你能熟练弹奏Ｅ大调后，练习从Ａ小调到Ｅ大调的转换如下:
弹奏Ａ小调，接着抬起整个手指，在空中整体移动并保持原状，然拍把各手指放于Ｅ大调指法位置。来回更换几次。
练习指南
下面的练习指南对你的和弦转换有帮助。
一些更换比另一些要容易。下面是几种和弦更换情况，从易到难排列:
1)只移动一指的更换。如，C大调到A小调。
2)移动整个手形或手形的主要部分的转换。如，A小调到E大调或D大调到A7。
3)只有一指不动的转换。如，E大调到G大调。
4)所有手指都变动的更换。例如，C大调到D大调。这些更换类型最困难，要做到完美，需要大量练习。
当你碰到一种新的和弦更换时，要先仔细分析一下，看看哪个手指可不动或保持原形。总是要尽可能地缩小和减少移动，努力放松。
有效地练习和弦转换。较好的方法是拿两个和弦，分析两者之间更换所需的移动，然后进行更换，至少五次。接着，拿这些和弦和其它一对再分析，再更换……
我们对这些和弦进行一些新的弹奏。
有时你得先弹奏根音，然后再弹奏和弦的其余部分。试练习Ｄ。
首先，按好Ｄ和弦，接着仅弹奏根音，之后再按照节奏弹奏其它三根弦三次。
试弹奏这样的和弦进行。
开放的大、小和弦和七和弦
下面是１５种常用的开放和弦。一次性地学习这些和弦，并练习每个新和弦与其它和弦的相互转换，包括强力和弦。大量的重金属音乐把强力和弦和开放和弦混合使用，所以在这些和弦之间的转换要象你在两个音符的强力和弦之间的转换一样熟练。
图中的每个和弦，根音是最低的音符。先弹奏单音符的根音，然后弹奏除根音外的其它所有音符。通过“根音—弹拨—根音—弹拨”来变换手势。这种“根音─ ─弹拨”的节奏型是一种重要技能，因为这是吉他伴奏的基础。你能在民谣吉他的伴奏中听到这种弹法。
第九章 大调音阶
Ｃ大调音阶
我们弹奏的所有单音都来自Ｃ大调音阶。这个大调音阶是所有西方音乐的基石，如古典音乐、爵士乐、摇滚乐、布鲁斯音乐和重金属音乐。Ｃ大调音阶由七个自然音符组成（Ａ Ｂ Ｃ Ｄ Ｅ Ｆ Ｇ），开头和结尾均为Ｃ（Ｃ Ｄ Ｅ Ｆ Ｇ Ａ Ｂ Ｃ）
下面是开放的Ｃ大调音阶的图示:
这是一个练习，包括开放的Ｃ大调所有音符。注意匹克的弹拨方向。
许多旋律，包括重金属歌曲的旋律，都是大调。这里是一些Ｃ大调中的旋律，它们的和弦伴奏在五线谱的上方用节奏型表示。要遵守匹克弹拨的规则。
这个旋律来自于“枪和玫瑰”的“我的小宝贝”，原调是Ｇ调，但在这里用改用Ｃ调示谱。
这段旋律来自于斯克德•洛的“无法忍受的心痛”，旋律从第２拍开始，伴奏则从第１拍开始，这点在刚开始时较难掌握。注意数拍，这样不会被休止符所迷惑。
这一段来自于法丝特•蒲丝卡特的“痛苦的房子”。该旋律在小节中的不同位置出现了切分音。注意前两小节与后两小节之间的相似点。
结 论
到现在，你应该会弹奏强力和弦、开放和弦以及Ｃ大调和Ｅ小调五声音阶的旋律，也会即兴弹奏一些五声音阶的内容。下一册将进一步深入，更多地教授你节奏、华彩乐句等。
你要知道：练习需要时间和努力，而且进步有不同层次。这种情况是存在的：有些时候努力练习不一定会产生显著的效果，相反，有些时候几乎不做什么练习，弹奏却有了明显的提高。在这里我要告诉你：重要的是坚持，千万不能放弃，特别是在努力练习之后却感觉没有丝毫进步的时候。
你应一边做书中的练习，一边拿吉他去实践。尝试一下各种音乐。看看你发现了什么。所有事情中最重要的是从弹琴中获取快乐──若不是这样，你不可能坚持弹奏。所以，千万不要把它当成一种负担。练习仅是一件事，但它不是唯一的事。而且也不象在学校──现在没有成绩也没有作业。只有令人激动的摇滚乐。
他弹得又快又好，尤其是像国外的大师级、吉他手弹的那样，是很多朋友的梦想。今天有更多的吉他爱好者十分喜欢把吉他弹得飞快，醉心于速拨所带来的快感。但是，很多朋友在练琴的过程中对速拨这个棘手的问题感到很困惑，速拨时如何才能像国外吉他手那样弹得很有颗粒感、速度又快、而且还很干净呢？一些朋友在看教学录像带时经常会发出感慨：“你看看老外，他们是怎么弹的？一双手真有力量，每个音的颗粒感都那么的好！”尤其当看到yingwei 和paul gilbert这两个大师级的吉他手时，更是赞叹不已。当然，这两个吉他手在当今世界上也是顶尖的吉他手，而且，都是弹琴速度奇快的标志性人物。那么我们能不能那些世界级优秀吉他手那样弹得那么快、那么好呢？答案是肯定的，每个人通过正确的练习都能够像他们一样。但是，究竟怎么才能达到这个目标，很多朋友心中都没有一个最肯定的方法。
作为一个吉他手，我在最初练琴的时候也同样碰到了速度上不去的问题，而且也曾经困扰了很长时间，但是，最后我通过仔细地练习和思考，解决了这个难题。下面就是我的一些心得和体会，希望能帮助大家。这个难题可以分成两部分来解决，一部分是自身的问题；一部分是器材的使用问题。
我们首先来看自身问题：
我在观赏外国吉他手的现场表演时注意到，他们的手很有力量，无论是左手还是右手，这就说明手指的力度对于速度来说是很重要的一部分，实际情况也是如此，手指的力量也直接影响到弹琴的音色。左手的手指力量不够的话，按弦就不会很好，音色也会很含糊不清，而右手力量不足的话，拨弦的力度就不能保证，速度就上不去。那么怎样进行练习呢？
首先，要让自己的左手的手指力量变得很足，尤其是按弦的手指更是要保证力量，因为如果左手按弦的时候没有力量的话，音色听起来就会很软，而且因为按弦力度不足会造成弹奏的每个音的音头很不明显，这样听起来颗粒感就不会好，每个音也就谈不上饱满了。那么怎么来锻炼左手手指的力量呢？我不赞成用辅助器械来练习，因为无论再怎么练，最后还是要回到琴上面去，不如一开始就在琴上面练习。我的方法是：首先，在慢速的状态下进行轮拨练习，至于是爬格子还是练习音阶就看每个人的爱好了，把节拍器的速度调到大概在60到80之间，主要练习四连音练习就可以，要确保左手的每个按弦的手指都要很实在地按倒了琴弦上面，注意不要让手指太紧张，这样会很累而且可能会引发关节病，仔细听一下用力结实地按弦时发出的声音和不用力的时候发出的声音有什么不一样，你会发现区别很大，记住发出的声音，并且在以后每次弹琴的时候都要按照这个声音作为标准来练习。在练习了大概20分钟左右，休息一下手，然后把速度调快到160左右去试一试，很可能根本无法跟上这么快的速度，不过没关系，努力地跟着弹一会儿，大概一分钟左右，再把速度调到180到200去弹四连音。你也许可能会惊呼，“这太快了!”不过没关系，这只是找一找在这么快的速度下的感觉，这个速度初学者肯定无法跟上，但是也不要灰心，各种节拍大概弹一分钟左右，然后再回到160 的速度。哈哈，你会发现在这个速度上勉强可以跟得上了，而且左手的力度也还不错，每个音都还听得比较清楚，这就证明自己已经有了进步！
在160的速度上面弹四连音的爬格子，或者各种音阶练习，弹大概5分钟左右就要休息一下，因为手部的肌肉这时候已经很累了。当手不是很累的时候再重新从最慢的练习方法开始，然后加快，再到很快(但是跟不上)，再回到比较快的速度。这样，手的肌肉会很快适应弹快速的乐句时的紧张程度，手会在你想弹快速东西的时候，迅速地做出正确的反应。如果在某一个速度上面已经很熟悉和很轻松了，比如现在弹160的四连音很轻松了，那么就把快速练习的速度再调快一些，比如去弹170或者180，最快的速度是弹200或者210，以此类推，直到实在无法再快了为止。一般来说，每个人最后都能够达到很清楚和轻松地弹奏 200速度的四连音，最快的人可能会到210～240不等（这已经是很疯狂的速度了！要知道yingwei的歌曲里最多的才到190的四连音或者150左右的六连音！）。这个练习是我每天必练的基本功之一，因为只有每天练习，才能保证手的肌肉状态不会发生变化。
还有手指的力度一定要保持好，无论弹得多快、多慢都要做到左手按弦时力度是均匀的、有力的，是以能够弹得最清楚的力度去按弦的，除非音乐本身需要手指改变力度来让音色发生变化。通过一段时间练习，我大概是练了有三个月的时间，就基本上能够达到中级水平，也就是190到200之间，半年多以后就已经突破200的速度大关了，而且是弹音阶，不过在这么快的速度上面弹音阶实在是不太好听。我并不是每天都有很多时间来练琴，所以进步速度并不快，我相信会有很多人的进步速度比我快得多。
右手的练习是和左手同时进行的，右手的练习除了力量外，加强左右手之间的协调性练习也是必不可少的，一定要保证左右手的速度能够精确得同步，这样才能把左手扎实的音色体现出来。我的经验是多练习各种轮拨技巧，比如大量的音阶练习和跳弦练习，音阶练习我就不用多说了，跳弦练习对于提高左右手的协调性会有很大的帮助。我具体的练习方法是这样的，以爬格子来举例：先弹6弦的1-2-3-4，然后再跳到4弦上面弹1-2-3-4，然后回到5弦上面弹，然后跳到3弦上面，再回到4弦上面，再跳到2弦上、3弦上，再跳到1弦上。然后把这条练习颠倒过来变成一个下行的跳弦练习。还有一种是这样的：先弹6弦的1-2 -3-4，然后再跳到4弦上面弹3-4-5-6，然后回到5弦上面弹1-2-3-4，然后跳到3弦上面弹3-4-5-6，再回到4弦上面，再跳到2弦上、 3弦上，再跳到1弦上。然后依然把这条练习颠倒过来变成一个下行的跳弦练习。在这些练习已经比较熟练了以后可以把音阶编入到跳弦练习里面，这样可以让音阶的变化丰富多彩。右手的力量练习主要就是集中在拨弦上面，关于拨弦的方法我个人认为没必要统一到一种方法上面来，国外的吉他手在右手的轮拨上也是有很多种不同的方法。轮拨最常见的有振臂法和振腕法，除此之外还有很多方法，只要是能够让自己的速度提高，又不会感觉很吃力的方法都是好方法，其实我们最关心的是怎样能够让自己的右手拨弦速度得到提高。我的练习方法也是和左手配合进行的，在左手练习力量和爬格子的同时来提高右手的速度。但是有一点要特别注意的是 ——力度！这个是很重要的问题，拨弦的力度直接影响到拨弦的质量好坏，也就是音色的好坏。那么怎样才算是正确的拨弦方法呢？第一要确保拨片在手指间拿得很牢，如果拨片左右摇晃的话肯定速度上不去，第二是每次拨弦的力度都要一样，让吉他琴弦发出清晰明亮的声音为准。第三是尽量能够让每次拨弦时拨片都用同一个地方接触琴弦，这样能够保证音色的统一。能够做到这三点，基本上每次拨弦就都能够发出动听的音色来了。而且，我在练习的时候右手是和左手同时进行的，也就是左手在练习按弦力度，右手练习拨弦练习，合起来就是协调性练习。右手的速度练习方法和左手一样，都可以在爬格子的练习中得到提高，而且也是从慢到快，再直接到飞快，再到快，再回到慢的练习。注意在练习的时候一定要保持右手拨弦的力度一致，仔细听拨弦音色的不同，如果对自己的音色感到不满意就想一想是哪只手的问题。通过一段时间的练习自己慢慢地就会控制左右手的力度变化了，能够根据不同的音乐来采取不同力度，让音乐变得更加丰富多彩。还有要说明的是我不主张“狠练法”，当感到自己的手很疲惫的时候就要休息一下，甩一甩手腕，轻轻揉揉手掌的肌肉，放松一下，如果一直狠练的话容易造成肌肉拉伤或者韧带的损伤，千万要注意。
还有就是击拉弦的练习方法，击拉弦主要是左手手指的运动，在练习时就要多练习左手的力度。和上面的练习方法很类似，首先要让击拉弦的手指力度保持一致，而且要用力地击打和勾拉琴弦。力度到底多大最好？力度的大小最好是能够让击拉弦时吉他发出的音量和拨弦时发出的音量相等，只是音色上面的差别。然后要在不同的琴弦上面进行击拉弦的练习，因为不同的琴弦所发出的音色不一样，而且音量也不一样，但是练习时要保持音量和音色几乎一致。还有就是练习击拉弦的时候一定要把每个音都很清楚地表现出来，不能有拖泥带水的感觉。音和音之间的时值长短要一样。其实击拉弦最难练的就是小指和无名指，这两个手指平时很少用到，灵活性肯定不强，所以要多练习这两个手指。通过一段时间的练习，会发现自己的左手肌肉明显的大了一些，尤其是手掌外侧的肌肉，这就证明练习是富有成效的。每天要保证大概半小时以上的时间练习上面所说的方法练习，确保自己不会退步。
布鲁斯是布鲁斯乐曲最基本、最常用的形式，所有吉他手几乎很熟悉。要想成为好的布鲁斯、民谣、乡村、甚至摇滚吉他手，就一定要把这个乐曲形式牢记于心。在根本不用思考的情况下也能流畅弹奏出来。
在这个很简单的进行中，可按AAB结构划分为三段，每四小节一段。在第一、二段中，音乐动机重复伴有细微的变化，在第三段或结束段中，新的动机出现。如果我们把和弦级数写在每小节中，就是这样的：
1 2 3 4
| I / / / | I / / / | I / / / | I / / / |
5 6 7 8
| IV / / / | IV / / / | I / / / | I / / / |
9 10 11 12
| V7 / / / | V7 / / / | I / / / | / / / / |
I = 主音和弦（一级）
IV = 下属音和弦（四级）
V7 = 属七和弦（五级）
如果我们将和弦放到调当中，就是下面这些和弦：
E大调: I级 = E, IV级 = A, V7级 = B7
A大调: I级 = A, IV级 = D, V7级 = E7
D大调: I级 = D, IV级 = G, V7级 = A7
G大调: I级 = G, IV级 = C, V7级 = D7
C大调: I级 = C, IV级 = F, V7级 = G7
熟悉乐理的朋友会发现上面的几个调是按照五度循环，向左循环的顺序排列下来的。并且能注意到上面一个调的四级是下面一个调的主音，下面一个调的五级是上面一个调的主音。
在听乐曲的时候，要仔细听属七和弦与主音和弦之间的关系。听属七音是如何引导你的耳朵和情绪回到主音的。属七和弦里的音阶音7和4所组成的小五度音程，造成了音乐的紧张感，很自然地被解决回到一级主音。（音阶中的7、4音是属七和弦中的5、7音）
让我们再回来看看五个调的音（括号中是此调的属七和弦）:
调名 7音 4音 主音
E大调 (B7): D# A E
A大调 (E7): G# D A
D大调 (A7): C# G D
G大调 (D7): F# C G
C大调 (G7): B F C
弹奏两个关联的和弦V7 - I，将组成减五音程的两个音（4，7）上行、下行弹奏，都解决回主音。还可以试着将音阶的4级音替换成2级音（E调中A换成F#，A调中D换成B……），听听效果如何？2级音也是属七和弦的一部分，但它与7音组成的是一个小三音程，与4、7音的减五音程相比，它的解决倾向不是那么迫切。
这个属-主关系在西方各种类型的音乐中都是非常重要的，不光是布鲁斯音乐。所以在听音乐的时候，你要多训练你的耳朵，在音乐中辨认它们。
现在我们回到12小节布鲁斯结构上，看一下最后一行，9-12小节。可以看到，从第10小节到第11小节，属七和弦已经解决回到了主音和弦。如果我们把最后一小节再替换成属七和弦的话，它将通过再次解决，带领音乐回到开头，开始新的一段12小节。所以，最后一行可以写成这样：
9 10 11 12
| V7 / / / | V7 / / / | I / / / | V7 / / / |
属七和弦在这里起到了轮回反复的作用。如果在第12小节的第一拍用I级和弦，第二拍时换成V7和弦，听上去的效果会更好。一般只有在乐曲要继续进行重复的时候，在第12小节才会使用V7和弦，如果你确定乐曲到此就结束了，不再继续的时候，最好不要把它结束在属七和弦上。
为了使乐曲的反复听上去更舒服，我们在第12小节使用了V7和弦，然而这样会使在最后一行的四小节中出现太多的V7。所以在布鲁斯中，第10小节还经常会使用下属和弦，也就是四级（IV）和弦来替代，象这样：
9 10 11 12
| V7 / / / | IV / / / | I / / / | I V7 / / |
我们再回来看第一行的四个小节。在第四小节的后三拍可以使用I7和弦来替代I和弦（如：在E调中使用E7）。就象这样：
1 2 3 4
| I / / / | I / / / | I / / / | I I7 / / |
这样会使音乐在第四小节产生紧张感，并且一直持续直到进入第五小节被解决。如果我们分析一下和弦便会发现，主音（I）七和弦正是四级（IV）音的属七和弦，所以这又是运用到了我们刚才说的属-主关系，用这种解决的方式来引出了第二行的四小节。
在布鲁斯中，第二小节的I和弦也经常会被IV7替代掉：
1 2 3 4
| I / / / | IV7 / / / | I / / / | I I7 / / |
如果你愿意的话，在12小节里的每个和弦都可以弹奏成七和弦。以E调为例，12小节反复的布鲁斯：
1 2 3 4
| E7 / / / | E7 / / / | E7 / / / | E7 / / / |
5 6 7 8
| A7 / / / | A7 / / / | E7 / / / | E7 / / / |
9 10 11 12
| B7 / / / | A7 / / / | E7 / / / | / B7 / / |
其实这看似简单的12小节I，IV，V进行，还可以有更多的变化。这也就是布鲁斯音乐的魅力，在一个基本框架内，乐手可按自己的喜好和理解去发挥。
B.B. King风格的课程
他也许是历史上最成功的布鲁斯艺术家，他是对今天的每个摇滚乐手产生精神上影响的第一代或者第二代艺人。尽管他的风格与众不同、广为流转，他的演奏中最基本的元素实际上却非常简单。他的演奏不仅仅是一种技巧而已，而是一种更重要的理解，理解何时去使用这些技巧。模仿BB King的演奏是困难的，因为演奏者常常不能理解BB King的演奏中最根本的东西：让吉他成为自己第二个嗓音，让它对着观众说话。其实只要知道4、5个音符，知道怎样正确的表达它们，就足以表达BB King想表达的东西。
所以，我的结论是BB King的演奏风格是很简单的。现在是论证我的结论的时候了。BB King的吉他演奏中的主要特色在于：他对音符的选择，他的句式，以及他不可思议的颤音。
句式
最最基本的－BB King是个句式方面的大师，不论是想象力的还是事实上的。他常常说他把自己的吉他看作他自己声音的延伸，所以他像用自己的声音一样用他说话或歌唱。你可以想象一下，你把自己的想法形成句子，在每个句子的结束处，你停顿一下，换口气。BB King就是这样演奏的，他弹奏一段句子，然后在句子结束处停顿，就像在继续到下一个想法之前先呼吸一下一样。
我们当中很多人总是企图把每个可能的地方都填满音符。学习并应用BB King的演奏是一项挑战，但是会有回报的。BB King的演奏重视的是质量，不是数量。你可以练习弹奏5、6个音符，停顿几秒，再弹奏下一组音符。注意让每一个句式都结束的完整，而不是没有解决。一开始这是很困难的，但是你练习的越多，你的句式听起来越棒。
颤音
每个演奏者都想发展一种非常个人化的颤音，但是BB King独特的“hummingbird”颤音是最与众不同的一个。大多数吉他手主要是依靠按弦的手指制造颤音，而BB King则是用他整个手去摇动琴弦。BB King说他早年为了模仿他崇拜的滑棒吉他手的声音而发展了这种颤音技巧。由于某种原因，他自己始终也没有掌握滑棒吉他的弹奏，所以他（和他无数的听众）只有通过他代替滑棒吉他的颤音來得到满足。
听一听BB King的一些演奏，试着模仿他的颤音，需要注意的一些事情：尽管他的颤音与众不同，他也不是总是在用。他用在一些关键的音符上，比如说他想强调的，或者想保持一段延音的音符。
音符的选择
如果我对你说：“我们來弹A调布鲁斯”，那你的手也许会很快的的滑到第5品，准备开始即兴。这不是问题，在这个位置上有足够的发挥余地５?悄愫苌倏醇鸅B King在这个位置上弹奏。他从一个完全不同的角度组织他的独奏。如果我对我的伙伴BB King说：“嘿，我们弹A调”，我敢保证他的第一个手指将滑到根音，一般来说是第二弦10品。你也会注意到其他一些与众不同的东西：即使歌里的和弦变了，他也会重复的回到这个位置，但是弹奏的内容会随着和弦有所变化。如果你想像BB King这样弹，理解第二弦上下的各个音符是必要的。我们都知道第二弦又叫做“B”弦，所以你很快就会知道你需要弹的是哪一个音符。
你的独奏从根音开始，并且在整个独奏中经常的回到根音，这就是BB King简单而又精致的演奏中不可缺少的一部分。
"B.B. Box"
现在是这个简短的课程里介绍的最后一个“秘密武器”，看看这个指型，这是他用的很多的位置，弹奏这些音符不是难事，也不会让你印象多么深刻，先试试。
有点乏味，是吗？听上去不像BB King，是吗？我们要给这些笨重的音符加上什么魔力，才能使他们歌唱呢？是的，朋友们，我们需要的就是“颤音”和“句式”。
让我用最熟悉的A调的例子来告诉你们我的意思：弹2弦，12品，然后，迅速推到14品，接着是根音（2弦10品），尽力的去揉动这个根音，，明白了吗？开始听上去有点味道了，是吗？
再让我们试试其他的，弹奏图上的最低的那个音（3弦9品），然后向上滑弦2品。最后结束在根音上（2弦10品），保持，揉弦。你几乎在所有的BB King的solo里都能听到这样的东西。
再来一个，然后我们就结束这一课了，弹奏图上最高的一个音（1弦12品），迅速推高一个全音，然后释放，再弹一下，最后（你大概也能看出来）结束在根音上并且加上颤音。成功啦！为了再增加一点额外的调料，如果你知道1弦上高8度的根音在那里，BB King喜欢在solo的高潮滑向这个音。
如果我会用编曲机，我会做一些更好的例子，但是手头这台电脑上的作曲软件我用不来，所以，大概就是这个样子。重复的弹这些东西，推12品的琴弦，必要的时候加上颤音。改变音符的顺序、时值、等等，在不同的调上弹奏，不同的指板位置弹奏。你会发现你渐渐沉浸在寥寥的这几个音符带来的独特的乐句里。而且它几乎永远不会失效，如果我在其他吉他手中弹奏这个套路，就会有人问：“你弹的是BB King的东西吧？”，试试吧，不会错的！
如果你只想从这个课程中学到一样东西，记住这个：如果你想弹奏BB King的风格，那么就要经常的回到根音。BB King就是这样，弹出简单，甜美，直接的音乐的
死亡金属的演奏技巧
节奏部分
1切分：突出潜在节奏感的初衷，最终让金属乐乐队选择了切分的方法——颠倒强、弱拍的原有顺序，顾名思义，强拍通常较弱而弱拍较强。虽然吉他是制造这种效果的首选乐器，但各种旋律的相互重叠和覆盖是得到这种效果的最有效方法，所以死亡金属一般还注意了突出双低音、黑金属则突出嘈杂、爆炸般效果的鼓来完成这一效果。切分的主要作用是激活潜在的节奏来驾驭整个作品，所以也经常可以听到死亡金属中采用双低音鼓和高音感十足的镲（炸镲）来为主要的构造层次切分。
2复合节奏：通过复杂的演奏达到增强音乐的层次感一直是各种摇滚乐队的努力方向。改变直线型的结构最简单有效的方法就是将不同的节奏分割成较小的片段，并且让它们在一个较长的时间段里互相作用、互为补充。比如较常见的以吉他做为主要节奏乐器的同时加入贝司和鼓的背景节奏。尽管死亡金属总是给人一种杂乱无章的感觉，但无论速度、音色、强烈失真的效果都没有削弱复合节奏感。复合节奏不仅使音乐更加丰满而且可以有效地表现出较深层的音乐美感，这也正是死亡金属引人入胜的地方。如果再拥有不错的编曲和错落有致的重复旋律就一定会制造出不错的音乐氛围。
3打击乐：死亡金属的打击乐自然都是非常极端，比如飞快的速度、低沉的音质和风驰电掣般的镲。打击乐在死亡金属中占有举足轻重的位置，在很大程度上“死亡感”应归功与它。
4织体：多层次的节奏组成了主要的织体。例如，一个和弦在飞快的演奏中本身就具有它独立的层次和节奏，当它作为主导和弦的同时，它必然会带动其他乐手的变化。这样就形成了一个个性十足又相得益彰的整体结构。但最主要的音符不过两、三个，它们只不过是以不同的面孔反复出现在作品中。
旋律部分
1谐和音：正规的旋律一般为较传统的死亡金属乐队所采用，这是由于受到了爵士乐和早期摇滚乐的影响。所以这种死亡金属比较有亲和力和主流倾向，自然也较容易为听众接受。比较有代表性的乐队如Atheist(无神论者)和At the Gate(大门处)。
2不谐和音：当然是指那些采用不谐和的音符创造出的旋律。这肯定会产生一种邪恶、悲哀的感觉，而这却是死亡金属乐队争相效仿的创造方法，坦率地说这种音乐才够死亡。
3无调性：没有调性、没有根音的音乐只能是古怪的和扭曲的，再加上不谐和音的大量融入，难免给人一种找不找北的感觉，死亡金属最令人头疼、最经典的地方正是在此。
结构部分
1循环：指的是verse-chorus-verse(主歌-副歌-主歌)这样传统的行进方式，做为标准的歌曲组成方式，它同样为大部分的死亡金属乐队采用，但无调性削弱了这种标准的行进方式，所以经常会让人对此产生怀疑。
2叙事体：大量的Riff形成一个承上启下的有序结构，在这种情况下单一的部分往往被忽略，这样这个有序结构就起到了像“讲故事”一样层层递进的效果。也有人将此称做“Riff沙拉”。
演唱部分
1歌唱：这里的歌唱指的是较“正常”的演唱方式。不过这种演唱方法在死亡金属中的确很罕见，优美的嗓音外加励志的歌词？不过死亡金属的这种“正常”的演唱方式多以神秘主义为，倒是别有一番滋味。
2喊叫：硬核/朋克喊叫式演唱方法还是经常出现在死亡金属中，不过更多是在主唱由沙哑咆哮转向爆发的那一刻，比如，“啊……！”“Die (死)……！”这些“表决心”的内容。一些比较倾向于硬核/朋克的死亡金属比较多地采用了这种演唱方法，但有些清晰和单调的演唱到底不够彻底的“死亡感”。
3扭曲：应该怎样形容这种演唱方法呢？——“烟酒过度和吃盐太甚”的劈裂嗓音或被痰卡住喉咙的哽咽感？如果这个形容还不够传神，那你可以想想 Motorhead的主唱Lemmy Kilmeister(其实真正的死亡歌手比他要厉害很多)。按道理大家都可以低沉沙哑地咆哮，但也就一两声而已，这可是个重体力活(奉劝体力不济的千万别轻易尝试，以免发生意外)，但它却是死亡金属最为普遍的演唱方式。真不知这些人的嗓子到底是不是肉长的，而这也正是死亡金属最为鲜明的招牌，没这种嗓音还真是有种没着没落的感觉。不过，一般人根本别想听清他们到底在唱什么。
吉他换弦与调音
网络上很少看到调音教学的文章，好象大家都认为很简单就忽略了，或是大家不好意思问这种问题。这篇文章是从国外一些吉他公司和生产弦和摇座的厂商网站里面的解说翻译整理的,目的是希望大家能够了解正确的换弦和调音方法,尤其是大摇座的吉他真的非常不容易搞定,也是很多朋友相当感困扰的议题,听说还有乐器行换弦要收费的行情（当然还有其它调整的服务）,可见各位好好学习换弦的技巧是相当重要且实用的(MAKE MONEY or SAVE MONEY).
重点提要
相对于一般固定式摇座(如GIBSON)或是小摇座(FENDER),浮动的摇座使换弦的困难度大幅增加,原因是每一根弦都会互相引响其它的任何一条弦,而六条弦的总张力由六个不同大小的分力所构成,而换弦调音的技巧就是要避免其它的弦影响,以最少的变动更换新的弦.
换弦必须从最细的高音弦开始，逐次换到粗的低音弦（high E to low E），一次只换一根，并马上进行调音。
调音是一件重复性的工作，很多朋友以为一次就可以调好了，由于一直调不准还以为是吉他坏了（这是可能的原因之一，另辟专文探讨），由于可能需要重复由低音弦到高音弦（low E to high E），顺序和换弦相反，重复调数次不等，必须要有耐心。
每换一根弦，就要马上调好这根弦的音，并且立刻检查其它五条弦的音有没有变动，全部由低音弦到高音弦座数次，全部确认好再换下一根弦。重点是「一次只换一根，每换一根全部确认。」，这就是使用大摇座的代价。
下面开始介绍详细的步骤和说明
已经调好音的吉他换新弦
使用适合的六脚钣手松开琴头弦锁
换弦必须一次只换一根，并马上进行调音。先从最细的高音弦开始，逐次换到粗的低音弦（high E to low E），因为粗的弦可以承受较大的张力，先换细的弦对整理的张力变动比较少，可以很快就调好高音弦的音。如果先换低音弦再换高音弦，容易发生断弦的现象，而且会花很多时间调音，保证"起疯"。
以高音弦E为例，先将旋钮松开，再利用六脚钣手解开摇座上的螺丝，位置是朝向吉他尾端的那个螺丝，不是朝上的（朝上的是调八度音的）。
把一根新的弦换上去，利用斜口箝把含珠子那一端剪掉，并将弦塞入摇座上的固定孔，把六脚螺丝再次锁紧，另一端先不要剪，穿入琴头旋钮，然后测量一下长度，在第１２格的位置把弦拉起距离指板３到５公分的距离，此时弦钮那端卷绕的长度就够了。把弦在旋钮柱上逆时针方向绕一圈再穿入洞中，旋钮以绕弦器逆时针方向转紧，弦钮上的弦应该有３到４圈，由上往下绕。
使用电子调音器调音，先调到正确的音E，再把弦推一推、拉一拉，再调一次。
接着换B弦，换好以后先调音，紧接着调刚刚的E弦，重复把两根弦调到正确的音，千万不要还没把音调好就换下一根弦。
接着换G弦，一样重复的把刚刚换的三根弦全部调准，先调G，再调B，再调E，调音由低音弦调到高音弦，如此按顺序把其它的弦换好并调音。
非常重复性的工作，不过却可以让你的吉他音很准又不容易走音。
全部换好并调音之后，玩个５到１０分钟，你会发现音又跑了，按刚刚的顺序进行调音，这次调完可以维持很久啰。
琴头的弦锁要隔一到两天再锁，因为你的琴必须适应新弦的张力，这两天之内好好的玩一玩，并且重复调音到不再变动为止。
过了两天了，在锁之前重复确认一下每一条弦的音。
如果你之前的吉他是标准音，换弦以后想降半音或是降全音，或者你换了不铜牌子的弦，不同粗细的弦，那你的吉他必须作其它的调整，如八度音和琴桥高度，琴颈弧度，弹簧张力等等。建议大家不要经常换来换去，这些变动是很伤琴的寿命。如果你想玩不同的设定，最好隔好一阵子再改变，最好的方式是多买几支吉他，每一支用固定的设定，这样就有好几把吉他不用经常大幅调整。
还没调准音的吉他换新弦老样子，请先于换弦之前把音调准再开始换，如果音只差半音的范围内就免了，照的上面的１０个步骤换吧。
很不幸的，你把所有的弦全部一次松开了这个操作错误的状况请自求多福了，趁你疯掉之前看一看吧。下面的步骤经常发生在你的朋友之间，有些人已经很熟练了，把它当作“标准动作”了，说不定你可以建议他好好看看这篇文章。
请准备一个木块或毛巾，把它塞进摇座下方，把摇座撑起来到正常的水平高度。请先看一下时钟。注意换弦步骤喔，由粗弦换到细弦，跟上面的标准动作相反，换好先别调音，全部上紧再调。慢慢的把低音的弦先调紧，并注意每一根弦的张力必须差不多大小，先把低音的Ｅ弦调准，其它的弦也要调，平均分配张力之后把刚刚塞在摇座下方的物品拿出来，可能做到这里你的摇座已经躲到洞里去了，请你把低音弦调紧使摇座浮起来。
接下来根据标准弦的张力大小顺序调音：A > D > low E > G > high E > B
好啦！我知道顺序很怪，要不要接受你自己看着办！
按照刚刚的顺序，一样重复的调每一根弦。全部调的差不多以后，就根据前面正常情况下的标准调法，由步骤７到１０，由低音调到高音，重复ｎ次吧。
提高轮指技巧
首先，从字面翻译上，“轮指”可能给研习者一个错觉，认为所谓的“轮”指就是象车轮一样滚动运指。车轮之滚动有惯性因素，而轮指技术上却不允许使用这种惯性。一些爱好者轮指质量不高与此有关，产生所谓的“马蹄声”。
关于轮指的练习方法是很多爱好者共同关心的，应该说，没有哪一种方法适合所有的人，我这里只想介绍一下我所采用的方法。
事实上，我几乎不练习轮指，但是我非常强调分解和弦的练习，当然并非所有的分解和弦练习对轮指都有效，我们应该选择一些所有的手指都参与的练习，侧重点在于a、m指的配合训练。比较好的练习曲有VILLA-LOBOS ESTUDIO NO.1 等。还有朱利亚尼的分解和弦练习，其中有一些对右手的训练非常有帮助。练习分解和弦的重要性相信所有的学生都知道，但是至于如何练才有效就不一定都清楚了。分解和弦也需要对着节拍器慢练，要慢到你的性子几乎耐不住的程度。很多前辈都认为右手技能如果练好了，轮指是水到渠成的事，这点我非常赞同。不过我想补充一些观点，就是手指在取得良好的独立操作能力之后，也要训练在同一弦上的适应能力，特别是音色控制力和力度控制力。
要练好轮指我认为应该充分利用节拍器，而且一定要慢练，分解和弦练习亦然。
杨雪菲、王雅梦的轮指练到每分钟250拍（每拍p a m i 四音）所以她们在正常速度的轮指可以充分翱翔在音乐海洋中，没有任何技术上的负担，听者也觉得轮指线条如珍珠项链般的玲珑连贯。当然，业余爱好者不太可能都练到这种程度，但是要往这个方向努力。我工作后（十年了）很少有时间练琴，但是我觉得练到两百以上问题不大。
以上是轮指基本要求，如果这些都达到了，就要训练伴奏和旋律的层次了。前面我们已经讨论了如何练习轮指的速度和匀度，这些只是轮指的基本要求，如果一位演奏者能达到这两点要求，那么他的轮指可以说初步过关了。
下面，我们还要谈谈轮指的层次、起伏等音乐表现手段。
这两点要求和音乐表现有着直接的联系，轮指的旋律线是模仿弓弦或吹奏乐器的长音，这两类乐器的最大优点是可以在同一音上表现出渐强渐弱，而弹拨乐器和键盘乐器不具备这个能力，但是轮指在一定程度上弥补了这种先天不足。因此，我们在演奏轮指时应该要有非常明确的旋律感觉，力度要有变化。现在经常看到的问题是，有的演奏者力度一强，速度就偏快，反之偏慢，并且匀度也受到破坏。如何克服呢，关键还是要就着节拍器慢慢练习。在一种速度内练习变化力度。
除了起伏之外，轮指还有“张弛”的要求，张弛的把握和一个人的乐感有密切关系。从技术上说，应该避免“弛”的时候将轮指四个音的时值往前挤，这样会出现明显的“马蹄”声。张的时候要注意音色、力度的质量，避免“浮”的感觉。
影响轮指匀度除了手指独立操作能力，力度等因素外，还有一个容易为大家所忽视的因素，就是ami三个手指发音音色不统一，这样的轮指听起来也不均匀，建议大家在一根弦上慢速用ami拨弦，听看看音色是否统一，如果不统一，那么就要做调整，包括指甲的修剪。速度方面，建议大家在没有惯性因素的情况下练到每拍(四音-p a m i)200以上，实际应用一般在168-190之间。
轮指除了旋律部分外，还有伴奏声部与之相呼应。伴奏声部是容易受到忽视的。伴奏声部应该要能控制其强拍，次强拍和弱拍，而不是仅仅将音符弹出便了事了。关于层次的控制力也有一系列的练习方法，这里限于篇幅并且无法写出谱例就暂不介绍。伴奏声部处理好之后还要注意和旋律声部的平衡。强调一点，一定要先有概念（乐感）才能练习，否则练习也只是机械性的。
轮指还有很多要求，比如，如何避免右手的杂音、如何根据音乐需要控制音色（同一个拨弦位置）和色彩（明暗）等十几种要求。
希望我的浅论对大家有所帮助，更希望大家一起探讨这种魅力无穷的演奏方法
手指的独立与平均性问题
只要关键用手指技巧演奏的乐器，如键盘、吉他、提琴等，手指的独立与平均，就至关重要的，也是手指练习的关键目标。
而对于解决手指的独立与平均，用吉他是最好不过的了。帕格尼尼之所以有神出鬼没般的小提琴演奏技巧，恐怕与他花工夫练了吉他有关系。
我20余年探索这个问题：怎样用一个最简单的方法，解决手指的独立与平均的问题，且没有负作用？
现在，我可以说这个问题迄今的我所找到的最佳答案。
首先解决柔韧性的问题。如果您的手指柔韧性难以解决，则说明您练琴已经太晚了。除拇指以外，每个手指的大关节，应当能在外力帮助下，能做到与手背垂直。这样的柔韧性是基本的。柔韧性不好，是演奏的一大障碍。许多小孩有很好的技巧，说明弹琴的阻力主要来自于手本身。试一下：用弹簧称把一个手指的指端套住并把这个伸直的手指拉到与手背垂直，看看弹簧秤的读数，读数越小，说明这个手指的柔韧性越好，弹琴时手指的自身阻力越小----练琴的年龄越小，柔韧性越容易保持。
有了基本的柔韧性，再练习相邻手指的独立平均。独立，就是相邻手指，有能力一个按压，而另一个抬起，反向运动，两组肌肉神经互不牵连，完全分开、独立。手指按压与快速抬起，用的是不同的肌肉，因为：肌肉的特性是能收缩和放松收缩。收缩给了骨节以拉力，却不能给推力。相邻手指的肌肉神经要独立，按压与快速抬起的肌肉要独立地发达。
要做到这一点，可以这样试练：
（一）左手中指按压：左手中指按压吉他的第六弦（也就是最粗的那根弦）的某一品，右手用拇指用力弹响，并一直保持发音，然后，左手的食指和无名指，再先后拨动一弦（最细的那根弦）。可弹成三拍子，第一拍是左手中指按压6弦、右手弹响的，这个音要保持延续三拍；第二拍是左手食指弯曲拨响的；第三拍是左手无名指拨响的。一定要慢练，就是要弹成慢三拍。然后，再在各把位练习。
这是练习中指按压时，其相邻的食指与无名指能够反向高抬。
注意：1、按压的手指，每个关节都要有一定的弯曲度，每一个关节即不要太伸直，也不要太弯曲，禁止同一个手指的一个关节很伸直而另一个关节很弯曲的不自然形状。不要求用指尖按压琴弦，而是用指肚与指尖之间均可。按压的手指，应与琴品平行。
2、左手拨弦的手指，要求指尖（指甲）要与琴的指板和琴弦都垂直----难度恰在这里----左手拨弦的手指大关节几乎负弯曲（即向手背方向弯曲），而左手相邻的按压手指的大关节是正弯曲（即向手心方向弯曲）---相邻的手指神经完全反向用力，促使神经分开。
（二）左手无名指按压：与上相同，只是把上面的中指换成无名指，而把食指换成中指、把无名指换成小指。要求也完全相同。
明显地，这个难度有所增加，许多人会觉得相邻手指的巨大牵连。开始初练时，左手的一个手指拨弦时，按压的手指可以稍稍用一点推力，以抵消牵扯。
（三）左手小指按压：与上道理相同，只是小指的相邻手指只有无名指一个，且一般小指较短，没必要按压第六弦，而须按压第五弦，然后无名指去拨动一弦。要求与上面的都相同。小指的中关节或小关节极不容易保持相应的弧度，要多加注意。
对于这样大的跨度，许多初练者觉得难度太大的话，可以先按压更接近一弦的弦，等练好后再逐渐远离一弦按压。
练琴时间：这个练习的争对性很强，效率很高，可以大大缩短纯机械技巧的练琴时间。一天集中精力练15分钟，几天就可明显见效。一般地，无名指按压的练习时间要多于中指按压的练习时间，而小指按压的练习则需要更多的时间----以增强弱手指按压的力量，使各手指的按压力量尽量平均化。
右手：上述练习，一样适用于右手。把吉他反抱，右手按压指板、按弦、拨弦，指型、动作、练法与上面的左手要求完全一样（只是实际发音不同，右手按压的手指按压的是高音弦，而右手拨弦的手指拨的是最低音的那根弦）。许多吉他手弹琴，右手触弦没有按、绷弦的能力，音色音量首影响，这个反练吉他的练习，可以很好地解决这个问题：右手的指力、独立性、按压绷弦的习惯、相邻手指的神经分离等等，都有莫大的好处，而且效率极高，几乎有立杆见影的奇效。
另外，如果弹钢琴，只弹吉他，就用不着练右手的小指按压。
正式曲目的指法编排中，除了考虑音乐需要，一般也要考虑平均地使用各手指，使各手指的点击率不要相差太大，否则影响各手指的力量平均。
首先解决柔韧性的问题。如果您的手指柔韧性难以解决，则说明您练琴已经太晚了。除拇指以外，每个手指的大关节，应当能在外力帮助下，能做到与手背垂直。这样的柔韧性是基本的。柔韧性不好，是演奏的一大障碍。许多小孩有很好的技巧，说明弹琴的阻力主要来自于手本身。试一下：用弹簧称把一个手指的指端套住并把这个伸直的手指拉到与手背垂直，看看弹簧秤的读数，读数越小，说明这个手指的柔韧性越好，弹琴时手指的自身阻力越小----练琴的年龄越小，柔韧性越容易保持。
有了基本的柔韧性，再练习相邻手指的独立平均。独立，就是相邻手指，有能力一个按压，而另一个抬起，反向运动，两组肌肉神经互不牵连，完全分开、独立。手指按压与快速抬起，用的是不同的肌肉，因为：肌肉的特性是能收缩和放松收缩。收缩给了骨节以拉力，却不能给推力。相邻手指的肌肉神经要独立，按压与快速抬起的肌肉要独立地发达。
要做到这一点，可以这样试练：
（一）左手中指按压：左手中指按压吉他的第六弦（也就是最粗的那根弦）的某一品，右手用拇指用力弹响，并一直保持发音，然后，左手的食指和无名指，再先后拨动一弦（最细的那根弦）。可弹成三拍子，第一拍是左手中指按压6弦、右手弹响的，这个音要保持延续三拍；第二拍是左手食指弯曲拨响的；第三拍是左手无名指拨响的。一定要慢练，就是要弹成慢三拍。然后，再在各把位练习。
这是练习中指按压时，其相邻的食指与无名指能够反向高抬。
注意：1、按压的手指，每个关节都要有一定的弯曲度，每一个关节即不要太伸直，也不要太弯曲，禁止同一个手指的一个关节很伸直而另一个关节很弯曲的不自然形状。不要求用指尖按压琴弦，而是用指肚与指尖之间均可。按压的手指，应与琴品平行。
2、左手拨弦的手指，要求指尖（指甲）要与琴的指板和琴弦都垂直----难度恰在这里----左手拨弦的手指大关节几乎负弯曲（即向手背方向弯曲），而左手相邻的按压手指的大关节是正弯曲（即向手心方向弯曲）---相邻的手指神经完全反向用力，促使神经分开。
（二）左手无名指按压：与上相同，只是把上面的中指换成无名指，而把食指换成中指、把无名指换成小指。要求也完全相同。
明显地，这个难度有所增加，许多人会觉得相邻手指的巨大牵连。开始初练时，左手的一个手指拨弦时，按压的手指可以稍稍用一点推力，以抵消牵扯。
（三）左手小指按压：与上道理相同，只是小指的相邻手指只有无名指一个，且一般小指较短，没必要按压第六弦，而须按压第五弦，然后无名指去拨动一弦。要求与上面的都相同。小指的中关节或小关节极不容易保持相应的弧度，要多加注意。
对于这样大的跨度，许多初练者觉得难度太大的话，可以先按压更接近一弦的弦，等练好后再逐渐远离一弦按压。
练琴时间：这个练习的争对性很强，效率很高，可以大大缩短纯机械技巧的练琴时间。一天集中精力练15分钟，几天就可明显见效。一般地，无名指按压的练习时间要多于中指按压的练习时间，而小指按压的练习则需要更多的时间----以增强弱手指按压的力量，使各手指的按压力量尽量平均化。
右手：上述练习，一样适用于右手。把吉他反抱，右手按压指板、按弦、拨弦，指型、动作、练法与上面的左手要求完全一样（只是实际发音不同，右手按压的手指按压的是高音弦，而右手拨弦的手指拨的是最低音的那根弦）。许多吉他手弹琴，右手触弦没有按、绷弦的能力，音色音量首影响，这个反练吉他的练习，可以很好地解决这个问题：右手的指力、独立性、按压绷弦的习惯、相邻手指的神经分离等等，都有莫大的好处，而且效率极高，几乎有立杆见影的奇效。
另外，如果弹钢琴，只弹吉他，就用不着练右手的小指按压。
正式曲目的指法编排中，除了考虑音乐需要，一般也要考虑平均地使用各手指，使各手指的点击率不要相差太大，否则影响各手指的力量平均。 |
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发表于 2010-10-6 14:34:01
