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崔健
1.《浪子归》
有人记得这张专辑么？
此时的崔健还不是摇滚的崔健，这盘专辑里的音乐可以归为通俗，一定要和摇滚沾边的话也只能算是乡村抒情摇滚。整张专辑风格没有愤怒，充满伤感的情绪，老崔的声音和配乐柔得不能再柔，腻得不能再腻。《浪子归》、《你不要走》、《分手的时候》，看看那专辑里歌曲名字也真让人犯酸水。架子鼓，电贝司和键盘的配乐节奏彻底拖沓，完全显示了当时中国流行乐坛的风格，想必听惯了老崔怒吼的人们再回头去听这张专辑的时候，百分之九十五听不出那是崔健的声音。
更叫绝的是专辑的歌曲间奏里面，居然出现了老崔带着颤音柔情似水的“啊～～～”“哎～～～”等美妙的声音，崔健自己也很少提及这张专辑也就因为此吧。我脑子里居然出现了老崔那张脸理了一个分头打了摩丝身上穿着荧光闪闪垫高肩膀的西装拿着麦克风一脸欠人家钱的模样。
印象中老崔再没有像这样安静甜腻温柔过。只不过在专辑里略能感到崔健自己对音乐的理解和创作。基本算是崔建从流行向着自己热爱的摇滚，过渡时期的产物。
2.《新长征路上的摇滚》
1989年的崔健踏上新的长征路，这张专辑在境外的名称是《一无所有》，就是那首在1986年让中国人第一次认识摇滚乐的歌曲，即便是今天这首歌还在被无数人传????lt;/P> 虽然整体曲风和感觉还并没有完全明朗化崔建自己的风格，但崔健在歌曲里直取病态的人性，从中国人老旧的皮肉下挖出汹涌的血液和美丽的欲望。在遥远的八十年代，听他都喊出了什么：假如你已经爱上了我，就请你吻我的嘴！这正像一记重拳擂在当时中国人的后脑。起初的崔健不是自觉的而是自然的，但那些仅从个体体验发出的歌唱获得了强烈的社会意义，很多声音很多情绪并没照顾和搭理别人，感觉上是唱自己爱唱的，和完全唱给自己的。但是崔健的声音在八十年代末真是给了那些被舶来品甜腻到麻木的人群一记响亮的耳光。
崔健在这张专辑里完成了柔情到沙哑的过渡，并且开始鄙视流行，也开始治疗中国人的便秘。
3.《解决》
按我个人看法，崔健的《解决》应该算是中国最早的说唱音乐。急速的扫弦，弹性的贝司和刘效松的CONGA鼓，还有崔健绕舌而难辨的唱词，与他相比，现在流行的那些所谓说唱歌手那个时候不知道在哪撒尿和泥或者拿树棍儿捅大便玩呢。
崔健的觉醒在于他开始想要自己的音乐了，专辑里的个性化及创新感觉即使现在听来都相当有味道。比如《快让我在雪地上撒点野》里面，开头以1分20多秒钟的散板古筝独奏，间以几短声梆子，以及一长声大锣；大锣之后，古筝由细语式的乐句，逐渐发展，像是在黑暗中兀自盲目摸索探寻，那节奏……渐快……渐强，吉他的音色摸着空隙缓缓地与之兜了起来，马禾敲下了十多声的鼓，领了贝斯、吉他，爆发出令人难以理解的扭曲与纠葛。
而与上第一张专辑比较，崔健显然《解决》已不再是单纯的觉醒意识，而是开始在纷杂的社会里，发现问题，挑明问题，解决问题了。不再像之前那样为了唱给自己听，而是唱给“你”听，而且完全是一种硬唱给你听你爱听不听的架式。
《解决》可以说是崔健音乐生涯中承前启后理程碑似的作品，在这里FUNKY、RAP、PUNK等等多音乐元素的运用，既说明了中国的一个新音乐时代的开始，也昭示着崔健未来音乐的发展方向。
4.《红旗下的蛋》
电子化了的崔健令很多人感到失望，不让咱们失望的应该还是老崔不变的音乐理念，其实更多人喜欢崔健并不一定真正能理解他要表达的是什么，只是崔健的歌听起来舒服、痛快，也能让自己的情绪随着音乐和怒吼也爆发那么一下下。
不能否认崔健是在尝试，而且是进步的尝试，专辑歌曲里他展现了一种富有弹性的效果，其中融进了朋克、爵士、非洲流行音乐、说唱、摇滚的特点和节奏，中国的民族乐器，如唢呐、古筝、笛子、箫等等，还有京剧评剧之中的腔、韵、走板儿……并且将它们融合成一种好听的声音，不管什么狗屁的东西方文化，好听就足够了。
其实电子化的只是音乐，不是老崔的声音，他还是嘶哑的挣扎的絮絮叨叨歇斯底里的让我们和他的音乐一起振奋，虽然整张专辑的水平并没有明显超越之前的两张，但崔健的味道没变，少了之前《一无所有》《假行僧》那种浪迹漂泊的浪漫，更平凡更现实起来。越听越有意思，不自觉就能跟着笑起来，笑的时候还总有点担心想躲着点什么，别一不留神让崔健喷你一脸唾沫星子。
5.《无能的力量》
崔健对节奏对Rap的彻底拥抱，感觉现在崔健的抒情能力已丧失殆尽，说到根子上，这是内心里浪漫精神的丧失，也是该时代的普遍状态：当问题、想法、思考、意见和判断越来越多，人变得越来越现实，天真消失了，幻想没有了，抒情不可能了。表现在音乐上，就是现在的崔健几乎只剩下了节奏和音色。
我们完全可以感觉到崔健在专辑里那种不敢张嘴的骂，可以说他依然扮演着一位社会问题代言人的角色，整张专辑充满了对金钱的攻击和利益的谩骂，但这种攻击在九十年代却显得那么无力，正如摇滚是一种潮流，但摇滚不能改变潮流一样。这一点与专辑名“无能的力量”保持了一致。崔健通过这张专辑成功地从乐迷心中的神坛走了下来，再也不会有人说自己听着崔健的歌会痛哭流涕，再也不会有人说崔健的一首歌改变了自己的一生。当崔健和我们一样真实地“生活在此地”，他如何去面对这个时代的真实？
不知道是说崔健老了，还是说他成熟了更合适，但感觉崔健已经不再愤怒，不再尖锐，他的音乐也不再那么让人热血沸腾。听《时代的晚上》《另一个空间》《春节》这些歌曲的时候我们依然感动，甚至有流泪的欲望，但是感动却不再是最初，而是无奈的，回忆的感动，感动的着回忆崔健和我们一样年少轻狂的那些日子。
或许可以说崔健现实了，妥协了，他想带着他的歌迷一起对这个现实妥协。这真可怕。
窦唯
6.《黑梦》
这是窦唯离开黑豹后的首张专辑。从窦唯开始，中国摇滚乐手开始接受西方摇滚主流之外音乐的影响了。可以说，《黑梦》里窦唯开始屏弃主流音乐的所谓的旋律的优美性，但可能因为《黑梦》是窦唯个人化音乐的开端，尚不完全成形，但已经非常迎合当八十年代末的理想青年们的口味。
或许是因为窦唯幽闭而自恋的性格，我们只在他这张专辑里听到他一遍一遍的呓语和强烈的压抑感，那是一个带着些许诗人的气质的摇滚人。无论喜欢与否，对于那些以为摇滚就是嚎叫和歇斯底里的人们，《黑梦》还是一个震撼。尽管专辑里更多的东西让人厌烦甚至使人发疯。
我们可以说那是新窦唯，完全独立和个性化的音乐理念，虽然《黑梦》中还有太多Bauhaus、Peter Murphy的影子，虽然《黑梦》在意识上是一张很幽闭、很自恋的专辑，但是它在音乐上的探索却又不经意的扮演了中国摇滚乐史上空前的开放角色。这张专辑无不都从正反两个方面对中国摇滚乐的未来具有很好的借鉴和引导作用。
什么时代需要什么样的音乐。《黑梦》只是一个开始。
7.《艳阳天》
1995年，窦唯又出了一张个人专辑《艳阳天》。这张专辑依旧是他一贯的风格，只是打开了封闭的小天地，增添了一些光线和色彩，时而沉淀内敛，时而光明旷远。《黑梦》是孤寂压抑中的苦苦抗争与求索，《艳阳天》则进入一种清澈、旷远、悠然、自在的境地，“阴晴圆缺在窗外，心中自有艳阳天。”
或许可以从这张专辑里看出来，窦唯走出了他自闭的空间，开始不甘寂寞的渴望起来。渴望倒不是坏事，在《艳阳天》这样的纯艺术性质的实验作品里，窦唯试图表现的是一种把古典和现代结合的模式，迷幻有断续感的间隔节奏，接近爵士乐的即兴式样的随意发挥，一种全新的摇滚概念。
不可否认的是窦唯“阳光”起来了，没了《黑梦》的低靡和颓废，不见了压抑和伤感，或许在那一阶段和王菲的爱情让他幸福，让他分神？让他普通了，变得像个很理想化的青年了。好春光/在这艳阳天/朦朦胧像是那从前……为着那份美好的心愿/心再苦涩/路再艰难……从歌词的变迁就能看出些许的倪端。
总感觉窦唯正常了，就不再有灵气，只会玩音乐了。
8.《山河水》《幻听》《一举两得》、《幕良文王》
窦唯也开始电子，《山河水》中的音乐运用了大量的电子音乐元素，而音乐风格上则比以往的专辑更加低调、平淡。感觉上窦唯在旋律构造方面并没有过多去追求。象这张专辑中的大部分歌曲听起来就象是随意哼唱出来后，再配上音乐制作而成的。
窦唯的歌词向来意向模糊，在这张专辑中这种趋势似乎发展得更加极端。例如“哪儿的事儿”中莫名其妙的汤姆、彼得和阿瑟之类的词句，我劝你也别费心去琢磨了，根本不会有什么结果的。
《幻听》实际上是一个以窦唯为主的乐队作品，窦唯这回玩的是Band Sound，但是绝对不同于早期那种比较明朗、亲和力较强的风格，而是显得有些晦涩。这种晦涩还不光表现在音乐风格和乐队名称上，看看专辑中的歌名：“幻听”、“旺天下”、“丰收获”、“觉是”、“荡空山”等等。一片香烟缭绕，天地清净，酒肉穿肠的玄虚氛围。就像一群酒肉宿醉后一起卡拉OK的感觉。想指望窦唯通过歌词来表达他的思想肯定没戏，里面甚至有窦唯的准英语念白。与之前的专辑相比。《幻听》的窦唯完全极端化了。
说起来，窦唯《一举》《两得》这张专辑本来是为了《寻枪》做的，音乐我们诡异的时候特别诡异，带着一种狡黠和阴郁，灿烂的时候特别灿烂，缺心眼一样的欢蹦乱跳。窦唯本来越走越远，远得让大家不敢认他，但在他与不一定乐队合作的《一举》和《两得》中看见他回复了一丝人间烟火气息，以及重新将目光投注在现实生活和现实人群中的迹象。这是好事。
随着2003年《幕良文王》的出现，窦唯的定义应该是一个天生的音乐表达者。这张新民乐曲风的专辑，一改传统的音乐表达形式，从音乐结构、配器的选用、到封面设计和曲名定义，都表达了对中国古典道家文化的推崇和感悟。
窦唯回到了最初的状态，给自己做音乐玩，剩下的爱谁谁，好在《幕良文王》普遍具有窦唯身上散发出来的那种宁静、淡泊、内敛、从容和好玩。
张楚
9.《一颗不肯媚俗的心》
说实话，本来这是一张不值一提的专辑，这张基本都是张楚1988年的时候创作的歌曲专辑不仅制作粗劣，而且大部分歌曲由其他水平线下的歌手来演绎，使本来很优秀的作品没亮出彩来，编曲侯牧人同志的水平在那个时候显然也不怎么高明。甚至白痴！但1988年的张楚依然才华横溢，那个时期他创作的歌曲若是好好演绎一番，肯定都是产生震撼的独白音乐。我觉得这是一张被制作人和演唱者糟蹋了的专辑，好像一块掉入污泥坑的璞玉。
“一颗不肯媚俗的心”的推出不是张楚本意，专辑的粗制滥造甚至在一定程度上影响了张楚下一张专辑的销量和评价。但是里面的歌还是张楚的歌，一个叛逆者的姿态以审视的目光来看待自我、历史和传统；一切还是流浪的张楚在中国西北部那些大漠边寨的凄荒、沉重以及生存的蒙昧、困惑的氛围之中。
有心者就让那些媚俗的演唱者滚蛋！然后仔细去倾听那个时候的张楚吧，把不知道是哪个狗日的取的“一颗不肯媚俗的心”这个名称的包装砸烂，然后静静欣赏张楚最初的淳朴。尤其是那首《姐姐》。
10.《孤独的人是可耻的》
没有了令人陶醉的伤感，更多的是对内心的抒发。张楚的灵气在这张专辑里展露无疑。虽然专辑中的歌曲的旋律极具无规律性。不知所云的歌词也十分总令我这般学识浅薄的听众迷惘。但不可否认的是《孤独的人是可耻的》专辑的确是一张好专辑。
飘忽不定的旋律证明张楚的音乐触觉，更让人无可奈何的是张楚的语言，就像这张专辑的封面一样，张楚无辜的看着镜子里的自己，自言自语着你我身边的一切，轻声细语的带着强大的力量，比如《冷暖自知》，比如《上苍保佑吃完了饭的人民》，怎么样的思维能用最简洁的语言缺包囊了政治，宗教，生活，道家思想这么多的元素？
听不懂他唱什么的人大有人在，别奢望真正听懂张楚所审视所表达的意图，因为此时的张楚是智慧的，是清醒的，远离我们然后嘲笑我们的一切却不告诉我们答案。
我们应该永远怀念这个时候的张楚，永远怀念《孤独的人是可耻的》这张专辑，因为这个张楚才是摇滚不能忘记的张楚，才是我们真正顶礼膜拜的张楚，可惜，这个张楚已经死了。
11.《造飞机的工厂》
如果说上一张专辑的配器楚多少有点炫耀自己的才华和灵气，那么这一次就有了恰如其分的自信。
那是一种涌动的节奏感和恍惚的音效，那可能完全是听觉上的享受，但也绝对是听觉上的折磨。因为我们所接受和适应的摇滚音乐从没有这般柔和和这般忽略节奏，虽然张楚和其他的摇滚乐手一样，以西方电声乐器的伴奏为音乐的主，但没有成为欧美摇滚的翻版。最后做出来的音乐却有浓厚的民族地方性，和现时代现社会息息相关，尽管他在对生活的自我理解里变得更加孤独。
张楚越来说有份量越来越变得怜悯的歌词是十分恐怖的，常有人说某某的歌引人深思，基本是屁话空话，但是张楚的歌词却真的能做到这点。如果有人第一次听张楚的歌便哭出来那一点都不足为奇。因为张楚的音乐是自己的，张楚的摇滚也是自己的。那种不温不火没有人能再做到，甚至没有人能够模仿。
张楚是中国摇滚界的一个另类，里程碑式的另类。《造飞机的工厂》标志着张楚的才华和逐渐成熟后无可比拟的音乐触觉。他的摇滚比窦唯更像诗，张楚的摇滚是诗一样的摇滚，唯一的感受到轻柔和忧伤的诗一般的音乐。
《造飞机的工厂》之后我们开始满心的期待，长久的期待，长久到长了痔疮接着治好了然后又长出来的期待，直到期望变成绝望，你能拿张楚怎么样？
何勇
12.《垃圾场》
何勇的个性太强，这在他的音乐里一览无余。四处冲撞、咆哮、大笑、热爱，甚至狂躁。这张专辑原名《麒麟日记》，是何勇在90年代中的作品与生活的总整理，在91年就已经进入录音室作业。但是过程中颇多挫折，其间历时两年多，直至94年才完成缩混。
整张专辑何勇都在咆哮着，都在歇斯底里的质问和怀疑。乍一听很多人都会被专辑里狂乱的音乐和何勇惊世骇俗的摇滚弄的跟着烦躁起来。那些音乐和歌词，简直就像砸在你脸上一样的生疼。
相信在那个时候，何勇的病还比较轻，他疯狂也好暴躁也罢，都还是只体现在他的音乐里，他对音乐的理解异于常人，活在自己给自己制造的垃圾场里寻找他想象的美好和热爱。比如《姑娘漂亮》或者《非洲梦》，再或者《钟鼓楼》也在暗喻着何勇的不满，而这种不满却仿佛永远只是针对着何勇自己。
不谈论何勇在旋律上的欠缺，他的确改变了一些事情，比如他的表演欲彻底打动了香港红堪体育场的数万歌迷，比如他的年轻和他所拥有的摇滚的英年早逝。在《垃圾场》里何勇痛快的爆发了一次，然后消失了，当我们知道他走进精神病院的时候，是否该疑问，那是他为他的个性还是他的摇滚所付出的代价？
歇斯
13.《我不会忘记最初》
歇斯堪称中国第一代摇滚乐手，无可争议的吉他大师，把命卖给吉他的超执着音乐家。
在他的第一张个人专辑《我不会忘记最初》里面，歇斯的吉他弹奏已经接近出神入化，那个时候的他已经对吉他痴迷，也已经苦行僧一样的陪着吉他生活了很久。
相信每个好的乐手都会有一段类似于清教徒的这种生活，有点儿走火入魔的那种感觉，只有这样才会让吉他化入你的血液。那就是你的意识永远是在动的，眼睛里看到的，脑子里飞舞的就只有二十四品和六根琴弦，就象佛教里说的从有意识界达到无意识界，就是“空”，这个“空”给人带来的是什么，就像是你擦亮一根火柴的时候，火苗中间是真空地带，当这种东西从手指上流出来的时候，你没法问他在想什么，他也答不了你。歇斯就是在不断的揣摩和联系中把吉他和自己的音乐还有自己的生命融入在一起了。
这张专辑，我可以负责任的说一句：除了吉他弹奏，剩下的都是废料。
14.《舞指如歌》
歇斯的《舞指如歌》的推出，宣告了中国首张纯吉他演奏专辑的诞生。那里面的riff和旋律走向听来根本不像是出自一个中国人的手笔，—不知道的还以为是Stve Vai又出新专辑了呢。许多很具专业水准的人听了之后都说，它可以称为是国内第一张纯正的吉他音乐唱片。其中的技术成分不必细说，主要是它的音乐能让人激动，能让人感到一种冲动和飞扬。所以，许多人认为，歇斯已经是中国最优秀的吉他大师。
这是一张与众不同的音乐专辑，是一张真正意义上的“音乐”专辑，整张CD只有精彩绝伦的吉他演奏，听多了古典吉他的吉他曲，让我们来听听电声乐队的纯乐曲，纯吉他Solo。
歇斯的《舞指如歌》全部音乐创作与编曲、全部吉他演奏都由他一人独立完成。这是一张与众不同的音乐专辑，是一张真正意义上的“音乐”专辑，整张CD只有精彩绝伦的吉他演奏，听多了古典吉他的吉他曲，让我们来听听电声乐队的纯乐曲，纯吉他Solo。
关于歇斯的歌我不想说什么，因为那些东西太失水准，关于歇斯的吉他我也不想说什么，因为他的吉他只是用来听的。
田震
15.《野花》
如果有人把田震归为摇滚也不足为奇，田震的声音的确属于合适摇滚的，但是她的歌却属于流行，用那副天生摇滚的嗓子唱着一首首腻歪歪的流行歌曲，也就不难理解为什么摇滚界同仁如此鄙视她。
《野花》这张专辑和里面的歌曲都获奖无数，各大排行榜均有田震大姐的身影，但田震其实并没找到合适自己的音乐和曲风。不甜美不高亢不厚重不尖细的声音使她在流行歌曲的世界里显得很独孤。她独特的嗓音之所以受人爱戴也仅仅是因为她独特的嗓音而已，但悲哀的是摇滚鄙视她，民族和美声当然她更不沾边，唯有在通俗里混迹却也被通俗视为异类。
太多凡夫俗子说《野花》好听，却忽略了整张专辑的的浅薄和做作。旋律单一，歌词琅琅上口却百分之百的幼稚。非情即爱也使得拥有如此独特的嗓音的田震的这张专辑毫无深度。
《野花》就像是快餐，让人痛快之后便新陈代谢走了。
16.《干杯，朋友》
总感觉专辑里面的歌曲，比如《干杯，朋友》。如果不是田震唱，而换一个声音甜美的歌手来唱肯定又是另一番滋味。但田震低沉性感的歌喉却把这首歌要展现的并不深刻的意境诠释的淋漓尽致。
这张专辑里，田震那种用摇滚的感觉去演绎通俗和流行再次得逞，并且整张专辑与上一张相比较之下有了显著的提高，无论是配乐还是整体风格的统一化，包括可以唱滥大街小巷的流行歌词都开始有了比较深刻的内涵。
但无论怎么说，《干杯，朋友》始终是流行音乐的产物，因为田震的声音所以带了些许摇滚的风格，这让那些不能接受摇滚又听腻了流行的人群欣喜无比爱不释手。但相信专辑里面的歌曲对人们来说依然是表层喜欢，最多勾起点酸酸的回忆，而能给人们更多的恐怕就是忘却了。
田震凭借着她的嗓音，带着她的“伪摇滚”流行歌曲一路走来。再一路走去，不知道会有多深的脚印……
郑钧
17.《赤裸裸》
郑钧可能是中国流行音乐中最有人缘的歌手了。无论你说他是流行歌星也好、摇滚乐手也罢，都不会有太多人反对。毕竟郑钧是靠摇滚乐起家的。玩的也是欧美那一套。
1994年《赤裸裸》时候的郑钧还是完全属于摇滚，放弃了出国的机会坚持留在国内创作自己热爱的音乐，并且有自己的音乐理念和创新思维，他的第一张专辑《赤裸裸》发行，即突破了100万张的发行量。可以说郑钧对于中国摇滚的发展，走出异区向大众靠拢还是起到了积极并且十分重要的作用。满大街都喉着要《赤裸裸》的《回到拉萨》的那个时候，无论你承不承认他当初做的是不是摇滚乐，最起码郑钧让更多人明白了，摇滚其实并不那么难以接受。
1994年的郑钧27岁。正是理想在胸中冲撞激情在心中燃烧的年纪。在他的音乐里就有那么多年少轻狂的冲动和放荡不羁。即使现在我们听《灰姑娘》、《极乐世界》、《赤裸裸》的时候依然可以感受那个时候郑钧的可爱和完全沉浸在自己热爱的摇滚乐中的那份痴迷。
《赤裸裸》是郑钧最完美最出色的专辑，那个时候的他和他的音乐也是赤裸裸的，没有那么多的商业和迎合，或许可以把郑钧叫做“偶像级的摇滚歌手”，但是他对中国摇滚乐的挚爱与探索是流淌在血液缠绕于灵魂中的，并且根深蒂固。
《赤裸裸》实在是一张非常优秀的唱片。27岁的郑钧凭着对音乐的深刻领会与热爱，用勇气才气和生气真诚的向听者奉献了一张难得的好唱片。听这张唱片，你会发现理想溢满胸腔。
18.《第三只眼》
如果说郑钧的第一张专辑因为太多人因为他的出现而欣喜，蒙蔽了他自身很多的缺点，那么冷静下来的人们会在《第三只眼》这张专辑里发现郑钧那些显而易见的缺点和不足。
郑钧不是在玩音乐，他很认真，于是他的认真在这张新专辑里让大家发现了他的笨拙。就像一个爱讲笑话的人总给别人讲同样的笑话，还能指望人家笑出来么？
在《第三只眼》里我们可以很轻松地记住那些朗朗上口几近童谣的旋律，但是我们也可以感受到在这些随口调之后的是郑钧在作曲上面的先天缺陷，民谣与布鲁斯的框架几乎是郑钧作曲的全部。即便是《天下没有不散的筵席》用了佤族合唱作为曲始，即便是《迷途》在一开始就用了一段很纯粹的古琴，即便是《第三只眼》的开头就是一段SITAR琴，试图用典型的印度氛围更营造出一种迷幻的味道，但是这一切一点不显大气的小伎俩被使用的那么稚嫩和笨拙。
《第三只眼》的郑钧没有我们期待的创新和提高，只是在重复自己，甚至失去了《赤裸裸》中的激昂和生气。唯一值得反复倾听的就是那首《门》，一首主题和造词上都不算新鲜的音乐，竟也能在郑钧的气质中化腐朽为神奇。还有编曲上如泣如诉的大提琴。
19.《怒放》
1999年4月1日，郑钧第三张个人专辑《怒放》由上海音像正式发行，上市不到五天，第一批二十万盒卡带全部被一“抢”而光。无论怎样，这在中国的摇滚音乐界应该算是一个奇迹。我不知道有多少人是真的喜欢郑钧，还是冲着他的名气去购买的，作为郑钧音乐比较敏感的一位拥趸，在听这张新专辑的时候，我是从激动到愤怒再到失望最后到无奈。最后几乎捏着鼻子听完整张专辑以期待能发现哪怕一首让我有些欣慰的歌曲出现。最后简直气得我准备听《纤夫的爱》来折磨自己一下了！
本来以为郑钧在沉寂许久后，能等待来他的厚积薄发，没想到我等来了一个离摇滚越来越远也离曾经的郑钧越来越远的民谣歌手。当然，我们能听出来郑钧在《怒放》里在努力的尝试，改变和创新，但一切却给人感觉在迎合，不知道是在迎合制作人还是迎合大众。反正除了声音和偶尔的灵光乍现，我没有在专辑里找到郑钧的影子。
《怒放》里，郑钧依然在玩弄自己的那点小聪明，舍弃了中国民族乐器的美妙，整张专辑完全成了西方音乐的傀儡：硬摇滚，欧洲后现代的室内乐风，重金属还有Grunge，郑钧开始了一味的模仿，于是迷失了自己，可能还忘记了自己曾经想要的郑钧音乐。于是我们不愿看到的一幕终于发生，《怒放》之后，郑钧在我们的摇滚视野里“凋谢”了。
王勇
20.《往生》
东北有一道名菜“乱炖”，不管三七二十一的把各种料都弄在一起，做出来却香气扑鼻。王勇的专辑《往生》就是如此。
我们在这一张专辑中遇到了爵士乐、摇滚乐、New Age，遇到了法国号和笛子、金属吉他和古筝、和尚和喇嘛、江南和西藏、偈语和Rap，喜多郎、Yanni或Michael Crute (Inigma)，而王勇的奇迹就在于他将这一切烂熟于心、信手拈来，就像武侠的无招胜有招，王勇也到了丢弃音乐形式，只有声音的程度了。如果仔细听听《往生》中那段二胡，你就会惊讶于王勇的才气，他和那些把民族乐器融入歌曲哗众取宠不同，他寻找的是乐器本身的性质而不拘泥于文化和地域，声音和声音在一起，组成新的声音——你没必要去分辨哪一声属于哪个流派。
王勇的音乐是宗教式的，有神论的。但我更愿意理解为那是王勇自省和唤醒的过程，他是整个中国乐坛为数不多的懂音乐的创作人之一，更多人喜欢《往生》这张专辑是因为它的神秘色彩或是别的，抛开王勇歌词稍显业余的瑕疵，我们应该关注的是《往生》里的音乐。
王勇是一个非常优秀的厨子，把各种音乐融合在一起，不管风格、文化、民族、和地域的的区别，统统只是单纯的把它们当作音乐，于是一张很有功力，颇显大气的音乐大餐便摆在我们眼前了。
许巍
21.《在别处》
九七年出版的这张《在别处》是许巍的首张专辑。在这之前我们熟悉许巍是因为他为田震创作的那首《执着》。那个时候许巍被誉为什么“中国摇滚新希望之类”的头衔，炒作也好包装也罢，多少有点让人生厌，你是谁啊就敢这么牛B？第一首歌听的就是《我思念的城市》，那是一份质朴和苍凉的感觉。这种感觉在第一次听张楚的时候也曾有过。于是迷迷糊糊的喜欢了许巍。
当听到《在别处》和《水妖》的时候，我知道许巍肯定满足了很多人的期待，不管许巍自己经历了什么，他却在音乐里找到了与人相通的知觉。无助，茫然，孤独，绝望，遥远的幻想，《在别处》的所有歌曲都唱出了我们心里不敢触及的那一部分。哪怕我们不考虑他音乐的表达和存在的意义，只有两个字就已经足够：好听。在这个时代，除了好听我们还能奢望什么？还会出现崔健那个时候一首歌改变某个人的一生这种情况？我操！
专辑里每首歌都好听，甚至都能在听的同时让我们看见什么。只是许巍的歌旋律过于单一缺少起伏，演唱也是一个声音下来没有变化。但那是许巍不懂变化还是不愿变化？当我们在他的音乐里感到了似曾想识的沧桑和茫然无助，我们的内心世界真的还愿意改变他么？
《在别处》之后，许巍不再漂泊，于是他变了，于是我们也再找不回最初的感觉。
周韧
22.《榨取》
个人理解的话，周韧的《榨取》应该是中国最早的grunge专辑，那是1996年，中国的grunge最最火爆的年头，大大小小的个性青年都谈论着nirvana，于是《榨取》诞生了。
虽然这张专辑虽然在很多地方有些像pearl jam，但是谁又懂那么多呢？抛开一切风格不提，这张专辑给我印象很深的地方是人声上加的效果，比如说《榨取》这首，一个说唱的作品，很有趣，我们可以完全不去管歌词再唱什么，人声加上效果器是一件很奇怪和好玩儿的乐器，如果你喜欢那种概念上并不是那么标准的rap同时又喜欢grunge的话，你应该会喜欢这首歌。
但是个人感觉周韧在《榨取》中的那些的歌词明显的故作玄妙，他本人又是在对grunge一味的追求和模仿，使得这张专辑只徘徊在小众中的小众里被爱戴。当然我们可以说《榨取》大约是技术上最精彩的grunge专辑，但却真的没有什么内容，更别说感人。
臧天朔
23.《我这十年》
先夸老臧几句：1995年他这个首张专辑《我这十年》成功推出并且大卖70万张之后，臧天朔凭借专辑《我这十年》中的精彩演绎，获得了主流与非主流音乐人士的赞许与认同。臧式平民化音乐语言为其在中国流行音乐发展历程中奠定了不可替代的历史地位。臧天朔也算是第一个具有摇滚乐史意识的歌手，《我这十年》是他的一本生动的音乐自传，记录了他伴随着中国摇滚乐史历程的饱含着酸甜苦辣的音乐实践。
臧天朔也是和崔健同时代的老摇滚了，在摇滚音乐界磨爬滚打了二十几年，却从来没真正确立自己的任何风格，老臧在《我这十年》里面不断的尝试和变化，使整张专辑除了他的声音之外很不统一，有点不伦不类。比如《面子》、《说说》这些歌，在我听着十分的累，可能老臧的嗓音注定他不会有什么演唱的变化，所以他在任何风格上都要一试伸手，渴望改变，渴望自己对音乐的理解和认识保持新鲜。但专辑里除了耳熟能详的《朋友》、《心的祈祷》，其它的在我看来无疑是失败的。
24.《捧出自己》
老臧的《捧出自己》这张专辑在音乐上大体延续了上一张《我这十年》毫无规律的风格，专辑中涵括了较多的音乐形态，比如拉美、牙买加、硬摇滚、Grange、世界音乐，甚至还有佛教音乐的元素只是，恕我直言，感觉他离摇滚越来越远了。
可能老臧对于音乐有了新的自我认识，他越来越凭借自己的嗓音转化为一个平民音乐人或者歌手。他也越贴近人民贴近通俗，我不是说他上中央电视台的春节晚会演出那么一个烂节目有什么不好，我针对的只是老臧实实在在的《捧出自己》。
专辑里的歌曲基本都是臧天朔人到终年的感悟，像人生，生活，爱情，友谊，生命等等，但是除了嗓音还是臧天朔之外，音乐上越来越软，越来越偏向通俗化。
老臧真的走远了，他的音乐不好听了，尤其是那首他自己颇为喜欢的《老玉米》，真是惨不忍听。时隔这么多年，能让我们都记住的好像只有一首《朋友》，剩下的就是臧天朔的敦实和他的微笑了。
怀念曾经的臧天朔和1989乐队。
王磊
25.《出门人》
1994年，来自四川盆地的王磊，在广州出了一张叫做《出门人》的专辑，在遍地是毛宁的小调的广州流行乐坛里，奇迹一样地冒出来了，一时间有了中国摇滚乐界“北崔健南王磊”的说法。
《出门人》所表现出80年代末90年代初向商业社会转型的动荡不安的时代氛围很容易赢得共鸣。但是那个时候从形式上说王磊还是一个流行摇滚歌手，以广州为主的流行乐坛对他的炒作凶猛至极。这多少令王磊的摇滚显得不那么专业。但是勿庸置疑的是王磊的音乐是好听的，虽然部分歌词不是很理想，但对当时年轻的王磊来说，《出门人》已经象征着他的实力和长久的摇滚生命力。
《出门人》对今天来说虽然新意没有了，但它仍然是感人至深的，因为它浑身上下都散发着浓浓的“人味”，这也是它必将成为经典的资本。于是，我们在“冷”里彻底向人最脆弱的一面屈服，让它从我们内心深处“破门而出”。然后伙同眼泪在我们的情感里注满悲伤。
26.《夜》
1996年，气势非凡的概念音乐专辑《夜》推出，深化了《出门人》的主题， 音乐则从民谣摇滚和硬摇滚走向平克·弗洛伊德式的摇滚。 代表作《天堂》和《冷》是王磊新的尝试，虽然不是那么容易让人接受，但在音乐上王磊还独一无二的展示了川剧式的凄美高腔。《夜》是在一种疼痛的基调上，王磊开始一张一张戳破现实的窗纸：爱情、良心、城市、机遇、繁荣、自我，他反讽、他嘲笑、他也痛痛快快地“开枪”。如果你听不惯王磊的四川普通话，那就当他是一个火眼金睛的民工好了。
王磊风格在《夜》这张专辑里开始着重体现出来，有王磊的特殊音效，有那些无法归类的音乐，且称之为另类吧，民族打击乐、布鲁斯、川剧、硬摇滚、Fusion、Funk、噪音、取样……整张专辑十分痛快，就像王磊在和音乐做爱一样。
其实从《夜》里大量的音效就可以感觉得到，王磊迟早是要做电子的。而且象他这么有想法的音乐人，任何既有的风格都无法让他满意。只有在电子乐里，他才能彻底的任意的表达自己。
27.《一切从爱情开始》
从这张专辑开始，王磊的确成就了自己全面优秀的摇滚音乐人的事业。我们看到王磊重新回到根源，《一切从爱情开始》是一张以木吉他为主的纯原声民谣唱片。 仿佛王磊在一夜之间安静了下来，忧伤又茫然。
《一切从爱情开始》里面，王磊有点嘶哑的嗓子显得那么的动人，从没有听过这么真实且细腻的男人唱歌。还有一点非常值得一提，那就是他的歌词，王磊终于修正了自己音乐里最薄弱的一部分，完美起来。每首歌的歌词都直抒心意，纯白的像在茫茫草原奔跑的小羊，每个字每句话份量十足的在表达他的思想。
王磊自身特有的孤独气质在他的音乐里表现的淋漓尽致。而他在《一切从爱情开始》里重投民歌的根源与Acoustic化的声音，赤裸裸地对爱情作出解析与反讽，一首首黯然神伤的情歌，勾画出斯人独憔悴情怀。
《一切从爱情开始》，渐渐带回了我们的真诚还有我们那些简单的快乐。
小柯
28.《天色将晓》
其实小柯的音乐算不上是传统意义上的摇滚。他只是一个专注于自我风格的音乐人。这张专辑全部是他本人作词作曲的创作专辑。而专辑里的一些歌曲风格却有着和摇滚内涵异曲同工之妙。
说起来很难将小柯的音乐风格归之于哪一门类，因为他的音乐融汇了古典、流行、Jazz、Funk、Blues、Folk等多种曲风，而他本人又是一位集演唱、作词、作曲、编曲、演奏、制作于一身的才子，我对小柯的音乐有一种难以掩饰的钟爱，或许他的音乐不太流行，但他的音乐对于中国原创乐坛的意义却将是十分深远的——哪怕在今天人们还没有很充分地认识到这一点！
小柯其实更像一位平民音乐人，却并不完全的摇滚。他的音乐总是在让人感动和怀念，流逝的岁月在小柯那缓缓流动的钢琴中逐渐凝固成了泛黄的影像。蓦然回首，天色将哓，而心头的怅惘却依然挥之不去……
我们可以不去界定他的音乐，因为就音乐本身来说，能让人一遍又一遍的在听觉中感动就已经足够了
骅梓
29.《不要匆忙》
从台湾人制作的第一张摇滚乐合辑《中国火1》到本地策划的首张摇滚乐合辑《摇滚北京1
》，骅梓似乎总是被视为是碟中新声的代表，
组建第一支乐队算起，骅梓已经做了十二年的音乐， 1996年出版的个人专辑《不要匆忙》标志着骅梓在尝试自己走出来要去创造。骅梓是一个从来不肯招摇的摇滚艺人，也只有他敢于理智中肯的说出“崔健没有天分”这样的话来。
可惜的是《不要匆忙》并不好，早期的骅梓用他干净素雅的音乐元素表达着他简单的梦想，而当梦想只是梦想的时候，执着便成了固执。我们可以说《不要匆忙》的音乐没有任何的明显特点。缺乏彻底性可能是骅梓最致命的弊病。
可能对骅梓来讲，做音乐是一件很崇高的事情，而这种思想的不断重复加深耽误了骅梓的音乐，原因就是他把音乐太过于理想化，而他所理想的音乐却从来没有出现过。相比之下，《不要匆忙》虽然只是平庸之作，却表达了骅梓对音乐的追求和渴望。
胡吗个
30.《人人都有个小板凳，我的不带入二十一世纪》
最早听到的是这张专辑里面那首《欢迎受听广播》，真是喜欢的不得了，开始关注他以后打死我也认为胡吗个在他的摇滚事业中绝对不会失败！1999年4月，终于盼到了他这张专辑《人人都有个小板凳，我的不带入二十一世纪》正式出版。
这个来自鄂西的名叫胡吗个的年轻人创造了一个令每个音乐人汗颜的伟大奇迹，这个奇迹是颠覆性的，在这张名叫《人人都有个小板凳，我的不带入二十一世纪》的杰出专辑里，胡吗个用让人耳目一新的新写实主义的手法唱出了自己的声音，表达了一种最深切的人文关怀。让我们每个人反观自身尴尬、悲哀、平凡、猥琐的生存状态。
可喜的是，胡吗个幽默的个性使整张专辑充满了张力，每每我都会为其中出人意料、苦中作乐的戏剧性笑出声来，他的嘲讽和自嘲使他立于不败之地，所有的庄严、神圣、规则在这里被消解得一塌糊涂。而音乐，任何现成的音乐形式都无法套入这张专辑，因为他的音乐太实验性，太行为主义，太散文化。
其实摇滚并不是严肃，相信每个真正喜欢摇滚的人都会喜欢胡吗个。喜欢他看似漫不经心的“简约摇滚”。
陈底里
31.《我快乐死了》
陈底里算是老牌中国独立音乐人，他的音乐以电子音乐为主要表现形式，而其在吉他演奏方面亦有突出表现，曾被誉为是“DNA变种的吉他鬼才”。他就像是摇滚界底唐吉珂德，高喊精神万岁的他1988年便出了这张《我快乐死了》。就像很多人说的一样，陈底里应该去作电影音乐，因为听陈底里的音乐，应声人耳的感觉是：它们是一组音效“蒙太奇”。
在西方现代音乐发展中，以“噪音音乐”和“电子音乐”，对音效的把玩为最，陈底里无疑从中受到启发。他的专辑是纯音乐型的，虽然还略显粗糙，但却不是那种死死的没有生气的电子产物。于是在他的专辑里我们听到他纯音乐境界的自由追求，为中国摇滚打开另一个新鲜的空间。
不知道有多少人真的在意了陈底里这张专辑里面的歌词，反正我是基本没记住什么。好在我喜欢的是专辑里陈底里所营造的纯音乐氛围。可惜，由于行事低调，更由于其实验态度，作为实验音乐家的陈底里和他的《我快乐死了》远未得到更多的喝采。
唐朝乐队
32.《梦回唐朝》
关于这个唐朝我还能说什么呢？1991年唐朝推出首张专辑《梦回唐朝》，成为了中国摇滚史上的经典之作。唐朝乐队也成为中国摇滚历史上最振奋的一笔！凭借这张专辑和当时一同推出的黑豹的首张专辑，摇滚乐第一次也是唯一一次完全压抑了其它流行乐种，摇滚在那个时代成为时尚，成为无数青年少年的梦想。
不论是《梦回唐朝》的豪情万丈，《太阳》的天空地远，还是《月梦》忧伤的低唱，《九拍》狂放的嘶喊，“唐朝”都在其中表现出其对音乐驾驭的能力，曲子在流畅和多样化中体现个性，歌词则让我们看到他们对中国传统文学的理解，对生活和世界的认知。丁武高亢的嗓音、老五高超的吉它演奏、曲子编配的精细，每一方面都让人感到《梦回唐朝》的认真。唐朝的音乐是如此的华丽和气势磅礴。
《梦回唐朝》是唐朝乐队首张，也是唯一一张专辑，原因众所周知，张炬意外的去世导致唐朝消沉许久甚至面临解散，直到后来推出第二张专辑的时候，唐朝也已经是另一个唐朝了。
或许是因为张炬的离开，无数音乐人和摇滚迷把《梦回唐朝》视为近乎完美的经典，我也是其中之一。
33.《演义》
虽然已经知道任何乐队的第二张专辑肯定比不上首张专辑优秀，越是成功的乐队越是如此，但我还是想听听中国最优秀的摇滚乐队在蛰伏了多年之后还能不能带给我们惊喜。但我还是或多或少的失望了，就象唐朝的不可重复一样，《梦回唐朝》也是不可重复的。
《演义》的前奏，不如说是整张唱片的前奏，很好地延续了唐朝唱片的概念性，只是再出色的吉他也不如《梦回唐朝》的那几声锣和大鼓来得厚实。重金属风格已经在摇滚界落寞，唐朝新专辑《演义》中的音乐也可能是因为大家期望得太高而显得差强人意。
其实平心而论唐朝的音乐在《演义》里得到了延续，却肯定无法超于凝固在大家心中的《梦回唐朝》，比如我个人，许是因为张炬的原因，就特别喜欢专辑里唐朝翻唱的那首《送别》，那是唐朝对音乐敏感和热爱的体现。
1998年，期盼了七年之久《演义》虽然还是赢得了许多喝彩，但是却无法取代首张专辑在人们心里的地位。在经历了长久的等待后，或许歌迷变了，或许“唐朝”已经衰老了，而唐朝那首落寞的《送别》，无疑是对他们带给中国摇滚音乐曾经那些辉煌的一首挽歌。
黑豹乐队
34.《无地自容》
《无地自容》时候的黑豹无疑是优秀的，是中国摇滚界重金属和硬摇滚的代表，《无地自容》取得了难以置信的轰动，以至于有人群的地方肯定就有人在哼唱黑豹的摇滚。
从第一张专辑就可以看得出来，“黑豹”的音乐少了摇滚的沉痛却多了几分流行的因素。听“黑豹“的歌，总让人想起城市的浮躁，总想到酒吧中麻醉一下自己。那个时候，摇滚乐在中国被当作娱乐、渲泄、身体的需要和生活方式。所以“温情脉脉”的黑豹的Art Rock的路子本受世人的瞩目，他们的音乐多少还算属于大众的音乐，他们的摇滚也更容易被大众接受和传唱至今。
从很大一种程度上来讲，是黑豹乐队的《无地自容》把摇滚乐这种时髦的艺术灌输给了广大的中国青年，从而拉开了经久不衰的摇滚革命的序幕。也正是专辑《无地自容》后来数以百万的盗版让唱片商看到了摇滚的商业价值，从而大力扶持。
我们没有必要深入的探讨这张专辑创作出的那些音乐的价值，因为那个时候的黑豹虽然幼稚但还属于摇滚，那个时候的黑豹还有窦唯。那个时候的窦唯也是幼稚的，但是他和他的黑豹，他和他的黑豹创作的《无地自容》却成了不可逾越的经典。
能让所有人记住黑豹的，也只有《无地自容》这张专辑和里面一首首依然被传唱的回忆。
35.《光芒之神》
个人觉得《光芒之神》也算是黑豹不错的一张专辑，但能大卖多少沾了第一张《无地自容》的光，延续了上一张专辑的正题风格，但是专辑里的作品水平却参差不齐，从作品的音乐触觉完全可以看出窦唯离开的黑豹创作力在一步步的下滑。
这支曾是中国POP METAL音乐的开山鼻祖的乐队，换了峦树主唱的乐队失去了窦唯娴熟的编曲技术和你去年轻激情的声音，尽管残留了些许窦唯的音乐灵感，却真的不那么出类拔萃了。那些以战争，环保等等为主题的作品开始捉襟见肘。
客观的说，《光芒之神》里面还是有一些好听的歌曲，《美丽的天堂没有悲伤》、《我问》等，还是能找到从前黑豹的影子，仅仅凭此，《光芒之神》也算是一张高水准的专辑。黑豹也在专辑里继续了自己适合大众适合流行却没有脱离摇滚的音乐努力。
在我记忆里因为峦树与乐队的经济纠纷，主打歌《光芒之神》已经换了主场秦勇。虽然秦勇和黑豹合作的《光芒之神》也不算难听，但我发现我更怀念窦唯的黑豹了。
36.《无是无非》
去买专辑的时候心里就没了当初买《光芒之神》的那种激动和期待，反而是忐忑，我操买不买呢？还能听回以前的感觉么？出于对“黑豹”这个曾经让我激动得彻夜难眠得名字，最后把《无是无非》买到手里，我惊喜的发现，如果没有在专辑封面属上“黑豹”的名字，我完全可以把它当作另一只摇滚乐队来听。
可以感受到黑豹在这张新专辑上下了功夫，秦勇的作词也更直白，乐队也紧要牙关绝不创新绝不迎合，在编曲上完全可以听得出来，黑豹不令将键盘，吉他，贝司，架子鼓这“四大件”以外的乐器减到了最低程度，以保证“四大件”的“纯洁性”，但是在音色选取、乐器比例、和声构建、节奏变化上都作了改变，可惜这种改变的效果并不好。
《无是无非》可以算是上乘之作，但是整张专辑里却只出现了一首。按个人的喜好，我最中意那首《放心走吧》，原因只是当时和我最好的一个哥们儿游泳淹死了，这首歌太符合当时的心境，边听边唱，边唱边哭。至于其它的，不提了，没印象。
黑豹玩的还是摇滚，尤其是最简单的摇滚，但《无是无非》已经完全不同于前两张专辑，也完全不同于以前的黑豹，它是另一只摇滚乐队，几近平庸。
37.《不能让我的烦恼没有机会表白》
黑豹的音乐真的越来越黯淡，或者说黑豹在出这张专辑的时候只剩下一个名字了，只是在靠“黑豹”两个字的名气生存，虽然还不至于恶心似“零点”，但也已经开始一步一步迈向完全的商业化。
黑豹自己说，他们的摇滚越来越成熟了，要表达也更多了。我不知道那些曾经的“黑豹迷”们会怎么想，但我已经不能接受现在的这只黑豹，太多东西都已经变味了，即使听觉上还算过得去的主打歌《不能让我的烦恼没有机会表白》也全无曾经那只黑豹带给人们的激动和热忱，如果单看专辑而忽略黑豹的名字，那那首《三个人》还可以，就是编曲简单了一些，缺少一些起伏，歌词和大致旋律还不错，木吉他的风格比较轻快。可惜的是他们是黑豹，是中国摇滚的楷模，是曾经带给我们《无地自容》《别去糟蹋》《DON’T BREAK MY HEART》《别来纠缠我》的黑豹！对于这张专辑，除了失望没有别的感觉。真的，你看，这张专辑从推出到现在，里面的歌有一首能让人记住传唱的么？
或许多年以后会有音乐人回忆：成立于1987年的黑豹乐队，曾经是中国摇滚乐唱片销量最高的摇滚乐队。经过数十年的风风雨雨，数易主唱，它由幼稚走向成熟，又走向堕落……
鲍家街43号乐队
38.《鲍家街43号》
鲍家街43号乐队成立于一九九三年十一月，当时的成员全部来自中央音乐学院，并以母校的门牌号码为乐队命名。首张专辑《鲍家街43号》在九七年五月出版发行。
很多人都会记得鲍家街43号的那首在摇滚音乐大潮席卷中国的时候曾经风靡一时的《晚安，北京》，很多人也会记得汪峰戴着黑框眼睛在大街上狂吼的《小鸟》。那用什么来形容汪峰与他的鲍家街乐队呢？如果你仔细听过他们的音乐，你就不能不被汪峰诗歌般的歌当中所表达的那种深刻的意境所打动。他的作品的震撼力来自于他从大众生活中提炼出来的音乐灵感和真实。
汪峰创作上出色才能，已经奠定了乐队在中国摇滚乐坛的显著地位。这张专辑应该算是一个见证，见证最初的那支鲍家街43号乐队的出色，和他们的音乐魅力。
39.《风暴来临》
鲍家街43号乐队的成员都出身于科班，可是这些中央音乐学院的高材生所创作的音乐里却似乎嗅不到任何如贝多芬、莫扎特等大师的谆谆教悔。专辑《风暴来临》是他们的第二张录音室作品，在音乐的曲风上包含了迷幻摇滚、民谣摇滚、以及欧陆电子与中式rap的促涌节拍，多种音乐类型的尝试与探索更显其音乐创作的野心。
但是野心归野心，人不能做自己力所不能及的事情，鲍家街43号乐队放弃了BLUES，放弃了他们最优秀的一面，居然生涩地玩起了REGGAE和RAP？完了，他们完全丢弃了曾经的自由和力量，却迷失在音乐的形式上。而汪峰在《晚安，北京》《小鸟》之后，继续了他行走的情结，在他的词汇表中，“街道”、“夜”、“走”仍充斥其中，不绝于耳。
好像这是一个定式，一个乐队的第二张专辑的水准绝对超不过第一张，越是优秀的乐队越是如此。《风暴来临》之后的，这支鲍家街43号乐队已经名存实亡。 40.《花火》
《花火》是鲍家街43号乐队大换血之后的产品，老乐队成员只剩下了汪峰，而这张专辑更像是汪峰个人的专辑，因为这是他的个人词曲、唱、编曲的全创作专辑，而鲍家街43号已经隐藏于他的身后。
新版的鲍家街43号在专辑里只是汪峰的工具，鲍家街43号曾经的简洁、直接、透彻的音乐虽然是被延续，但那种集体创作集体融合的畅快却消失不见了。认真的说，《花火》确实有着貌似流行的外壳，但其实际上依然残存着一点充满摇滚精神的内核，其实鲍家街43号乐队一贯的旋律特色就是流畅的布鲁斯节奏，现在再加上一些电子编排的尝试，很容易就会让人觉得时髦和流行。在音乐里，汪峰改变了颓废的死亡式的发泄，也不做歇斯底里的呐喊，他的每一首歌有激情洋溢的旋律、寓意深刻的歌词，但我不觉得这一切还是摇滚的味道，倒像是在用摇滚的语言在诠释流行。
鲍家街43号现在只是个躯壳，而汪峰在不断尝试改变，只是里摇滚越来越远。
零点乐队
41.《别误会》
零点乐队1989年组建，早期以COPY外国流行乐队的作品为主。直到1995年首张专辑《别误会》正式发行，于是零点从一个默默无闻的伴奏乐队开始在中国乐坛创造奇迹。
专辑主打歌《别误会》在当年热门歌曲排行榜上连夺榜首，专辑销量居本土流行音乐专辑首位。在“中国流行音乐十年纪念回顾”活动中，乐队成员均获“中国流行音乐十年纪念回顾”最佳乐手成就奖，并应邀参加“中国流行音乐十年”纪念演唱会。
如此轰动的确值得骄傲，更值得骄傲的是零点在那个时候依然相信摇滚，他们依然把自己的音乐当作摇滚音乐在做。他们也算是继唐朝、黑豹之后又一只非常成功的摇滚乐队。他们当时的成就属于中国摇滚，时至今日我们耳边仍然能听到熟悉的《别误会》、《爱不爱我》。这不能不说是个奇迹。
虽然在《别误会》的时候，零点并不成熟，音乐也过于偏向流行，但当时我们并不知道他们会在以后一失足成千古恨，所以《别误会》还算是一张相当不错的专辑，一张属于摇滚音乐的专辑。
42.《永恒的起点》
零点一直在努力改变自己，但是说实话他们的音乐里有太多模仿的痕迹，可能第一张专辑的成功让零点无法在静下心来创作。他们找到了另一条能被人称颂为成功的捷径，于是在他们这张新的专辑里，我们一丝一毫都找不到摇滚灵魂的所在。
零点没有尝试也没有突破，在听《永恒的起点》里面的作品时我就容易产生一种错觉：原来这就是零点。于是再回过头听他们第一张专辑里面的音乐，不禁叫骂：这也太不摇滚了！
零点乐队看上去很是一群摇滚人，他们的音乐也打着摇滚的旗号，谁说他们不摇滚来着？听听《永恒的起点》里面的歌，《永恒的起点》、《别让我离开你》……他们摇滚的多么温顺，多么抒情，多么柔和，多么甜。你也可以在《共同的家》中感受到零点的人文主义和伟大。
只是这一切，与摇滚无关！
43.《每一夜，每一天》
1998年的《每一夜，每一天》完全彻底的很多执迷不悟的人的梦，零点完全成为了流行乐坛的一支乐队，整张专辑里也完全不去在乎音乐的变化，编曲的探索，“四大件”从头用到尾，甚至多次出现了舞曲的节奏，听来就像是八十年代火爆的歌舞厅里灯光烂闪，架子鼓烂敲的通俗。
零点撕去了摇滚的伪装，展现了全新的面貌，专辑里照搬所有通俗歌曲的元素，还假模假样的弄了一首《粉墨人生》以示他们创新多变的音乐风格。这支靠着摇滚起家的流行乐队终于可以变节，以他们今时今日的地位完全有理由这般如此了。只要写出通俗易懂，琅琅上口的歌词再配上节奏鲜明的伴奏，就足以吸引一大批**年轻人跟着他们屁股后面一边跑一边叫好。
不管真正的摇滚音乐人多么鄙视零点，但他们还是成功了。如果说有摇滚人挑唐朝、黑豹的毛病是因为嫉妒的话，那么瞧不起甚至骂零点就都是因为愤怒，因为他们利用了摇滚然后背叛了它。
44.《最好的零点》
《最好的零点》只是一张所谓的“作品精选集”。江郎才尽的零点依然在努力着。那些老掉牙的歌曲没有必要再作评价。
相信现在很多真正懂摇滚的摇滚爱好者谈及摇滚或者写一些关于摇滚的文字的时候我不会再说到零点乐队了。不知道如果编写中国摇滚乐史的时候还会不会带上零点一笔。
其实我们鄙视它可以不听他的音乐，让我们愤怒的是太多的无知者认定零点的音乐就是摇滚乐，甚至拿零点的音乐和真正的摇滚乐相比较，然后对真正的摇滚嗤之以鼻。
不知道当零点说出“我们从来没说自己的音乐是摇滚乐！”的时候，会有多少人咬牙切齿，当零点到处走穴被主持人称之为中国最好的摇滚乐队的时候，真正的摇滚却仍然被轻视。
前段时间猛然听说不摇滚的零点居然干出了一件挺摇滚的事情，乐队成员因为再公共场所吸毒被抓，最后直接导致乐队解散。心里居然多少有点失落，原因可能是零点一直是我们这些摇滚迷坐在一起冷嘲热讽的对象，就像解说员韩乔生老师一样。
看来，《最好的零点》可能成为“最后的零点”了。
超载乐队
45.《超载》
超载乐队曾经是中国Thrash Metal的代表乐队，1996年8月，超载发行了他们的第一张同名专辑《超载》，关于“超载”这个名字，它的含义就是指人们始终在一种超载的情况下生活。超载自从1991年诞生之日起就被一些人认为是不吉利的乐队，因为由于种种原因，他们光乐手就更换过十几个。
同样是国内第一批乐队幸存者的超载从《祖先的阴影》到同名专辑的发行，的确带给了中国摇滚乐坛一股真正的Thrash Metal潮流。那个时候的超载是一群热爱音乐和爱唱歌的年轻人，因为追求潮流他们的的音乐更强化了重金属风格。《超载》里面有太多年轻的本质，躁动，狂暴，不满都体现在他们的《超载》里在很多歌迷看来，超载乐队第一张专辑给人的整体感觉是皱着眉毛大声疾呼“我真烦！”
但我们也可以从超载的第一张专辑里看到很多的潜质，应该会有很多人记得超载主唱高旗的那首《生命之诗》：低下头是人间，抬起头是天边，转过身是欺骗，走向前是无言。引起了无数年轻人的共鸣。
但是《超载》也有一个缺点，就是难听。相信很多人不会忍受着一口气听完整张专辑的。
46.《魔幻蓝天》
新专辑《魔幻蓝天》不但没有进步反而退步了。这和高旗的三和弦论有不小的关系。当时间进入二十世纪末尾的乱哄哄的大时代，重金属早已被抛在脑后成了一个被讥笑的代名词，电子和朋克才是时代的弄潮儿。经过反反复复的思考和变通之后，“超载”终于卸掉了层层重金属盔甲，他们以清新吉他的英伦摇滚形象出现，向着感伤、细腻、敏感、唯美的层面回归。
或许这是因为上一张专辑有太多人叫骂难听，于是高旗和超载都反省自己，丢弃轰隆隆的配器，还原清亮的嗓音，猛然间就安静了下来。与上一张专辑的风格差别之大转变之快真是能吓死人。第一张同名专辑《超载》偏重的风格是重金属；而这一张《魔幻蓝天》乐风更为丰富，Britpop、雷鬼、庞克、金属和电子等，不限于一格。
抒情的布局，民谣吉他颇诗意，节奏吉他稳定、音色处理很好，器乐的编曲一流。高旗在歌中真假音转换顺畅……音乐的确是好听了，专辑也好卖了，而高旗和超载也证明了那句：低下头是人间的歌词，为了听歌的人改变自己的音乐，不堪重负的超载终于向商业低下了曾经高傲的头，俯首称臣。
麦田守望者乐队
47.《麦田守望者》
麦田守望者乐队最早组建于1992年，乐队成员均为大学毕业生，在校学习期间乐队已初步形成。1998年6月，乐队推出首张专辑《麦田守望者》，获得不错反响。
这是另一类走流行路线的朋克乐队的最佳代表。他们的音乐有股英国味儿,吉它短促而清亮,节奏快而机械,演唱则相对含蓄。在北京这股轰轰烈烈的朋克热潮中，麦田守望者是较为重要的一支乐队。专辑《麦田守望者》中其Punk/New Wave曲风和“最要紧是好玩儿”的生活态度跟比他们早了半年出版专辑的“清醒”一样，为世纪末人们昏昏沉沉的头脑吹来了一股醒神的清风。
这张专辑中最喜欢的就是曾经打过榜的《绿野仙踪》，给人一种玩世不恭游戏人生的感觉，色彩是一种绿色正像那部同名童话一样，明快多变。而我喜欢某些音乐的标准总是随着心情而改变，所以不足为据。
其实喜欢和不喜欢只有一线之隔，我曾经有一段时间特比不喜欢《麦田守望者》里面的音乐，原因就是我觉得麦田守望者的摇滚太软了。后来当朋克不再那么惹人关注，麦田守望者也就离我越来越远了。
单行道乐队
48.《姥姥》
1993年3月，单行道乐队成立，1995年，专辑《姥姥》成为当年中国南方的首张乐队原创专辑，也是深圳本土原创乐坛的首张专辑。单行道乐队并没有什么冲击力极强的名气，但是那首《姥姥》却博得了众多人的喜爱，个人觉得《姥姥》的歌词过于罗嗦没什么意思，但我必须把单行道乐队成员的年龄考虑进去，他们才多大啊！
单行道乐队属于昙花一现的摇滚，但是作为当时南方摇滚的先锋军，他为南方摇滚乐的兴起起到了难以估量的作用。
不过我个人一点不喜欢这张专辑，即使不算《姥姥》这首主打歌曲，里面的任何一首作品仍不能提起人的一点兴趣。粗糙，稚嫩，不伦不类是《姥姥》这张专辑的致命缺点。而他们主唱的水平低下也直接导致了整张专辑的水准。最终也因为主唱的软弱使乐队无法逃脱杳无音讯的最终命运。
清醒乐队
49.《好极了》
1997年岁末，清醒乐队出版了令人耳目一新的专辑《好极了》。虽然不是特别优秀的作品，但是直接催生了摩登天空这个独立厂牌，以至于后来有了很多新鲜的音乐，国内的摇滚带来了值得肯定的东西。
清醒是国内第一支可能目前也是唯一一支BRIT－POP，熟悉的红酒，咖啡，眼镜，口香糖构成了清醒乐队浪漫而绅士的气质。而他们简单清新的音乐则给了身处重金属的摇滚迷们另一种启迪，清醒，无疑带给了国内摇滚一股清新整洁的空气。
在专辑《好极了》中，我们不难发现清醒在刻意营造一种来自英吉利的音乐氛围。不负责任的喊叫声已经变得芳踪难觅了，取而代之的是整齐的短发、笔挺的西装，清新的吉他和时而兴奋、时而漠然的有趣唱腔。
专辑一经推出，果然如其名“好极了”，乐坛反响空前强烈。清醒以清秀的面庞，干净的穿着，打破了人们对摇滚青年“不修边幅”的既有定势，也以其充满唯美和梦幻的嗓音，冲出了对摇滚音乐预先设置的叫嚣阵容。
其实清醒的出现和崛起改变了很多事情，最明显的就是推出《好极了》之后成立了中国最早的硬地音乐公司“摩登天空”，掀起了音乐DIY的浪潮。
超级市场乐队
50.《模样》
在超级市场的《模样》出现此之前，窦唯的《艳阳天》就已经开始了对于电子音乐的尝试，很难说超级市场是不是中国第一支电子乐队，不过真正意义上的电子乐还是从他们开始的。他们的音乐并不同于时下风靡西方的电子乐，他们的音乐更多的接近英国八十年代初的新浪潮。从编配到制作，从歌词到唱腔，都是十足的英伦作风。这是当时最摩登的声音，非常有想法，概念非常强烈，拓宽了很多音乐上的空间。
很难说超级市场给中国摇滚带来了什么，当初这支来自北京的名不见经传的乐队一出手就迎来了满堂彩。整张专辑以纯电子音效加上经过特殊处理的模糊的人声为主，其电子手法不见得特别专业，但却恰到好处，许多歌曲都具有浓厚的迷幻色彩，相当“Haunting”。最出彩的是，专辑里几乎所有歌曲的旋律都很好听，作成流行歌曲的话也一定能成功。
《模样》是最早最初的电子音乐专辑，单凭这一点，这张唱片就应该被中国流行音乐史记录在案。虽然由于设备条件，他们不可能搞出更时尚更尖端的声音，但略显陈旧的音色却刚好带出了居于70年代的英伦Syn-Pop和New Romantic的气息，朦胧纷乱的歌词意象与迷幻暧昧的音乐氛围混合成难以名状的奇妙感觉。超级市场是北京摇滚的真正异数。
天堂乐队
51.《人之初》
很多人说天堂好听，基础的好感都来自这张《人之初》，我想原因大概是天堂的主唱雷刚在唱腔上模仿早期的窦唯，勾起了很多人遥远的回忆吧。
但实际上专辑《人之初》并不好，甚至不具备一定的水准，音乐和歌也没有任何可取之处。用雷刚的话讲“创作上因为年轻而造成的不成熟已在所难免，在制作上的缺憾更大”，在与红星签约之前与他们合作的音像公司没有安排够水准的制作人员，因此这张专辑几乎是在没有制作人的控制之下草草完成的。虽然在发行前红星在后期制作上作了很多修补，但缺憾已无法完全消除，所以〖人之初〗并不是一张令乐队感到十分满意的作品。
但是无论怎么说，《人之初》证明了自己的存在，无论好坏，无论有多少人真正的喜欢过。却也让更多人产生了期待，或者在等着看笑话。
52.《幸福的花儿》
在1995年初推出了首张专辑《人之初》之后，天堂乐队经历了近两年相对比较沉寂的时光，除参加一些摇滚乐的演出和 Party 之外，大多数的时间都在为第二张专辑创作、排练新歌中渡过。但在这看似平静的日子里，乐队内部却渐渐变得不平静起来，终于在新专辑录制完成之际，传出了乐队阵容变更的消息，而且这一次的变动非同小可，乐队的主唱，也是主要词曲作者雷刚宣布离队做个人发展，这一举动意味着以雷刚为核心的天堂乐队已成为过去，同时也预示着这支年轻团体今后在曲风上可能会有相当大的转变。
《幸福的花儿》就是在这样一个大环境下出现在人们面前，著名制作人张卫宁担纲制作，乐队风格开始呈多元化，令人耳目一新，雷刚继续似模似样的模仿早期窦唯的唱腔，让人继而对雷刚也产生些许好感来；其次，在以风格朴实、根源著称的制作人张卫宁的精心调教下，唱片中没有了唱歌跑调、键盘乱响、演绎凌乱的刺耳声响，而且还真透露出一些“质朴”的味道。
53.《一半一半》
《一半一半》，1999年天堂的第三张专辑，光看名字就知道雷刚离开后天堂开始有了变化，可以感觉道其中已经掺杂了哲学的味道。
1998年天堂乐队重组，宣艺兵和吴军又为天堂注入新鲜血液，直到天堂乐队发行第三张专辑《一半一半》,这张专辑从头到尾都用到了BOSSANOVA，加入不少的音效，感觉整张专辑是一个完整的整体，但是挑不出最佳单曲。还有很多的民族打击乐，正是这些民族打击乐使整张专辑充满了新的气息。
其中《对你说不》词、曲、背景音效都作的极其出色。封面好象同这张专辑不太和谐。喜天堂乐队的的夸赞天堂每张专辑都作的很出色，这在国内是很难得的。我却觉得天堂已经除了好几张专辑了，却还真就没有哪怕一首让人心动或者产生共鸣再或者琅琅上口的歌曲，他们的音乐和作品几乎没有让你感到惊讶或者夸张的地方。
虽然可以说天堂的确在不断的进步，但是他们表现的太中规中矩了，没有了创新和活力，也没有任何破釜沉舟的尝试，这也注定他们不可能上升到一流摇滚乐队的行列。
铁玉兰乐队
54.《铁玉兰乐队》
铁玉兰乐队成立于1994年春天，诞生在上海的铁玉兰乐队是第一支从上海闯进北京的摇滚乐队。并且闯出自己的一片天地。
铁玉兰是一个曾经很指望成为上海标志性的音乐团体，却没有满足一丝人们对他的期望，怎么没有人告诉他们，摇滚并不单单只是扯着脖子狂吼，也不是打扮另类，更不是会弹吉他和电贝司，能疯狂的晃着脑袋敲架子鼓，当然也不是在一阵暴躁中高喊自由迷茫或者颓废。怎么没有人告诉他们摇滚其实是一种音乐，需要创造需要灵性。
在那个摇滚忽然火爆的短暂时段，稍微能冒出点尖儿来的乐队一般都能拿到出版专辑的合同，而铁玉兰正占了是上海摇滚群体的优势，可惜他们没有理解摇滚，或者说当时铁玉兰的水平与当时中国摇滚正题水平还有很大的差距，他们的那张同名专辑我曾经听过，现在却毫无印象。相信听过他们音乐的人都和我一样无情的把它忘却了，于是铁玉兰也注定会消逝在新人辈出的摇滚界。
不知道在普通歌迷那里，有多少人了解或者听说过“铁玉兰”这个已不复存在的名字？
子曰乐队
55.《第一册》
我喜欢子曰，因为他们的摇滚，他们的音乐再没有人能作出来，而几乎所有摇滚界的同仁也都对子曰宠爱有加。他们有着奇特的北京风格。他们的歌被人称为“摇滚相声”。听过他们的歌以后，你会不自觉的笑起来，因为他们总用阴阳怪气的声音唱出那些诙谐可笑却颇有韵味的歌词。这是一张绝对耐听的专辑。而这张专辑的出版本身就是一个奇迹，因为里面有多首意义深刻而又“敏感”的歌曲。
很多人的都喜欢专辑的第一首《乖乖》，因为里面所蕴含的深刻太明目张胆，但我个人喜欢的是那首《相对》，可以将它当做一首情歌来听，用了很常规的情歌模式，可是在飘忽的吉它和弦背景下那抖得历害的声音还是让人感觉怪怪得，但更有意思的，这样的歌，一开始可能并不能吸引你，可听多了却真得会上瘾噢，不信你试试看。
在这张专辑里，你可以一小段一小段的听到各种音乐类型，民族的、摇滚的，还有摇滚乐中的各个类型，在这里所有的细节都成了子曰的佐料，而最终被合谐地融于他的作品中，这是一锅名副其实的中国浓汤。
子曰是最好的，我依然这么说。
面孔乐队
56.《火的本能》
1995年面孔乐队第一张专辑《火的本能》发行。在毫无强势宣传的情况下，却能在中国市场上赢得不错的反响。面孔乐队成为中国摇滚界有史以来单张专辑版税收入最高的乐队。一年间他们从专辑《火的本能》中赚取了近80万人民币的版税收入。
熟悉中国摇滚的人肯定知道面孔乐队，也知道面孔的首张专辑《火的本能》。经历了1995年疯狂的摇滚热浪之后，大批的中国地下乐队浮出水面，专辑拼盘纷纷迭出，《火的本能》便是其中之一。让人关注的是专辑里音乐的贝司手是张炬，那个曾经让整个摇滚界黯然神伤的男人。这更让很多人对这样专辑寄予厚望。张矩，丁武，窦唯，王菲等等都给予了很多的支持。
但是我听这张专辑的时候并没有更多的感受，面孔在那个时候走的依然是重金属的路子，却在音乐中加了些许的柔情成分，听起来不是特别舒服，而且歌词也没有摆脱当时摇滚乐谈中的一个普遍问题——文学水平太差——歌词不知所云或严重脱离生活。但是平心而论，《火的本能》的整体感觉很好，很多歌的录制也融入了深厚的情感，可能就像他们自己说的：这里有着一个真实的传奇——那个年代的这样的专辑的传奇。
苍蝇乐队
57.《The Fly》
苍蝇乐队成立于1993年，当时成员为丰江舟、宋永红、王劲松、岩磊 所组成，这批人均是在国内享有盛名的前卫艺术家。后来人员又有很大调动。
95年后，苍蝇乐队已成为具争议性的乐队。他们的内涵充满了对自身处境的肆意破坏、嘲弄与挑衅。音乐中充满对中国摇滚的不满与颠覆意图。那种无可比拟的崩离感与放肆的破坏力，正是让他们成为争议的原因。
这张专辑里“苍蝇”不仅将Punk、Grunge、No-Wave、Noise这些最具造反意识的摇滚风格不着痕迹地糅合在一起，甚至将Metal、Jazz这些牛头不对马嘴的风格掺杂在一块，形成一套用既定风格摧毁既定规则的独特摇滚语言。乐手们尽管拥有娴熟高超的演奏技巧，但他们从不按照某种既定风格来炫耀自己的技艺，反而总是随心所欲地把弄手中的乐器，将各种摇滚类型玩于掌股之间，让各种刺耳的不和谐声响和谐地融合在一起，于是我们总是听到一些似曾相识的演奏风格突然出现在另一种风格之中，又或是当某组和弦行进让你渐入佳境之时忽然变成一组毫不相关的噪音，而更多时候是没有任何章法的、极具破坏力的、令人难以想象的狂躁之音，一遍又一遍地刺透你生茧的耳膜。
听《The Fly》，最好要有足够的心理准备。
58.《恋爱中的苍蝇》
这张专辑是丰江舟与3rd NOVA合作的产物，我无法拿丰江舟＆3rd Nova《恋爱中的苍蝇》在大的范围内做比较。但通篇听下来，它比超级市场的电子音乐做得更为纯粹，更为颠覆，也没有超级市场圆滑的旋律和软化的节奏。丰江舟和苍蝇乐队的词一直引人注意，丰江舟＆3rd Nova《恋爱中的苍蝇》也不例外。
《恋爱中的苍蝇》给我印象最深的便是开篇的“00XX”，因为那属于过去年代的口号式的女和声，又让人在虚幻之间回到四处荡漾着红色激情的大无畏样板年代。如果《恋爱中的苍蝇》以此为重要介人点的话，丰江舟与3rd Nova做出的电于音乐将更为人瞩目，也更具嘲讽意义。
丰江舟的苍蝇乐队一直努力坚持自己的“脏摇滚”，趁着大陆电子音乐尚无崛起之势，他们扽不失时机地揽了一趟浑水。虽不算是惊涛拍岸，但大抵也可让人察觉到这股激旋的暗流。丰江舟＆3rd Nova合作的《恋爱中的苍蝇》总共是七首作品，它们相互纠缠着相互线绕着相互混淆着每首作品都不像是单一划分的。最让人不满意的是在音乐上缺乏大的反差。但我相信苍蝇不会停止脚步。
那么苍蝇肯定会继续的毁誉参半。
指南针乐队
59.《选择坚强》
南针乐队成立于1990年，乐队前身为“黑马乐队”。1991年从成都至北京发展，后易名为“指南针”乐队，是当时摇滚乐坛唯一一个非北京籍摇滚乐队。
1993年，指南针推出了首张专辑——《选择坚强》，全部作品由乐队自己创作制作完成，江西歌手罗琦担任主唱。在她的带动下，指南针很快在北京摇滚圈名胜鹊起。凭借自己逼人的青春和天才的嗓音，罗琦被人称为中国摇滚音乐第一女声。
当时乐队因为和歌词创作者洛宾合作，由周迪谱曲，从此进入一个新纪元。乐队在北京地下 party 中迅速崛起，但也受到了很大的争议。1992年底的一个 party 上，乐队主唱罗琦被人用酒瓶碎片刺中，左眼永远失去了光明。这次意外后，罗琦长时间处于一种惊慌、恐惧和痛苦中，也给乐队带来了很大的消沉。为此洛宾和周迪创作了《选择坚强》这首歌。
对于指南针乐队的这一张专辑来说，其实它自身的音乐价值要远远地少于它背后的故事，而这故事则可以说是至今仍留在人们记忆中的唯一有关于这张专辑音乐的线索，其余已都全部消失殆尽。那不应该是指南针乐队的音乐专辑，它更像一张个人歌曲集，未能如实在反映出这支乐队的潜在实质水准和才华。
60.《无法逃脱》
指南针乐队沉寂了三年才推出自己的新专辑《无法逃脱》，而此时原主唱罗琦早就已经离开。1994年新任主唱刘争荣的加入，为指南针带来了新的血液与生命，而源自天府的共同地缘与人情又使他们更加紧密地聚合在一起，。在指南针这张新的专辑绝对不同于以往的那支在女歌手的率领下酷似特邀合作乐队的指南针的音乐，新专辑的乐风颇使人有耳目一新之感，听过之后你不得不来重新审视和评估指南针的真正实力。
整张专辑，无论在创作、编曲上还是在演奏、演唱上，指南针乐队都有了明显的进步与提高，但它还不是出类拔萃的好，乐队整体也远没有到达某中高度，在这张新专辑中共收入了《无法逃脱》、《幺妹》、《爱着谁》、《灵歌》、《巫师》、《新年》、《枯萎，生命》、《给和平一个机会》、《轻气球》、《再也没有想法》十首乐队全新作品，但是无论词曲，都没有任何的过人之处，那么也注定不会有哪一首会让人们爱唱、传唱或者印象深刻。
指南针其实挺悲哀的，这支老牌摇滚乐队始终没有能力或者机遇，来体现自身的价值。
地下婴儿乐队
61.《觉醒》
用最简单的音乐展现最强大的力量，1999年，地下婴儿推出了专辑《觉醒》，这张唱片里的朋克十分“正宗”，音乐简单而富有冲击力，歌词似乎在否定生活中的一切。你要是喜欢真朋克，这张唱片是首选。
地下婴儿其实上是高幸高阳两个人的乐队。这兄弟俩出身富裕家庭，没有（不用）工作。他们都染了一头金发，平时不是骑着摩托车在北京街头呼啸而过，就是在家唱朋克过瘾。他们是北京新朋克的代表人物。这张专辑还有一个特点，就是主打歌一反常态地讲究起旋律来。
其实作为新朋克的代表人物，地下婴儿并不那么爆烈，但人家还有力气撕扯伤口，以《觉醒》的纯洁，以《种子》的无辜，高伟（高幸）揭开了一代自闭症患者的心灵。难怪有同龄者说听地下婴儿的歌，又有了想哭的冲动。
地下婴儿作为国内第一支“Old Skool”风格的朋克乐队，其原始、粗糙的朋克之声和简单明快的音乐令众多年轻乐迷为之震撼。也因为他们的年轻，于是让和他们同样年轻的摇滚爱好者纷纷期待起来。可是在一片期待声中，地下婴儿忽然沉寂。
花儿乐队
62.《幸福的旁边》
三个孩子创造了中国摇滚新时代的奇迹。
花儿乐队自1999年发表首张专辑《幸福的旁边》，顷刻成为新生代乐队中最为夺目的焦点，不仅唱片销量骄人，更获得了广大青少年乐迷的爱戴，在专业圈中也创下良好的口碑。专辑里所有歌曲都是他们生活的再现，最真实的语言和声音，不需要其它，已经展现了无穷的力量。
什么是新朋克？中产阶级子弟的娱乐还是新生代的宣言？通过花儿，我们至少可以领悟到这种音乐摧枯拉朽的世俗性力量，它是一代人集体成长的热血，它应该永远都是17岁的、无辜和朝气勃勃的。花儿从生活的正面向现存社会发起了冲击，他们有旋律，有层次，短而热烈，少年之气洋溢，多年来思想和思想体制的沉重被这行动主义刺激了。花儿的怒放，正是主流文化内部革命性的新潮，也是主流摇滚在中国真正形成的先声。 流行的音色，好听的旋律，他们自己的生活。“花儿”并没有给摇滚乐带来打击，但却鲜美蓬勃，让人想不通中国的教育竟然也有漏网之鱼，因此多少人全身心爱着“花儿”，宁可没什么思想，也要向真实致敬。
花儿也许就是中国摇滚的未来。
新裤子乐队
63.《新裤子》
刘葆、尚笑、彭磊，三个并不特别响亮的名子，组成了一支中国当代最好的新生代摇滚乐队组合——新裤子。新裤子的音乐风格弥漫着典型的迷幻摇滚色彩。
1998年底，乐队首张专辑《新裤子》出版，专辑的演唱、演奏、编曲、混音全部由乐队三名成员自己完成，充分体现了中国摇滚新生代的音乐思想。第一主打曲目《新裤子》单曲一经推荐，《新裤子》已为众多摇滚乐迷所熟悉和接受。主打歌《我们的时代》用淡描浓彩的音响效果，反映了中国新新一代人类的思想、言行，引起乐迷强烈共鸣，有人把新裤子誉为现在中国最佳Punk Pop乐队，我觉得有点夸大其词，但我真的喜欢他们的简单直白，虽说歌词除了《我们的时代》之外没有上乘佳作，但是音乐语言却毫无保留地表达了他们乐观的处世态度和隐藏在憨厚笑容背后的小小的感伤。这符合时代。
这是一张快乐的专辑，他们对生活的达观态度用向往恋爱做为途径来表达。其实这个时代真的已经到来，一些不求上进的老牌乐队也该提高警惕了。
NO乐队
64.《走失的主人》
1994年，左小诅咒领衔的NO乐队终于推出了第一张专辑《走失的主人》，但是出于种种原因还得先到香港发行，然后等了四年，到了98年才获得“大赦”，准在北京出版。
那个叫诅咒的人带着在朋克面前别再朋克的念头，手持一把无毛琴弓与怀抱从未拉过手风琴的夜千登台，在一阵自视无聊到极致的吱呀咿唔之后，同朋克运动的集体发育脱钩。即使在今天瓜分朋克光荣的大会餐中，你也可以看到他在精神上的格格不入之处。而《走失的主人》，则是这场会餐中真正体现个人真切灵魂体验的歌声。
听过《走失的主人》这张专辑的人都会非常清楚，左小诅咒把他的NO乐队带到了一个万劫不复的地域，他们的音乐只是唱给自己听，诅咒是一条疯狗，一条有着偏执狂嗓子的疯狗。像丰江舟一样，他用他的音乐考验着听者的适应力，不断的变调，走调，嘶喊，歇斯底里，《走失的主人》和《庙会之旅》带给你的是无穷的刺激。
NO乐队，也是迄今为止在噪音和声响结构方面最成功的乐队。
**乐队
65.《欲火中烧》
1998年在南方地下摇滚圈操练了多年的这支南昌朋克终于出版了第一张唱片《欲火中烧》。说是“出版”难免有些勉强，因为这张唱片比起他们早已在圈中流传的若干盒小样磁带，也不过是换上了彩色封面和CD碟片而已，从音响里传出还是那阵又死又硬的地下朋克之声，那种让绝大多数耳朵都会恨不得马上失聪的歇斯底里嘶喊。
《欲火中烧》的**是摇滚圈里典型的异类，他们的热情来自于他们认为摇滚和音乐要绝对的真实，**的音乐直接、简单、粗糙、怪异、尖锐、激进、暴烈。作品极端不和谐，惯用扭曲、变形、跑调的演奏技巧，其间通常点缀一堆无规则的、歇斯底里甚至撕心裂肺的叫喊。
**在地下的成名之作：《猪之三部曲：圈》把崔健、黑豹、张楚、窦唯等摇滚大腕逐个嘲弄了一番，连比较纯粹朋克风格的“地下婴儿”也不例外。**用其粗劣的音乐和出格的行动颠覆了顽固的摇滚秩序，显示了独到的批判眼光。据说《欲火中烧》录制的时候甚至没有录音棚，他们使用的也是极其廉价的乐器。
他们的歌曲不仅毫无技术可言，而且连旋律都被嘶喊消解了，也许正因为此，他们居然被更多人喜欢，而我喜欢他们的原因尤其简单，就是那首《猪之三部曲：圈》。
66.《怎么办》
1997年**的样带专辑《怎么办》开始以极快的速度在国内限量流传，这是中国地下音乐第一次得到民间大范围的检查及承认，它显示了中国地下音乐在长期遭受地上势力压制后一种势在必行的反攻，《怎么办》鼓舞了一批批国内的地下乐队，它是中国摇滚乐地下传播进程中的一块引路石。
**这个乐队，由敖博在江西南昌一间少管所旁边的一块菜地上的一间快要倒塌的厨房组建。现在，**做为民间层面上最大的摇滚名牌，正招惹四面八方的妒嫉、漫骂、仇视、恐赫、蔑视、分崩离析，这些个符合了中国人天性的遭遇加剧了**要反的对立面。
但**这样与一切对立，很难不让人怀疑是一种炒作，就像把无知当个性，把无赖当本钱，用反商业的态度利用商业。真的是这样的话，那可就太孙子了！
还是说音乐吧，《怎么办》的愤怒再次遮天掩日，从《我就喜欢绝望》到《无天》再到《狗屁新音乐》，尽管敖博肉嗓的撕裂得到了克制，但《怎么办》的惊爆点仍是此起彼伏,敖博的血性也再次得已无可抑止的渲染。
**乐队的确开了一片新天地，在他们的音乐里，没有什么是不敢的，哪怕他们的音乐不是音乐。
痛苦的信仰
67.《这是个问题》
痛苦的信仰乐队又是一支有代表性的说唱金属乐队。其鲜明的风格早已深入人心。“哪里有压迫哪里就有反抗”和“你的热血哪去了”等歌词也早已变成了“愤怒青年”们的宣言。
2001年的摇滚，说到影响力，我想我首推痛苦的信仰和他们的首张专辑《这是个问题》恐怕没多少人有异议。在今天这样的社会里，年轻人的一切几乎都快被生存和娱乐取代，痛苦的信仰能够逆水行舟实在难能可贵，赤裸裸的揭露和反叛，使其成为“新人类”心目中的摇滚英雄。
痛苦的信仰完全代言了新一代的摇滚青年，起码我觉得按照他们的年纪能作出极有内涵的音乐实属不易。他们不是怨天尤人的小资，他们不是战死街头的暴徒；他们不是领导一切的王者，他们不是唯命是从的奴隶。他们的斗争充满悲壮，他们的行动充满担当。他们把自己的全部的青春和热血化作挡车的螳臂，向着一切的不公正，挥刀！
专辑第一首歌就是《哪里有压迫哪里就有反抗》简单的四句歌词：专制能够改变我们什么/教育能够改变我们什么/哪里有压迫/哪里就有反抗。
太多的共鸣。
夜叉
68.《自由》
夜叉，1995年成立于四川。
在中国，说new metal是从夜叉开始的相信没有人会有异议，他们继承老metal的激昂然后加入黑暗，他们抛弃老 metal的拖沓然后选择直接，没有花里胡哨的表演，只有拳拳到肉的斗争。
夜叉是佛教世界中的一种护法神，性格凶悍、迅猛，相貌令人生畏；母贫父富，具双重性格，即吃人也护法；梵语作YAKSA。乐队的名字亦代表了夜叉乐队的特点——凶悍、迅猛、充满力量！这力量疯狂并野蛮，刺激、压迫着听众的神经；在现场，他们的音乐有着极强的煽动力。夜叉的《自由》并不代表他们真正的水平，他们的音乐并不是特别出色，让所有人喜欢他们的原因是他们绝佳的现场表演和煽动力，他们把中国的摇滚现场提升到另一个高度。
夜叉的歌词极其简练，也极其简单，从不旁征博引，具体论证，而是快刀乱麻，痛下结论，有些地方甚至只有“我操”这一永远低俗但也永远痛快的“摇滚口号”。夜叉的音乐风格经历了从Metal 到 Grunge 到 Punk 直至确定了现在的音乐路线，即融合了 Hardcore，Powermetal，Rapmetal以及一些舞曲元素的金属乐。音乐很重，节奏很强。
战斧
69.《死城》
战斧乐队组建于92年初，是国内最早做“死亡重金属”风格乐队之一。但战斧之于我的印象，是从“摇滚北京Ⅱ”开始的，那也是我第一次正式接触Death Metal，有些惑然。
对于Death Metal我承认，我不喜欢这种音乐，还有这种音乐故意压制嗓音制造给人们的压抑气氛。我也就从没有刻意寻求理解过这种东西，虽然这些年尤其近一段时间我也在大量的听着能够被称作是Death Metal的各式唱片。我清楚的知道，中国的Death Metal还根本没有和世界抗衡的能力。 《死城》中的作品多以战争和人的生、老、病、死为主题。以狂暴的节奏和阴郁的旋律来体现人们对战争的恐惧，以及在大自然所带来的灾难面前的渺小。乐队试图刻意的营造一种黑暗的气势氛围，让听者在这种体验中感觉对死亡的畏惧与崇敬。太做作，我不会再听。
但是，做为中国的第一张Death Metal专辑，《死城》出版的意义是伟大的。它代表着整整一代人曾经青春的狂热与追求，一种能够自纷乱中持而不变的渴望与梦想。
秋天的虫子
70.《狂人日记》
秋天的虫子乐队，成立于1998年，是中国第一支也是迄今唯一一支结合了歌特和工业摇滚的乐队。他们刚一出现就以独特的音乐风格和鲜明的形象备受乐界和听众的关注和肯定，乐队的两首单曲在“新蜂”唱片公司的合辑《花鸟鱼虫》中发表之后引起了强烈的反响，成为“北京新声”的代表乐队之一。
唱片里大多数的歌曲是在探索系。《赞美诗》中对死亡的想往，《梦》里对虚幻的渴望，《狂人日记》中的自我盅惑，这些作品被主唱樱子演绎得真实确凿，不掺假意。暂且不论他们的音乐达到和什么程度，但秋天的虫子是值得我们记于心的名字，通过这五位成员的精诚合作所打造的这张奇特唱片《狂人日记》是中国摇滚史上的又一次突破。
也许因为中国摇滚乐队女主唱太少，以至于只要出现就显珍贵。的确如此，一个姑娘敢于在酒吧，当着众人高唱被正统视为异端的摇滚乐，难能可贵，能不让你惊奇好的勇气吗？尤其在中国这块摇滚还未开禁之地。樱子对音乐有感觉要表达，而我们看到了她想表现的，别的都不重要。
病蛹乐队
71.《放开我》
病蛹乐队由来自贵阳的五个音乐小子组成。他们具有一种“全球思维”，喜欢玩世界最新音乐——硬核说唱。他们拥有中国同类乐队中最有力量的主唱，现场演出极具冲击力及震撼力。他们成功地融合了死亡，黑浪潮，说唱等多种风格，是北京地下乐队中“死说”风格的核心之一。
这几个平均年龄都二十出头的在出版《放开我》之前在北京的摇滚圈里已经倍受好评，甚至曾经是崔健演出的唯一垫场乐队。在2000年8月，病蛹乐队参加了由普涞音乐和CHANNEL[V]联合举办的国际音乐活动[飚音地带]的演出，其出色的现场演出魅力被[V]频道通过国际卫星向亚太华人地区传送，以新的摇滚语言，新的视觉形象，新的视觉冲击力，证明了他们是新音乐文化中的佼佼者。
专辑里的《开场》、《解放》、《垮掉了》、《堕落》都是具有相当水准的说唱，专辑后期更是在欧洲缩混完成。很多人说《放开我》是一张具有国际水准的唱片，这一点应该不为过。
合辑
72.《中国火I》
我总觉得这张专辑应该算是中国摇滚乐的一张标签，如果谁刚刚喜欢上摇滚乐的话那《中国火1》是必不可少的入门手册。时隔多年它还经常被人提起，就是因为这张专辑在当时或者现在都代表了起码到目前为止中国摇滚的最好水平。
只要是摇滚歌迷那么他手里肯定会有一张《中国火1》，我不知道该如何形容，但它的的确确是中国摇滚历史上最受欢迎的一张唱片，他和他的姊妹片《中国火2》《中国火3》都有着极高的荣誉，摇滚音乐拼盘很多很多，但是中国火系列告诉我们他是最好的。本唱片集结了当时所有摇滚顶尖人物和乐手：张楚、面孔、ADO、赵刚、anodixed、红色部队、黑豹、自我教育、唐朝。
甚至在我印象里，我身边太多的人都是因为一时冲动买了这张唱篇之后，开始结结实实义无返顾的喜欢和迷恋上摇滚音乐的。
73.《中国火II》
这张专辑相信我也不必多说什么。
1996年，魔岩文化继《中国火1》后又推出了另一张中国摇滚合辑——《中国火2》。地下婴儿的《都一样》、窦唯的《主》、铁风筝的《三儿的问题》、张楚的《认识了》、王勇的《招魂》、周韧的《火星人》、方科的《1999年8月10日》、超载的《破碎》等等都是在这样一张专辑里被人熟知的。虽然整体水准招《中国火1》稍有逊色，但这并不能阻碍摇滚迷们的狂热，受《中国火1》带来的巨大影响，《中国火2》几乎也成了中国摇滚历史上招牌性质的合辑。
个人喜欢的能给我带来惊喜的有一首，就是铁风筝乐队最早被人们熟悉的《三儿的问题》，这首歌也被收录在系列著名的拼盘摇滚《中国火2》里面，歌曲里面沉重的大提琴的近似Solo的和清脆的木吉他的配合给我留下了不错的印象。
74.《中国火III》
至今为止的最后一张“中国火”系列的唱片。实话说，总有一些最早出现的东西很难被超越，就像魔岩文化的“中国火”系列，很明显的《中国火3》不如《中国火2》,《中国火2》不如《中国火1》。
应该说是对中国火系列的最概括评价。听完整张合辑，我不禁回忆起听青山拼盘的噩梦般的日子。《中国火III》就是这样的，一些已经录好的歌儿拼在一起，配上一个看似个性的封页，了了草草的就爬上了唱片店的货架。没什么事先的宣传，有一些能让群众得知的消息流转着就够了，反正质量上也没那么高的要求，宣传不好反而更糟糕。在适当的时候上市，缓解中国大陆允许发行的摇滚乐市场的冷清状况，更别让中国火这个名字逐渐被人们淡忘。
不过中国火不知是出于什么目的——对老五离开唐朝一事并未得知应该不大可能；对老五离开唐朝的惋惜或是什么其他目的不得而知——总之是把老五又放到了唐朝里面，让人看到以后勾起颇多回忆，也咒骂魔岩文化的不负责任。
肯定有盲目的摇滚迷青年朋友从唱片店里请回《中国火III》，对又能听到他所崇拜的偶像们的歌声激动感慨，对“中国火”系列能给他无聊的生活平添色彩大为感激。这不能不说是一种悲哀。
75.红星I号
《红星一号》是红星生产社推出的第一张合辑。初衷是想先通过合辑的形式让旗下的签约歌手为广大乐民所接受，然后再陆续推出各个歌手的个人专辑。这张专辑所亮相的九个歌手和乐队，如果没记错的话，之后有八个推出了自己的专辑，除了石头乐队。
当初我也是被泛滥的摇滚大潮所蒙蔽，《红星一号》拿到手之后心里还有些许喜悦。但是这是一张让我失望至极的合辑唱片。里面的所有歌曲除了郑钧的《极乐世界》之外，我全不喜欢，甚至可以说嗤之以鼻。
换句话说，这张唱片打着摇滚的旗号，其实就是一盘大杂烩。不过是红星生产社试探市场的一种手段而已。合辑里的田震、小柯等都不能归为摇滚。尤其像石头乐队那样的伪摇滚，石他们根本不应该称为摇滚乐队。他们一点也不摇滚。倒是有点象零点，做个流行乐队还不错。
《红星一号》是红星生产社推出的最出色的一张合辑，之后的二号，三号等都未能超过这张合辑。大多数人对于这张合辑有这样那样的不满，但对于整张专辑，我没有不满的意思，，因为这是张垃圾合辑。纯粹的披着摇滚皮欺骗人的恶劣唱片。
76.《摇滚中国乐势力》
《摇滚中国乐势力》合辑一共出了三张，但是那个时候因为“中国火”系列掀起的摇滚音乐合辑高潮，使得众多各类型的摇滚合辑如雨后春笋，在唱片市场遍地开花。但失败的是却都没有任何特色特点，为了大卖而摇滚，真是让人大呼上当。
唯一值得选择的只有《摇滚中国乐势力1》，因为那张唱片是收录的是大陆那批摇滚元老级人物和乐队在香港红堪体育场现场演唱会的盛况。那疯狂火热的场面即便是在唱片里再次听到都会让人热血沸腾，激动万分。
“摇滚中国乐势力”系列剩下的两张碟好像是D版的，应为没有看见正版的发行过，里面的乐队和摇滚人都是顶尖的。只是现在可能买不到了，集结乐手：张楚、红色部队、ADO、窦唯、崔健、黑豹、轮回乐队、超载乐队、面孔乐队、何勇、唐朝、1989乐队、郑均、自觉乐队。本系列唱片的最后一张。集结乐手：鲍家街43号、清醒乐队、边缘乐队、麦田守望者乐队、玩笑乐队、夜千乐队、龙宽、朴树、超级市场乐队、花儿乐队、自我教育乐队、周韧、新裤子乐队。
77.《摇滚另类拼盘》
这张直名“另类”，被文案喻为“梦幻合辑”的专辑，则显得面目可疑，虽然它集中了全国多省的民间乐队的作品，却让人对其制作人、录音室、录音师等制作状况一无所知，文案也只字不提，难道是一张“二渠道”的专辑？
放下背景不提，音乐专辑最终要让音乐本身说话。首曲一响，你不得不敛声凝神来面对它了。北京的“苍蝇”乐队发出先声，自称“乐队好比绿头苍蝇在茅房嗡嗡的飞”，这是一种自喻的状态。他们的作品《是枪还是子弹》呈现了他们对自身及位置的困惑：辑中另外还有两首不错的作品：四川“２１”乐队的《画在墙上的天堂》和北京的“子曰”乐队的《白皮本》。前者的新疆风味转为一首以旋律、配器、人声、和声编写都酷肖窦唯的歌曲，可谓得了神韵，只是有模仿之嫌。后者以禅门诵经开头，主音用近乎汉语的基本语调的旋律将它念唱出来，自有一种京韵的味道。
余下“灰狼”、“夸父”、“铁玉兰”等乐队，表现得让人失望，尤其如“铁玉兰”的《回家的路》，可以说是对警察乐队《Every Breathe You Take》的抄袭。
将这张拼盘称为“另类”，并不合适，它只是一次对全国各地的优秀民间乐队的检阅，其中既透出希望也有一些无奈。
78.《告别的摇滚》
就是这样一张专辑，让我百听不厌，感慨万千。在我们周围生活着这样一群年轻勇敢的音乐家，他们在认识列农和迪伦以前最先接触的也正是邓丽君。我一直幻想能有一个机会让我喜爱的摇滚音乐人能够合作一次，共同创作最动听的摇滚音乐出来。很然而未曾想到，最开始一起创作的却是如此伤感的主题。他们用自己的理解方式重新演唱这些脍炙人口的作品。
当我听到了大陆摇滚群星黑豹、唐朝、轮回、臧天朔（1989）、郑钧等为纪念邓丽君而出的那张专辑《告别的摇滚》时，我知道我的愿望实现乐，他们一路一路地已经走到了这里。因为邓的去世让他们聚起来一同回首一下过去走过的路。
翻唱专辑风格迥异是常见的，但拿摇滚来唱邓丽君，不仅是面子上做了改动，真是连里子都改过了。男人看女人男人听女人甚至男人翻唱女人的歌，和女人的角度就是不一样。我心想，在调侃中仍然能够表达出自己敬意的男人，实在也值得让女人尊敬甚至喜欢一把。
这张专辑中的歌曲都来自于大家熟悉的邓丽君的歌，所不同的是今天的《在水一方》已经不是往常的了，也许更多了几分凄凉，这张专辑。推荐曲目郑钧的《在水一方》、轮回乐队的《酒醉的探戈》，轮回深情演绎的的这首探戈真让人凄然落泪。
79.《摩登天空》系列
在已出版的四张《摩登天空》合辑之中，每张合辑都获得了较高的评价，被公认为是国内新音乐合辑中最为优秀的一个合辑系列，而且在销量上亦有保证。
更为难能可贵的是，当年在摩登天空合辑中首度亮相的绝大多数新秀乐队都在日后录制了自己的专辑，摩登天空合辑的前瞻性由此可见一斑。发展至今，许多乐队均以能参与到摩登天空的合辑之中为荣。
“摩登天空”已经成为乐一个品牌，并且制作的相当精良，每一张都有自己的特色、如果说在《摩登天空1》里可以听到愤怒，《摩登天空2》里是猛烈和沮丧，《摩登天空3》可以听到发泄，而在《摩登天空4》里他们都被细腻敏感的旋律化一一代替。
“摩登天空”系列完全是随着摇滚发展的潮流而制作推出，所以我们总会在专辑里听到新的陌生的却很好听的声音。这也是摩登天空受的大家喜欢的优势所在。
80.《我爱摇滚乐》系列
《我爱摇滚乐》精选系列是《我爱摇滚乐》有声电子杂志制作的一个精选音乐系列唱片。这样的专业杂志制作专业唱片的形式在国外已经不新鲜了，但在国内还是独树一帜。
《我爱摇滚乐》是1999年11月创刊的，在杂志里，你处处可以看到《我爱摇滚乐》这本杂志对所有摇滚爱好者以及想从事摇滚事业的有志之士的关怀。他们有自己的录音棚为摇滚乐队和爱好者提供专业的录音服务，却不会像那些商业录音棚只会在租金多少的问题上与你纠缠不休。他们还有自己的专业网站(WWW.SOROCK.COM)。这是一本充满人文关怀的杂志。
不夸张的说，《我爱摇滚乐》这本有声杂志几乎涵盖了所有与摇滚乐有关的内容。他们错制作的《我爱摇滚乐》系列精选集，更是不断介绍推出摇滚新人，新作，不见得都是好听的，但肯定是最新的，当老一辈的老滚先烈都已经淡出我们的视野的时候，不妨寻找一些可以让我们喜欢的新声音。
凡言
81.《凡言精选集》
吉他手出身的凡言曾是太原地下乐队十月高地的主创者，这位新疆来的乐手在太原的学院里当了教师。早在2001年4月，在山西底层音乐工作室地下发行的《太原地下音乐资料NO.4》，我们就已经领教了凡言阴暗想象的功力。除了《女巫》，还有一首太过露骨的《活埋》，一首旨在营造坟场阴森、恐怖气氛的声场作品。
凡言的出现寓示着民间新音乐走向另一个极端的开始，游走在电子/低调/噪音/吉他摇滚等等音乐边缘的试探，而最有意味的是地域（包括方言、口音、戏曲、民歌、地理、人文等）/宗教/历史因素的加入，奇迹可能就这样诞生。
凡言带着他的Dark Wave／Dark Ambient风格，走进我们的视野，而凡言的音乐在这里给人希望的不是希望，而是绝望；给人痛苦的不是痛苦，而是快乐；给人快乐的不是快乐，而是痛苦。这是眼下最奇怪的地方，这里所描绘的是长期以来我们真实的生存环境和生命体验中最深切的领悟。
专辑里收录的凡言以往所有的优秀作品，如《漂移》、《活埋》、《信念》等等，我不喜欢凡言的原因很简单，因为他的音乐让我绝望。
扭曲的机器乐队
82.《重返地下》 在我的印象里扭曲的机器乐队成立于1998年，是比较早以Rap风格见常的一支年轻的乐队团体。
从服装到音乐风格无不体现他们的与众不同。受Hip－Hop的音乐影响。他们将自己的内心世界以快速的语句与旋律相结合的方式表达出来，具有强烈的节奏感与煽动力。他们的音乐中说的是成长中的烦恼和生活中的琐事，偶尔关心一下政治。他们追求的是节奏的刺激和嬉戏的满足，纯正的说唱，纯正的金属，略显粗俗的表达方式，他们完全秉承了美式说唱金属的神髓，不仅玩出了型，而且也玩出了这种音乐的神。因此他们在刚刚出道不久就迅速拥有一大批忠实的歌迷，他们已然成为当代青年的新宠。
专辑《重返地下》为我们带来了11首全新力作，在精良制作和众多高手的协助下，成为一张当之无愧的中国新金属经典之作。狂暴的吉他音色和流畅的唱部旋律有机结合，辅以强悍的贝斯演奏和变化多端的鼓击。乐队更邀请了圈中好友“夜叉”的胡松，“CMCB”的王小欧、张然，“隐藏组合”MC刘佳等助阵，营造成为一种多元化的混种金属乐。
艳乐队
83.《艳乐队》
2003年中国流行乐团靠一把翻身的摇滚世界就是“艳乐队”的成立，并发布了首张同名专辑，艳乐队是个突然窜起的摇滚组合，从发行首张乐队同名专辑起便如滔滔江水滚滚东来，以不可阻挡之势闯入了真正喜欢摇滚的人们眼中。
专辑虽属硬摇滚的汇聚畴却有别于印象里摇滚乐手留着长头发在舞台上面砸吉他的传统演绎，用乐队主唱唐平的话“我们的硬摇滚是那种健康的干净的硬摇滚，时代毕竟不同了，更何况我们也不是那种活得苦大愁深的类型，但是毕竟都还是属于那种心里有把火的人，平常不觉得，一放到音乐里，就自然而然的是现在这个样子，并不是为了硬摇滚而硬摇滚。”
很多人喜欢艳乐队和他们的音乐，完全时尚手段的包装和炒作可能是根本原因。他们就是另一支零点乐队，甚至比零点更没有摇滚味道，他们的音乐只是为了适应流行，为了听他们唱歌听他们音乐的人所创作，专辑节奏单一缺乏变化，每首歌曲都带着浓浓的流行味道，或许是占了现在中国唯一一支是女主唱乐队的优势，加上行之有效的宣传炒作，艳乐队突然的火爆并不让人吃惊。
但我不同意把他们归为摇滚乐队。他们的歌简单好听，却没有任何应该属于自己的风格，哪怕一丝一毫。艳乐队，继续蒙蔽那些不懂摇滚的大众吧。
第二层皮
84.《无数的中性表演》
2000年4月28日，杭州乐队第二层皮在地下厂牌元音创造社发表了第一张专辑，磁带版，他们是孤独的硕果仅存的传统器乐噪音爱好者。
我一直不知道用什么样的眼光来看待他们，第二层皮这支多少带点传奇色彩的实验乐队,从它成立的一刻起，乐队的成员除了核心人物李剑鸿外从来就没有固定过，先前较固定的有吉他手朱志方，现在是美籍打击乐手Paul.其间合作过的乐手有鼓妞、戈明珠、李容华等等，不下十几人。这应该和李剑鸿的刚愎自用有关，他一直以来都影响着乐队的方向，包揽了乐队所有的词曲创作，他已把“第二层皮“看成了自己的代名词.。种创作方面的过度自我性虽然会影响到乐队的稳定，但这也是乐队最吸引人的地方，第二层皮的最大魅力就在于它的创作上的自由，乐队从来没停止过对音乐的探索，包括音乐的形式和内容。
85.《寄献给一切享受无聊的人》
在2001年年末，第二层皮的《寄献给一切享受无聊的人》在其bass手paul的出资下，在杭州大自然录音棚录制完毕，并在2002年年初地下发行。
其实细心的人完全可以听的出来，《寄献给一切享受无聊的人》制作太仓促了，可能由于在棚里录音，还有因为唱片商的介入坚决的贯彻节省成本的原则，就被钱牵着，所有的乐器和人声都一次通过，有很多遗憾的地方，整体感觉也没有了原来的味道，音乐和歌词都不再有自己一直追求的感觉，偏于流行了。
李剑鸿的确在不断的变化，可惜的是乐队要出唱片始终无法避免太多的商业因素，完全按照自己的意愿和想法制作录制专辑，这几乎就是空谈。
这张专辑并不十分成功，而且对于这张专辑，我喜欢的并不是他们的音乐，毫无特点并过于保守，我喜欢他们所有作品里的含义。那些歌真的他妈唱到我心里去了。当然，这个特点始终贯彻在第二层皮的音乐里，无论第一、第二，还是他们的第三张专辑。
86.《我的起义》
《从无数的中性表演》到《寄献给一切享受无聊的人》再到即将推出的《我的起义》，作为江南地下音乐的杰出代表，“第二层皮”在义无返顾的迷幻实验三部曲中完成了艰难的凤凰涅磐，乐队灵魂人物李剑鸿至此也成为浩浩荡荡的“独立制作”大军中不可忽视的重要人物之一。
新专辑用到了小提琴和五孔竖笛，还有一点巴基斯坦音乐和噪音音乐采样，一些键盘音色，但主要还是传统的噪音吉他技巧，贝司在耳膜上滚动着，效果器直接发出的声音把乐队带向了更前卫的声音艺术/长音和黑暗氛围的边缘，鼓和其他零碎的打击乐在摇滚和戏剧化之间来回转移着。有些时候，迷幻的吉他让人想起山本精一（Seiichi Yamamoto）之类日本巨星的手笔，而且第一曲《我的起义》的演唱也颇似日本戏剧，更别提巴基斯坦笛子被以接近日本旋律的方式拼接出来，而塔不拉鼓声则在无限反复的部落敲击声中变成了催眠魔术。
但要是就这样跟日本扯上关系，那也太简单了些。不如说是东方的、东亚的传统音乐的影响。《我的起义》的歌词如下：“来，我心即国家。欢迎你来创建，欢迎你来颠覆。”，第三曲《了》的“无为、有为”也跟在古琴、琵琶似的吉他和呜咽的小提琴后面，久久才肯唱出。佛和道，噪音和领悟，本来是一回事。
第三张专辑里面，第二层皮接触了也涉及了更多内容，他们试验了更多的音乐形式，也探索了更全面的音乐感触，却减弱了以前那种灵气和实际，那些心领神会的感觉变得很淡。如果光从音乐的角度来说，他们进步了，但是有时候，进步不见得是好事。我总觉得第二层皮选择了自己无法超越的道路，却丢失了最真实的自己。
廖仕伟
87.《风起》
廖仕伟是中国最好的吉他手之一，绝对的。经过多年沉淀，首次推出个人专辑，这是中国第一张也是目前唯一的一张十分珍贵的音乐手稿。尽管短短的6首曲子，除了一首交响版《送别》，其余的从编曲到混音录音演奏几乎都是廖仕伟一个人一次完成的但是丝毫不影响音乐本身的质量，配器完美干净，旋律优美动人，表现手法真诚简单，甚至连录音的水准都是绝对一流无可挑剔的。廖大侠像武侠小说里的剑客，一叶一飞花，微笑间飞沙走石，江河变色，可见他深厚的功力和造诣。
开篇曲《烟火》中，在吉他进入处演奏得极为扣人心弦，吉他音色调节得恰到好处，但令人遗憾的是其中的女声独白录制得有些“噼”。在《走的那一天》中，廖仕伟邀请来了北京最优秀的乐手，如“子曰”的鼓手陆勋、爵士贝斯手袁波及爵士萨克斯手小宝，其中婉转的萨克斯独奏与吉他承上启下般的音乐动机勾勒出了所有离别时的感伤。
廖仕伟骨子里有一种很中国式的忧郁。他读古籍学佛经，一个现代音乐人却有着古代文人式的孤傲气质。而这张专辑，虽然是廖仕伟记录音乐日记的见证，但在其中你可以听到太多目前中国最好的乐手的合作。
靳崧
88.《这样那样怎样》
真的很难给这张专辑下一个简短的定义，因为从各个层面它都存在与众不同的特点，还有创作者违反常规的种种做法，也提醒我们把注意力偏向当前这个“个性化时代”的背景当中。专辑主题曲《这样那样怎样》和《ONE MORE CHANCE (SWAN LAKE MIX)》别出心裁、妙趣横生的拼贴采样又是跟Fatboy slim老师处领悟的结果。
更难得的是，这样“洋化”的曲风，都是用标准的汉语普通话来演绎，顺利的嫁接，完美和谐的结合，让你对这种实验耳目一新的同时感到舒适和愉悦，不折不扣的纯正中文电子舞曲！暗藏玄机发人深省的《再给它一次机会》和细致入微讽刺幽默的生活小品《我是你的电视机》，以及中东色彩浓烈的《完美的秘密》中对“庄周梦蝶”典故的反向思维，这些都证明除了音乐性的可圈可点，这同样是张颇具思想性的专辑。
而且，当你得知这张讲究细节的唱片整个制作过程是由一个人在家穿着拖鞋运做的结果，你又会作何感想？原来低成本、小制作不一定就是LO-FI的产品,它同样可以创造精品。至于你怎么去理解怎么去听，那就是仁者见仁智者见智的事情了。
惘闻乐队
89.《二十八天失眠日记》
这是中国第一支纯正的POST－ROCK乐队，成立于1998年。这张专辑中的歌曲其中一半儿都是比较早期的作品，歌曲的框架结构比较简单，稍有些Post Punk的味道。
整个专辑的歌曲显得风格不是很统一，这是我喜欢的，把十首歌做的和一、两首歌一样本身就是一种不负责任，只能成为商业的标签。对于惘闻乐队，认识他们的时候冬天刚刚过去，眼睛里仍旧蒙了灰色。而他们的音乐就那么容易的让忧伤也迷茫了，在阳光下开始害怕影子的出现，古老的砖墙和街道，你潜存的善良的幻想或者无知的幼稚，理想下的信念，面对现实的怯懦。你会被自己审问，这一切还有意义？或者这意义都没意义。如果非得定义乐队的风格，我想他应该是一种介于Post Rock（不是Post Punk）和Progressive Rock之间的东西。
专辑里，那首《垂死的岁末》很有意思，音乐编排不错，而且歌词我喜欢的不得了。而像《奔丧》和《报仇》这样的作品，我感觉有点太沉了，歌词也明显的故弄玄虚。
异端乐队
90.《浓雾镇》
异端完全转型为黑金属乐队的首张力作，一张真正国际化的专辑。千万不要把异端的《浓雾镇》当作是一张纯金属专辑来听，键盘和旋律在专辑中占有的比重非常的大，而三大件里的吉他和贝司明显的减弱了份量。
比起原来加了效果的《赞美诗》里的人声，这一次的是一个飞跃性的进步，并且主唱运用多种演唱方式用以表现音乐和气氛的渲染，非常出色。听得出异端的这张专辑受到Dimmu Borgir、Cradle Of Filth、King Diamond的影响都非常重，还有Emperor和Ancient，但不仅仅如此，除了听觉，在你的视觉和触觉上也是如此，期间我们不难感受到电影的画面的浮现，犹如《指环王》、《惊情四百年》之类的场景，里面的背景音乐也同样受用，和声也是这张专辑的一个特色之处。
很高兴异端成功的转型成为一支彻彻底底的黑金属乐队。《浓雾镇》就是他们最好的一个证据。可以感觉出他们的作品已经不需再局限于国内的乐队范围内打拼，而是一张真正的很多人所谓的“国际化”的专辑了。
随便说一句，那些刚接触摇滚特喜欢黑金属风格的朋友，对《浓雾镇》还是要谨慎再谨慎，如果你胆子很小的话，建议不要听了。又或者，听完它千万不要马上走夜路。
达达乐队
91.《天使》
2001年，达达乐队推出首张专辑《天使》，立即引起中国流行乐坛的轰动，好评如潮，半年之内囊括了唱片发行以来的所有国内新人、传媒推荐大奖、最佳摇滚乐队等十五项音乐大奖，唱片销.高居本年度摇滚唱片首位，创造了中国唱片产业的奇迹。
但我总是怀疑，他们摇滚么？
达达乐队的平均年龄只有20岁，他们的演艺生涯也短得屈指可数，不过，他们却一路“怒吼”着到了北京，怒吼着拥有了自己的众多歌迷。1996年，乐队主唱彭坦和志同道和的贝司手魏飞组建了达达乐队，开始实现共同的音乐梦想。随着鼓手张明、吉它手吴涛的加入，乐队日渐稳定，开始在武汉三镇“打拼”。
按达达乐队自己的说法，他们的音乐影响来源于英式摇滚。但是这些受崔健影响喜欢上摇滚乐的年轻人在更多的了解摇滚懂得摇滚后，却开始吧摇滚和流行混淆。我并不是说摇滚不能流行，但摇滚乐和世面上众多流行音乐还是又本质的区别。
在《天使》这张专辑里。我们明显可以感觉到，达达乐队的音乐脉络可分为三类：以《瞬间》、《1999》、《暴雨》等为代表的纯西化Brit－pop；以《我的天使》、《节日快乐》、《玩偶》等为代表的中式独立流行曲；以《化学心情下的爱情反应》、《五分儿》为代表的特色音乐。可即便是英式摇滚，我也没有听到应有的味道。
92.《黄金时代》
达达乐队的缺点在这张专辑里显露无疑，有着所有“平庸”英式流行乐团的共同通病：他们极力营造出流畅的旋律，但并不都那么动听；他们的节奏一如既往的爽朗，但缺乏作为吉他乐队应有的内在力度和癫狂感；他们的表演自在而锐气十足但也少有研磨唯美向度的灵感，所以听完专辑的大半部分后很可能让人发现作品风格相当单调。
如果说你仔细辨别也能在其中找出《不经意间》和《巴巴罗萨》之间的有趣差别，那么《等待》和《南方》的差异如果还有的话那也隐藏的比本拉登还难找，通常的歌迷只会发现这是一些不那么流行也不怎么摇滚的歌曲。
不可否认，《黄金时代》的音乐元素比上张专辑还是丰富了一些，但乐队自己提到的后摇滚元素实在很难找到，最多只是吉他手的个人意愿而非乐队的整体表达。同名的主题曲《黄金时代》向电气化方向略微迈出一步，它像许多内敛的欧洲时尚乐队所作的一样，在改良Hip－Hop的节拍基础上尝试在说唱，刮碟，吉他音色和模糊了歌词的甜美旋律中体验融合的快感。
达达，这支受无数青少年追捧的年轻乐队，如果说建队之初他们还有一些自己的追求和音乐理念的话，那么《黄金时代》之后的达达已经没有任何棱角，完全是唱片公司包装下的赚钱工具了。
冷血动物乐队
93.《冷血动物》
冷血动物乐队成军于1994年，一直活跃于各类演出中，是久负盛名的地下摇滚劲旅。乐队风格融合Grunge、Acid-Rock、Punk，猛烈的爆发，也不乏动人的旋律，其音乐风格令人耳目一新，非常有个性的乐队，主唱辽阔的嗓音给人印象很深。而且以台风出色著称。
这张专辑的《幸福》、《窗外》、《永远是个秘密》、《墓志铭》等作品中，中提上营造了一种十分灰暗的色调，我听到了十分不错的张力和爆发力。他們的音乐融合了庞克的手法、迷幻的诡异和重金属的精神，如果你喜欢 Megadeth 、Pearl Jam 、Faith No More 、Jane's Addiction等团体，你绝对会被冷血动物的音乐销魂，冷血动物的确是近年來少见的特色乐队。
听他们的专辑并没有现场出色，许多乐队都是如此，当然，唐朝除外。不认为这专辑做得够出色，但它作为一个乐队的总结也是有它的意义的。不知道是制作人的水平有限还是冷血动物为了迎合市场而故意磨灭了一些内在的美。
天杵乐队
94.《天杵》
“天杵”，本身有两层意思，一是指霹雳或雷，另一个就是指天生铁，从地下挖出来的金刚杵、金刚橛，或一些叫不出名字的小小的金属物件，敲之会发出清脆的声音。
相信很多人都知道，1999年建队的天杵乐队是西藏第一支摇滚乐队，天杵乐队的６名成员都是清一色的藏族青年。他们的摇滚音乐有说唱、重金属说唱、轻说唱等现代摇滚音乐的元素，同时，也把藏民族自己的音乐元素有机地结合起来，这是他们的一种尝试。天杵乐队还首次将西藏的民族乐器－－扎念融入到摇滚音乐中，这使扎念这种过去只有在西藏民间流行的乐器，第一次与电吉他等西方摇滚乐器站在了同一个舞台上。
专辑给我的第一感觉是：好听，本来就喜欢西藏音乐那种空旷遥远的味道，西藏的歌声也带有那种神秘和飞翔的感觉，于是这样一支唱着藏式摇滚的乐队突然之间便成了我喜欢的乐队之一。
完全拒绝流行的姿态，打破传统硬摇滚的朋克和金属，他们的音乐里加入了很多西藏音乐元素，那种蓝天、雪山、云彩都在他们的音乐里，如果我说的还不是很清楚，那么推荐专辑里的一首歌曲，《青稞酒谣》是最有特色的一首，它是后藏著名的敬酒歌，“天杵”给它换上了典型的rap曲风。藏语歌曲用这样相对时尚的曲风来处理还是第一次。
你会喜欢天杵。
病医生乐队
95.《夜上浓妆》
病医生乐队是国内第一支现场演奏的电子乐队，主唱虎子算是摇滚界首屈一指的颇具才华的音乐人。《夜上浓妆》是他们第一张专辑。横溢病态美感，跨越摇滚电子流行。“病医生”这个名字本身便暗含了双重的意义。而虎子在《夜上浓装》中似乎也将他自己对不同种类音乐看似矛盾的嗜好表达了个尽兴。
《夜上浓装》的最大意义在于它是目前国内头一张将ROCK，Electronic和Pop结合起来的专辑。病医生的这张专辑总体上的感觉是唯美的，也是很用心歹毒的，不经意间他们和我们开了个不大不小的玩笑，却也一针见血，说到痛处。专辑的混音值得一提，把整体的音乐感收敛得恰到好处，而虎子的吉他和张荐的键盘则是病医生音乐里的亮点。专辑音乐上的特别之处还在于病医生所受到的来自于舞曲音乐和自由爵士方面的影响，这在像《神》、《我是鱼》、《超级明星》、《假爵士》、《小BABY》等这样的曲子里表现得尤为突出。
音乐如果有好听的成分，起码它就成功二分之一。病医生的《夜上浓妆》是有可听性的，但这种可听性很不稳定，毕竟这不是实验音乐，你还是得跟乐迷在音乐上有所沟通。专辑也略显包装性太强，太商业化，另外，虎子的唱声无论怎么处理听起来都十分做作，虽然他费了很大力气去树立“个性”。
生命之饼乐队
96.《生命之饼》
如果不是一时精神错乱，我很难解释自己为什么会买下《生命之饼》这张唱片。我说不清楚里面都是一些什么东西，我想如果我听得懂的话我也不会费心思去解读它们。更何况里面唱的歌总是含糊不清，我只能从某些片段中去推测他们在歌词中所透露的信息，这是一件非常困难的事，甚至是他妈绝对让人心烦的事情！
里面的音乐让我时常产生幻觉，仿佛自己在一间公共厕所，然后耳朵里听见了无穷无尽的苍蝇的嗡嗡声，当然我这么说不是有意的去玷污公共厕所这么老百姓喜闻乐见的事物，我只是找不到词汇来形容和表达我听这张唱片时心烦意乱的感受。
于是我根本没有兴趣去调查这支乐队的出生和其它资料，一点一点都不感兴趣。我只是简单的了解这支来自武汉的朋克乐队以行动来为劣质摇滚精神做出证明，这是一支伪朋克乐队最恰当的表现方式。
或者有人会喜欢里面的音乐，但我不敢想象有这种人类的存在，或许我的话太尖刻太损了一点，就当我姑妄说之，你们也姑妄听之。不过这支乐队和他们的《生命之饼》还是给了我一些东西，那就是让我以后再买唱片的时候学会小心翼翼，再也不心血来潮。
左小祖咒
97.《左小祖咒在地安门》
左小诅咒离开NO乐队单飞想证明自己的音乐理念和自己的无限才华，可惜我听到的左小诅咒是失败的，比如这张《左小诅咒在地安门》。
在配器方面左小祖咒放弃了一贯的“土巧”是个失误，现在这种正统或是略微偏离正统意义上的“精密”玩的比左小祖咒牛逼的同志大有人在，更何况左小祖咒本身的“土巧”一直就比现在的这种精密牛逼的多，这样自以为进的退步式的改变以及祖咒就这样地把我们当作了他的朋友想法把这个红旗下的三角蛋改成了圆的，我只能这样解释——纯先锋音乐少了一个精英，商业先锋音乐多了一个庸材。
这张专辑看上去是大胆而又看似凶恶的——有父亲的勋章、夜里奇、克林顿、的名字；有黄泉道、有马戏团的头颅有自杀、有玻璃板有枪声；还有吴县、短裤、子宫和权力后面相同的人头以及名利场上鼓舞者可笑的金喇叭，但是失去的是往日一个现代艺术家阴狠的颜色，取而代之的是另一种形势和对象的哗众取宠。在今天亲和有必要吗？还是江郎才尽？我认为是后者。
我常常纳闷，为什么中国这么多做摇滚乐的，却都逃不出牛B—失望—继而滥掉的这个令人遗憾的怪圈，当然，我非常愿意相信这是暂时的，左小诅咒或许可以自己走出来，并且全盘否定是不客观地，《爱的劳工》、《美术鸡》还是有点意思的，《黄泉道》也可以，祖咒那厮到了地安门啦！毛爷爷躺在纪念堂啊！多有意思。
T-9乐团
98.《请修理》
T-9中国第一批说唱乐队之一，他们现在做的是蒙古音乐mongolian rock! 马头琴和呼麦唱法是他们的特点。我曾经和现在都还算喜欢他们的音乐，但是我讨厌的是他们的主唱，太软了。唱不出说唱的强节奏和应有的力度。
T-9作为一支说唱金属乐队，其出色的表现有目共睹，但是包括国外的这类风格的乐队，虽然他们创作的题材是非常广泛的，但是他们的情绪也可以说是感情色彩是比较单一的，大概的都不跑不出调侃和愤怒。这不是乐队本身的素质有什么问题，而是说唱金属先天的“残疾”。因为无可否认，《说》和《节奏》除了给人直接的感觉和跳动的快感外，它们很难营造出氛围和画面感，试问离开了氛围和画面感，微妙的情绪表达从哪儿来？这就是为什么T-9在《脱胎换骨》的编配中用到一点忧郁的分解和和声就会在说唱金属的主格调下给人以新鲜感，而此种风格的集大成者－－KORN那么努力的营造情绪也比不上PINK FLOYD的轻轻一曲的原因所在。
T-9的音乐值得听在于他们的说唱加入了新鲜的蒙古音乐的特色。当然如果你问我他们的其它音乐元素如何，我可以告诉你，你可以随便买一张说唱音乐的唱片，再买一张蒙古音乐的唱片，然后同时听，效果差不了多少。
幸福大街乐队
99.《小龙房间里面的鱼》
关于幸福大街乐队，它不是民谣，不是Pop，不是朋克，不是金属，不是死亡，不是歌特，不是说唱。 它任性、乖戾、凶猛、脆弱、矛盾重重，同时它必须和那些谦卑的工匠一样隐忍、细致和勇于负责。乐队在毫无鼓励的情况下，在莫须有的激情的支撑下，孤独、无助，苟延残喘至今。 乐队诗化的歌词，凄美的旋律，饱满的编配，仿佛都是对城市小布尔乔亚的一场反动。
《小龙房间里的鱼》刚开始有点像VAN HALEN的某支曲子，但感觉上灰暗的多，而且迅速的朋克起来，一个渴望幸福的，放纵的女朋克。这里吴虹飞喊得有属于她那侗族的韵味。这也许就是吴氏的侗族情歌吧。在《女儿》中，光看迷幻的歌词会有恍恍惚惚的感觉，女主唱吴虹飞恶意的让人莫名其妙地被引诱和嘲弄；《四月》里那伴着口白的冰冷摇晃的吉他颤颤巍巍的抖动在死亡的悬崖上。接着吴虹飞暴烈地嘶喊会让人产生恐惧感，在歌词中隐藏的刀子随着她的嘶喊和错乱尖锐的吉他彻底扎进了深处。
把幸福大街的歌都听下来，发现包围着你的是自己无可挽救的一切。在每个大雾的清晨与夜里，吴虹飞在幸福大街上拿着刀，看到一个人就从那人身上剜下一块肉来。
宋岳庭
100．《Life's a Struggle》
早逝的宋岳庭是一个天才。在他短短23年的生命当中，他连接受一分钟的音乐指导都沒有，任何事情都是靠他自己学习。所有的音乐技巧，都是宋岳庭从不断的尝试、摸索中发现的。 由于当时沒有多轨的录音机，他必需先把配乐编好录在卡带中，然后再把配乐播出来，连同他的歌声一起录到另一个卡带上。如果这过程当中他有一点点的错误就必须从头来过。这专辑中所有的歌曲，就是靠宋岳庭用这样的方式完成的，像是《Life’s a struggle》这首歌的歌词长达1300多个字，宋岳庭一气呵成没有间断地完成。 虽然即便是如今他仍然是一个只存在地下音乐世界的天才，在他去世之前没有进过一次录音棚，没有正式推出过一首作品，却仍然有那么多人从各种途径听见他的音乐，喜欢他的音乐惋惜他怀念他为他落泪。 《Life's a Struggle》这张专辑是他母亲与弟弟、表弟们从他的遗物中整理出来，几费周章才完成的。我还记得宋岳庭去世后他的《Life ’s a Struggle》获得流行音乐作品类最佳作词人奖时他妈妈的话：“非常感谢大家给一个没有进入录音室的年轻人一次机会，给他发表一张CD，他托梦给我的时候，他说他是天上的音乐天使，他有两个很大的翅膀，如果他的音乐能够感动一个人的话，他就能够长出一个羽毛，我想他一定希望将他的爱和鼓励、荣耀分享给全天下的母亲。” 听宋岳庭的音乐，再想到这些，无数次无数次，黯然落泪。
转自于死亡沙漠 |
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发表于 2009-4-10 17:37:50
轮回.......呢..............
