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问：（固定调与首调）的概念？ 答： 1，所谓固定调就是一切从Ｃ调看起，其他调都只是再它基础上变化音，要是练得很熟也可以灵活运用．
2，五线谱固定调记谱法均以C调为基本调，各种调性的转换采用升、降等变音记号表示，五线、四间以及上加线和下加线，还有各种谱号的运用，极其准确地表明各音高相对位置。
3，“固定唱名”方式，1=C，即在“固定唱名”方式中，1永远等于C，我们唱的每一个音符都是与键盘上的“固定”了的音符完全一致的。在“固定唱名”方式中，调式的倾向性不是通过象1 2 3 4 5 6 7 这种音阶的方式体现出来的，而是以内涵的深层形式出现的，在这里我们暂不去管它。如果用“首调唱名法”的话，则需写成1=F.
4，有的人听到C调 6 #4 3 2 (就是固定调）就会觉得明明是 5 3 2 1 (D调)（就是首调），而有的人则正好相反。
5，视奏的时候，我心里是完全采用固定调的，也就是看到音符在那个位置，我就按好哪个音，照弹就是了。不过，当第一遍的视奏完毕，我已经听到了曲子了，这时候我的听写部份，是首调居上风的，所以第二次视奏的时候，我可能就改为一半首调一半固定调了。也就是说音程的关系采用首调安排，部份乐谱也是转为首调了。 问： 怎样抓谱？ 答： 抓谱一：理论及平时训练方面
1，练好耳音，让自己有一双有音准的耳朵！（多听，多唱自己特别熟悉的曲谱！）
2，熟练各大调小调自然音阶！
3，多练各调和弦，及各自和弦的转位和弦以及和弦进行！和弦进行如【（1级和弦－－4级和弦－－5级和弦－－1级和弦）， （1级和弦－－3级小和弦－－6级小和弦－－4级和弦－－5级和弦－－1级和弦）。。。】
4，掌握乐理基础，练好音符的时值！休止符的时值！懂一些歌曲基本创作套路！
5，强化乐理和声基础！（最起码“3连音”“6连音”。。。，旋律，和声，低音的对位！。。。复音！。。。）
6，多练节奏！掌握各种拍子，如：2/2 4/2 4/3 8/6......！
7，对照谱子试唱，刚开始先唱熟悉的！这一项叫唱谱！二，实际唱谱方面
1，拿到新铺子之后，先听一遍，确定调式，大调还是小调，确定节奏拍子，确定强起还是弱起，确定前奏，旋律，反复点，间奏，尾奏。到这，一首曲谱的创作动机，和弦进行基本上就出来了！（一遍不行就二遍，直到把应该确定的先确定下来！）（想写总谱，还得确定旋律，和声，低音，鼓点。。。）
2，确定下来后，开始试唱曲谱，并尝试记忆！
3，准备好纸，笔！开始！ 问：
对旋律音阶掌握到什么程度才算合格呀
要把音阶背下来吗 ？如何判断那首歌是什么调啊 ？斑竹
答：
一，把旋律音节合理的融合运用到你所弹的乐曲歌曲里面，表现出自己想要表达的东西！二，决定调性
1, 一首歌曲首先要分清是大调还是小调。一般大调的曲子多以135其中的某一音开始，也多以15其中的某一音结束；小调歌曲则以36开始，以6作结束。因此，如果一首歌曲结束在主音1上它多半是大调，结束在主音6上它多半是小调。但如果歌曲的结束不是1也不是6，就要分析歌曲旋律中调性的倾向。旋律中经常出现135这些音，则可断定为大调；经常出现613这些音，则可断定为小调。
2,先将歌曲开头和结尾的小节配上和弦。大调为C ，小调为Am。
3,以此里推各调！
问：
我有团久久未能揭开的迷雾/我所了解的和弦转位就是，和弦的冠音变成根音。分解和弦还能理解，但是不只到怎么弹，要是扫弦更是难以理解了。老大，给讲解一下好吗，感激不尽
答：
1,理解概念和弦转位: 简单的说,也就是把原来的和弦的组成音的顺序,按照音阶上行的顺序重新排列一下!使和弦的根音发生改变,由和弦其他的该和弦的组成音代替!
比如说: 我们举最简单的C调中的C和弦,Am和弦,Em和弦和G和弦!
它们在C调中的和弦组成音分别为:
Ｃ １ ３ ５Ａｍ ６ １ ３Ｅｍ ３ ５ ７Ｇ ５ ７ ２那么，现在我们就可以把这些和弦来进行转位了！就好像是小的时候玩儿的一个什么游戏的，好像是跳大绳，第一个人跳完了之后，跑到队伍的最后面一个，继续排队！而这时候的原来队伍的第二个人已经变成了第一个人了！如此循环！那么，Ｃ 和弦的第一转位是： ３ ５ １ 第二转位是： ５ １ ３Ａｍ 和弦的第一转位是： １ ３ ６ 第二转位是： ３ ６ １Ｅｍ 和弦的第一转位是： ５ ７ ３ 第二转位是： ７ ３ ５Ｇ 和弦的第一转位是： ７ ２ ５ 第二转位是： ２ ５ ７分割和弦：也就是用该和弦的和弦外音作根音的和弦！比如说：
F/G，F和弦在C调中的组成音是：4 6 1 ，而G这个音是： 5 ，不是和弦的组成音！但是，我们现在为了和弦进行，也就是和声进行时候的低音进行更加动听，常常使用这种方法来改变一个和弦的根音！
2，弹奏方法分解弹法：按照普通分解和弦的弹法，先弹根音，再弹其它音。特殊需要或追求别的效果除外。扫弦弹法：按住转位和弦或分割和弦的和弦内音，注意，如果各吉他弦之间有和弦外音，用左手空闲手指消音再进行扫弦！
问： 爬格子要练多久算OK了啊？
答：
爬格子这东西其实不是练多久的问题，每次拿琴的时候你都应该拿这个热手，或者加些变化，把它变成一个绕指练习，所以说，这个是你弹到70岁也应该继续“弹”的东西，而不是“练”
问： 分解和弦转换和弦时，是不是要一步到位？？以前一位老师说弹哪根弦按哪根？
答：
新手要说一步到位那是很难的，很容易就把当初玩吉他的兴趣玩没拉！{毅力超强的除外} 先怎么按怎么快就怎么按了，当然是分解和弦的时候，扫弦的时候情况就不同拉！~那就应该一步到位，要不怎么听怎么不爽咯！~
要你练的有段时间了，你就一定要一步到位！~因为那有助与你以后弹那些难度高的曲目！~
问：
正在练习切音，请问左手横按和弦切音时，是先弹响后左手再抬起，还是先抬起右手再弹？
答：
切分音,是指改变或干扰节奏、节拍及重音的正常的、原来的位置。其中一种常用的方法是加强弱拍。切音，在上面加一个点来表示。所谓的切音就是使正在振动的弦停止发声。左手横按和弦切音时，是先弹响后左手再抬起！
问：
想问一下2/4 3/4 4/4 等拍子的时值是多少?
答：
音乐的拍子，是根据乐曲的要求而定的，比如当乐曲寻求规定的速度是每分钟60拍，那么每拍占的时间是每分钟的60分之一，也就是一秒，（半拍为二分之一秒），如果规定的速度为每分钟120拍的时候，那么每一拍占的时间是半秒钟（半拍是1/4秒），现在是半秒钟打一拍，前面是一秒钟打一拍，显然后者要比前者快，以此类推。这也就是拍子的时值，当拍子的时值定下来之后，比如四分音符为一拍时，八分音符就相当于半拍，全音符相当于4拍，二分音符相当于二拍。而十六分音符则是1/4拍，换句话说，也就是一拍里有一个四分音符，有两个八分音符，有4个16分音符。再比如以八分音符为一拍，四分音符就是两拍，二分音符是四拍，全音符是八拍，而十六分音符即半拍，这样，当拍子的时值确定后，各种时值的音符就与拍子连在一起。如2/4拍。是以四分音符为一拍，每小节有2拍。叫做2/4拍，一小节里有两拍，第一拍是强拍，第二拍是弱拍。在一个小节里，只有一个强拍，一个弱拍出现，然后每小节不断重复出现。这种2/4的节奏很适合队列行进的时候使用，所以大部分进行曲都采用这种2/4拍的形式。
3/4拍，是以四分音符为一拍，一小节有3拍，叫做3/4拍。也就是一小节有一个强拍和两个弱拍出现，每小节重复出现，第一拍是强拍，第二三拍是弱拍，这就是3/4拍。这种节奏很适合旋转，因此常常用在圆舞曲里（华尔兹）。
4/4拍，4/4拍是以四分音符为一拍，每一小节有4拍，叫作4/4拍，在4/4拍里，第一拍是强拍，第二拍是弱拍，第三拍为次强拍，第四拍又是弱拍。
6/8拍与 2/4 3/4拍不同的是：它是以八分音符为一拍，每小节有6拍，这样在每小节里：第一拍是强拍，第二、第三拍是弱拍，第四拍是次强拍，第五拍和第六拍又是两个弱拍，这样每小节6拍，反复出现。在音乐作品中，单位拍并不是固定在一种音符上。它可以使用各种音符作为单位拍。比较常用来作单位拍的有四分音符（以四分音符为一拍），八分音符（以八分音符为一拍），二分音符（以二分音符为一拍），长短音符交替进行。
问：
问几个初学者的问题！
1。左手食指每次弹完琴后第二关节非常疼。尤其是隔天早晨弯曲都有困难。这是普遍的么？
2。E7，Dm等和弦在变的时候小手指总是后于其他手指到位，有什么办法练习小手指的协调性么？
3。关于按弦的力度。可能我还没有找到按弦的感觉，按轻了总出杂音，按重了手疼难以持续，怎么掌握力度？
答：
1， 可能是左手太紧张按弦力度大，没放松造成的。或者练琴时间太长！我倒是没遇到这种情况，不刻苦吧，呵呵！
2，找一些这样用到小指的和弦强化训练一个阶段。
3，打个比方：左手按弦力度大，右手就弹轻一些，后果是左手损伤！左手按弦力度小，右手就弹重一些，后果是右手损伤！我的意见是左右手协调性也得强化训练！讲究左右手配合的！试试看！
问：
看见别人弹前奏和间奏的solo很精彩，自己也想学，请问要怎么练才能弹这些solo？
答：
怎么才能弹好SOLO？
1，和弦音的运用一般有三和弦，七和弦，九和弦(较少)，如C调G为572，G7为5724，G9，57246，还有和弦音阶运用G7，G，G9为56712345；注意一般来说你的华彩走向要考虑到你的和声走向。
2，五声音阶(12356)运用，布鲁斯音阶运用，具体我不说了。
3，熟练各音阶子型有MI，SO，LA，SI，RE注意他们的联接，当然也有布鲁斯特有的音阶子型，(在此我不说了，大家可去查查),这都要做到整个把位融汇贯通。
4,很重要的一点就节奏问题,现在有很多玩了好长时间吉他的人,节奏打的似鬼一样乱七八糟的
5,了解一些音阶模进(好似有三种我只记得两种,级进,跳进)常用有2,3,4,5,7,8度
6,弹奏时注意高低音的配合,这样才会有对比,好似有两人再对话一样
7,弹奏时要富有感情,尽量用音符表达自个的感情,不要乱弹
8，弹时音阶快慢要接合，注意要保持好节奏
9，加入各种吉他技术，如伤感的可用柔弦，富有激情的可用推弦，泛音富有很强穿透力！
问：
音阶是什么呀？
答？
音阶 音阶。一群高低不同的乐音，依照法则，阶梯似的排列起来，称之音阶。近代通行的音阶分为两大类别，一种为自然音阶，一种为半音阶。 自然音阶：分为两种，一种为大音阶，一种为小音阶。大音阶由五个全音和两个半音构成，半音的位置一个在第三四音之间，另一个在七八音之间。小音阶又分三种形式，半音位置一个在第二与第三之间，一个在第五与第六之间者，称之为自然小调音阶。半音位置，上行时一个在第二与第三音之间，一个第七与第八音之间，下行时一个在第二与第三之间，一个在第五与第六之间者，称之为旋律小调音阶。半音位置一个在第二与第三音之间一个在第七与第八之间，同时第六与第七音之间为曾二度音程者，称为和声小调音阶。自然音阶的第一音称为主音，其他各音以主音为中心而定名。主音上方第五音称为属音，主音下方第五音称为下属音，主音上方第三音称中音，主音下方第三音称下中音，主音上方第二音称上主音，又称第二属音，主音下方第二音称导音。 半音音阶：由十二个距离完全相等的半音构成。记谱法则分为两种，一种称为和声半音记谱法，一种称为任意半音记谱法，前者上下行相同，后者上下行不同。 此外，还有古希腊的四声音阶，中国、日本、苏格兰的五声音阶，教会音阶，全音音阶等等。
问：
我扫弦的声音总是很杂，几根弦发的音乱七八糟的，到底是为什么呢？我想达到那种很清爽、很干净的感觉，应该怎么练习呢？
答：
要领是这样的： 力量．扫弦要比较用力，有了力量，才会有速度．速度快了扫出来的自然是一个声音．有人可能会问，当我要轻声扫弦的时候该怎么做？很多人会进入一个误区，以为少用力就可以发出轻的声音．着是错误的，用力小了，速度跟不上，会使扫出来的声音变的嘈杂难听．正确的因该是控制拨片的位置，当要扫轻声的时候，拨片离弦稍微远点，保持相同的力量和速度，这样就可以既保持了声音的干脆又扫出轻的声音．扫弦建议用软的拨片． 民谣扫弦不同与电琴．在民谣扫弦的时候，手腕放松，轻拿拨片（不能用力，否则扫出的声音嘈杂），用前臂带动手腕扫弦．而不是单纯的用手腕．可能在开始练习的时候，拨片容易掉，着不要紧，只要坚持练习就可以了.
问：
问一下各位大侠都是用右手指头的那一部分弹弦？
答：
首先个人见解,我现在练民谣,会根据音色的要求,有时用指甲,有时用指肉,有时指甲和指肉并用!
右手每个手指在吉他谱子中由以下符号来表示。
p=大拇指，i=食指，m=中指，a=无名指
每个手指都有三个关节，每个手指的运动在这些关节处被限制为弯曲或者是伸展。每个关节都在它们的可能的伸展或者弯曲的限制中的某一点。在指尖处的那个关节应该是保持固定的但不是紧张。在击弦时它可以有轻微的运动，因为弦对手指的压力，但是我们不要尽力来控制这个关节。手指中间的那个关节是手指的运动源泉。在准备拨弦时你需要伸展这个关节，而保持大关节在运动范围弦之中的中点位置。当你的指尖接触到琴弦时，手指的运动继续从中间关节一直运动到接近弯曲的最大限制处。在这点上，运动仍然继续，跟随着大关节（第三关节）的弯曲运动。随着你的技术的进步，在演奏中的手指运动的范围会变的越来越小，但是手指的基本运动是不变的。
问：
1) 关于节奏,练爬格子的时候,我在guitar pro 里直接在上面标上要练位置(音符)或扫弦的节奏跟着练(当然时值也设好),是不是不行呀,,我感觉要好练一些,有音发出来,而且想多少拍就多少拍,错了马上知道,这样是不是不行?是不是一定要跟着节拍器凭感觉练?
2)关于音阶,我想是不是练好221#的C大调的什么MI型,SI型等再以此推D大调E大调等练,(比如C大调降两品成D大调)?
3)关于即兴弹SOLO,在练好了2)问后,在知道一首歌是什么调的情况下时,是不是基本上就能弹得出来呢? 答： 1,这是很好的练习方法!guitar pro 功能强大你得利用起来!
2,这个说法也对,指板上的音都是有规律的有规则的排列的!---应该C大调升两品成D大调!指板位置你搞反啦!
3,不单单练好音阶指型就可以弹好的,还要有很好的乐理知识,乐感,以及驾驭乐曲,驾驭吉他的能力深度!! 问： quakejc哥能不能把你的右手食指和无名指扫弦的技巧详细的介绍介绍？？？
答： 我的扫弦方法是：中指和无名指，这样作的优点在于，向下扫弦时无名指先触弦，中指后触弦，无形中出现2次扫弦，立体感增强，也祢补了单指扫弦漏扫的弦！向上扫弦时中指先触弦，无名指后触弦!具体要扫到那几根弦要根据歌曲的旋律高低,歌曲旋律高了,尽量偏向低音几根弦!反之宜然!通常情况下根据歌曲节奏型的强拍弱拍决定扫!节奏型知道吧?例如:布鲁斯,吉巴特,华尔兹,伦巴,恰恰...... 问： 节奏感不行，怎么培养阿？ 答： 节奏节奏是一个广义词，它包括了音乐中与时间有关的所有因素，这里概括了拍子、小节、循环周期和重音的位置。音乐犹如千军万马，是节奏把它们有序的组织在一起，按着音乐的强弱、长短，使它们有序的进行着，如果没有节奏，音乐就会杂乱无章，不成其为音乐。因此，在音乐里节奏是至关重要的，它无所不在，它体现在每一个音符，每一个小节线，每一个重音和速度的标记中……
节拍节拍是指强拍和弱拍的组合规律。有很多有强有弱的音，在长度相同的时间内，按照一定的次序反复出现，形成有规律的强弱变化，例如：每隔一个弱拍，出现一个强拍时，这是一种节拍，而每当有两个弱拍或有三个弱拍再出现一个强拍时，这些又是另外的一些节拍，它运用了小节线和拍子号标记出来，看起来很具体。在有强有弱，一定长度相同的时间内按着一定的长短次序，由小节线划分，反复的有规律的重复，形成了有规律的强弱变化，这就是节拍的作用。
“强”与“弱”看似简单，但是人们可以根据这些简单的“强”与“弱”变化出很多种拍子来，从而形成各种情绪，各种不同风格的乐曲来。因此“节拍”是非常重要的，它等于是音乐大厦的基石，必须是有规律并且是有秩序的。 问： 斑竹，可不可以告诉我切音的技巧，怎样切音才是最好的？ 答： 概念：
1，切音：改变或干扰节奏、节拍及重音的正常的、原来的位置。其中一种常用的方法是加强弱拍。弹法：
2，切音，在上面加一个点来表示。所谓的切音就是使正在振动的弦停止发声。有两种方法：
对于封闭和弦（大横按和小横按的和弦）将左手放松（注意不是离开弦），这样就可以将琴声止住。
而对于开放的和弦就需要用右手手掌鱼际部位（拇指外侧或小指下方内侧）轻按琴弦，使弦停止发音。切音的时候食指要离开拇指，就不是拇指和食指交叉成“十”字。右手切音的难点在于止弦要迅速而且动作要轻。
无论左手切音还是右手切音，要想切得干净利落最重要的是把握好切音的时机。大多数人易犯的毛病是切音时间提前，也就是在琴弦还没有完全振动发声之前就开始消音，这样发出的是“噗噗”的闷音而非切音（闷音也是民谣吉他中的一个技巧）。一般情况下小指下方内侧使用较多，如果切音后需要立即往上回扫，这时一般使用拇指外侧。 问： 调式常识？即兴原理？ 答： 调式常识--让调式音阶和你一起Solo
学习吉他在练习即兴到一定程度,就会进入一个怪圈,比如知道个和弦进行是A调的,就会用A调五声,BLUES,小调音阶...久而久之,习惯了把几个调的指板位置背下来,在知道该调有哪几个音的情况下,在LICKS(乐句)上下工夫.对于和弦进行的处理就"跟着感觉走".诚然有许多摇滚乐队的吉他手是这样的,但是对于一个接触各种音乐的吉他手来说,想要进一步掌握多种风格的音乐,学会用运用调式音阶即兴非常重要.
1,调式音阶的来源是古希腊调式和教堂调式,更具体的资料可以看音乐史相关书籍..简单的说调式音阶有7个,第一个就是常见的自然大调,C D E F G A B(1 2 3 4 5 6 7),由于12平均律的缘故,D和E B和C之间是半音.而C大调所对应的A小调是A B C D E F G(1 2 b3 4 5 b6 b7)注意小调音阶是以A为1 ,所以中间半音的位置和大调音阶不同.在调式音阶中,大调音阶叫作IONIAN,小调音阶叫做AEOLIAN..而依此类推出其他音阶:
B C D E F G A组成以B为1的音阶是LORCIAN
D E F G A B C组成以C为1的音阶是DORIAN
E F G A B C D组成以E为1的音阶是PHRYGIAN
F G A B C D E组成以F为1的音阶是LYDIAN
G A B C D E F组成以G为1的音阶是MIXOLYDIAN
这5个加上IONIAN和AEOLIAN,一共7个被称为调式音阶
2 由刚才可知道,调式音阶可以被认为有
IONIAN 1 2 3 4 5 6 7
DORIAN 1 2 b3 4 5 6 b7
PHRYGIAN 1 b2 b3 4 5 b6 b7
LYDIAN 1 2 3 #4 5 6 7
MIXOLYDIAN 1 2 3 4 5 6 b7
AEOLIAN 1 2 b3 4 5 b6 b7
LORCIAN 1 b2 b3 4 b5 b6 b7
最重要的是不要认为C IONIAN =D DORIAN 虽然它们的构成音完全一样,但却分属于不同的调中.在实际听觉中,因为主音1不同,产生的效果不同..调式的存在是因为认定大调中的某个音是主音.也就是把那个音当成DO的问题..在D DORIAN中,就是因为D是DO,所以才能听得到b3和b7..如果把C当成DO,那末耳朵就会完全听不到升降记号..
3 即兴原理一般无论是什么样的合声进行,用该调的五声音阶总是不会犯错误,这已经被伴奏乐手成为万金油了,小调音阶也是一样,只不过适用范围稍窄.具体原因就是因为五声音阶的大多数音可以在和弦内音当中,而且声音鲜明易懂,从60年代JIMI的VODOO CHILD到70年代PAGE的STAIRWAY TO HAVEN到80年代RANDY的MR COWDLY再到90年代SLASH的NOV RAIN,这种小调五声音阶夹杂自然小调已经成了每个ROCKGUITARIST的不二选择..但是相对而言,对于复杂性比较领先的JAZZ乐,也发展了许多高深的演奏原理,而现在的流行乐是兼容包蓄..在一张POP专辑里常会偶尔听到一串清新的JAZZ LICK或者一段炙烈的METAL RIFF...而对于调式音阶的即兴而言,几乎是每个和弦都要换音阶.
4 即兴原理II
音阶和和弦的关系是,音阶的音至少要包括和弦的内音..而除了内音音阶中其他的音,则是决定乐句感觉的重要调节工具.比如一个大七和弦有1 3 5 7那末就选择IONIAN或LYDIAN,而象是小七减五和弦(1 b3 b5 b7)就几乎是给LORCIAN准备的..这样一来,几乎所有的3和弦和7和弦都可以有对应的音阶,而具体的选择就因曲风而异.这些都是很微妙的变化,比如同样含有1 b3 5 b7的AEOLIAN和DORIAN演奏出来是完全不同的感觉..对于用惯了小调的人来说,选择DORIAN会有完全不同的感觉.
5 即兴原理III
既然三和弦和七和弦的即兴都OK了,下边该其他的包含音超过一个八度的合弦了,也许这些合弦在POP乐里不常用,但在一些JAZZ或者BOSSA等其他音乐中,经常会碰到,他们包括大九小九属九大引伸九小引伸九六/九属七升九属七降九小七引伸11 大七升11 属七引伸13等等等等.虽然都遇到它们的可能性不多,但大部分有经验的人都有自己的一套处理他们的方法 ,下边我把调式音阶的扩展总结一下,这是很个人的方法..
IONIAN 1 2 3 4 5 6 7 + 9 11 13
DORIAN 1 2 b3 4 5 6 b7 + 9 11 13
PHRYGIAN 1 b2 b3 4 5 b6 b7 + b9 11 b13
LYDIAN 1 2 3 #4 5 6 7 + 9 #11 13
MIXOLYDIAN 1 2 3 4 5 6 b7 + 9 11 13
AEOLIAN 1 2 b3 4 5 b6 b7 + 9 11 b13
LORCIAN 1 b2 b3 4 b5 b6 b7 + b9 11 b13
6 总结最后总结一下,按照当前调,用该调的音阶即兴,又称为中心调即兴,它的优点是比较方便,而且可以使旋律声线很自然平稳的通过和弦进行,在不可能出现不和谐音的情况下,把一切都放在自己听觉感觉上,以听觉的取向来控制旋律的走向,即使没有突出和弦内音,也不会有不和谐出现..但相对而言其缺点也较为明显,尤其是它的旋律中无法有效突出和弦的特质,使本应有效的进行变成鸡肋,如果想强调和弦的话,只有用琶音,但这样就会使旋律出现中断.(当然也有把琶音完美融合在旋律里的神人比如MARTY FRIEDMAN)而调式音阶的即兴,可以从音阶上来表现每个和弦的特质,对于旋律控制可以说是"半自动"的如果熟练掌握的话,可以很轻松的使自己的SOLO增加许多色彩,而不必象以前那样慢慢研究.. 问： 怎么练习大横按的转换速度？ 答： 大横按解决方案：
(1)纠正自己的弹琴姿势（很多教材有详细的说明），确保左手不用扶住琴颈以维持琴体的平衡。
(2)检查自己的左手肘部腕部有没有放松。（3）食指横按和弦不是硬压上去的，要体会一种“搭”上去的感觉。看过壁虎爬墙嘛，他不是用力推墙的。食指搭上去拇指在后面正对食指轻轻夹住，整个手放松，那个重量自然搭上去了。（4）每个人的食指关节长度和形状都不一样，仔细观察自己的横按时食指指节之间那个沟的位置，如果刚好有根弦压在这个位置，通常都出不了声音。这时候就要注意手指应该用侧面按而不是正面压弦，如果侧面按还是避免不了有沟，那么上下挪动一下避开就行了。（5）大横按不是要压住每一根弦的，通常都有两到三根还有其他手指按着，我们只要按好其他的就行了! 问： 我的声卡是主板集成的，想换一块好点的以便录音能推荐一些吗，还有麦克风？ 答： 10款常见声卡音质排行榜
家用声卡的音质问题是一个不容忽视的问题。由于IT业界固有的习气，至今我们看到声卡的领导厂商在对待这个问题的时候还是吹嘘大大多于实干。而如果按照HIFI界的要求，电脑声卡又属于几乎不可能入流的东东。这使得我们这些长时间与电脑打交道，希望一边工作学习一边欣赏音乐的人感到无可奈何。然而，即便是廉价的只有100块的声卡，在声音表现上的区别仍然存在，一块表现好的声卡完全有可能让因为资金不足而受到制约的音乐欣赏空间变得丰富和开阔起来。因此，我想到要对自己听过的几款声卡进行一个比较，以为一些准备在电脑上欣赏音乐的朋友提供一点个人的参考意见。一、事先的说明 首先要说明的是，以下的比较完全是主观听音比较，是在个人的环境和设备情况下进行的。因此，和测试的数据必定有所差距。不过，主观听音的感受在某些时候比数据测试来的更有参考价值，不是更精确而是更准确。值得自豪的是，这些声卡大多使用了半年以上，因此，作出的结论在个人来说大多是盖棺定论。 我的机器经过好几次升级，但是一贯使用了英特尔芯片组。目前为P4 1.8AG ABIT BD7 RAIDWD40*2 ONDATA DVD16X ACER RW6X4X32X DELL P991。听音用的工具是受到不少网友好评的DIBO 2000（非防磁型）＋GRADO SR80耳机。前者具有音场宽阔，音质平实、低音扎实干净的特点，后者则具有感情热烈、温暖的音色。这样的配置个人认为应该算是比较典型也比较合理的类型。二、个人听音取向 虽然听音取向是一件很难说清楚的事情，但是，在这里仍然要用文字形容。我对声音的爱好大致可以用三点来说明：第一、声音有明显的形态，能够凝聚起来。也就是结像要明确、有体积感，例如男声最好能听出胸腔的共鸣，声音能立起来，而不是散漫的。满足这一点往往就能形成比较好的声场。第二、声音要有质感和丰富的色彩，此二者相互关联，缺一不可。所谓有质感，是说声音有比较自然的边缘和密度，该粗糙则粗糙，该细滑则细滑，切不能任何声音都是一派细腻润滑。所谓色彩是说这些声音能够产生某种光泽感，个人比较偏向于暖色调的声音。第三、声音要比较快的转换速度和弹性，低音以弹性和密度为第一，而下潜则可稍作妥协。总结起来，我最欣赏的是有型有色、又能收放比较自如的声音。三、我的排序 这些声卡按照音质由低向高的排列是： ●爱捷特268II：四声道声卡，TRIDENT 4D WAVE芯片。有数字输出。此声卡在2000、XP下只能使用2声道。 点评：声音不是一般的硬，但很有凝聚感，信噪比一般。属于那种音乐感较差的声卡。四声道功能弱，且资源占用严重。 ●新众HI FIVE：四声道声卡，此声卡在2000、XP下只能使用2声道。和MX400使用很相近的CANYON 3D芯片，但是驱动不可互换，兼容性差得可怜。 点评：声音软、散、细。基本上没有本底噪音。用耳机在最大音量情况下，作无信号输出，噪音非常小。 ●SB－LIVE D：四声道声卡。有数字输出。可加载波表。在2000、XP下具备完整功能。 点评：声音到最大的时候略有些破，集干、紧、细、脆等特点于一身，当然这是在使用老驱动的情况下。以上缺点与AC97不无关系。而声音缺乏感染力，数码声严重应该是最大的特点。这也是创新PCI声卡全系列的一个特点。用耳机在最大音量情况下，作无信号输出，驱动能力有限，有一定噪音。后置声道信号较弱。 ●傲瑞8830声卡（光纤版）：四声道卡。和帝盟MX300使用同样芯片。提供数字输出。此声卡在2000、XP下只能使用2声道。微软提供XP驱动支持。 点评：声音柔弱，音色平淡。信噪比一般。游戏环绕效果极佳，DVD环绕效果一般。耳机输出时有一定噪音，驱动能力有限。 ●黑金二代测试版：5.1声道卡。CirrusLogic 4630芯片。支持光纤、同轴数字输入输出。在2000、XP下具备完整功能。 点评：听了两个星期。低音柔软且下潜深，中高音略散，解析力不够，音色平淡。在DVD 5.1声道时有非常真实自然的环绕声表现。非常接近电影院的听感。个人认为在DVD方面超过AUDIGY。用耳机在最大音量情况下，噪音很小。正式版在音质方面有一定的提高。待其XP驱动完善后将专文加以介绍。 ●SB16全长卡：两声道卡。ISA接口，已淘汰。 点评：声音较为圆润，音场一般，动态不足，信噪比较好。 ●帝盟S100：两声道卡。ESS1989芯片。在2000、XP下具备完整功能。 点评：在未采用新驱动的情况下，有时候会出现某些频段的噪音。音色非常好，略带金属光泽，且有一定亲切感，整体音场开阔，但深度有限。听流行乐时兼具色彩和清爽，非常享受，用EWDM驱动后噪音问题得到解决，声音表现有长足进步。 ●YMH719杂牌卡：两声道卡。已淘汰。 点评：声音圆润、厚实、细节较为丰富。信噪比非常好。这块卡来历不明，因此不具有参考意义。 ●帝盟MX400：四声道声卡。使用ESS1978 2E芯片。有数字输出，且数字输出电路做工在民用声卡上数一数二。在2000、XP下为2声道。 点评：信噪比高，动态大，音场非常大且深，在98下音色略暗，弹性极佳。游戏环绕不错，但存在BUG。在2000和XP下使用最新驱动声音相当圆润，音场和解析力比98下有所降低。但仍然是我听过的在2000和Xp下音质表现最好的声卡。耳机驱动力强。DVD 4声道音色很好，环绕感不错。考虑其实用性，可与MX200媲美。 ●帝盟MX200：四声道声卡。DREAM5600芯片。MIDI方面采用4兆追梦芯片硬波表。两个输出口均可驱动耳机。核心工作频率22K、44.1K 、48K可调。 点评：最大特色在音色厚实柔美，且解析力很好，动态和音场在听感上比MX400略有逊色，因此声音相比之下有时候也觉得有些板。推荐用帝盟原装驱动，可以调节核心频率，当核心频率工作44.1K的情况下，完全没有AC97的恶劣影响，能够取得最佳的音质。在游戏里是A3D1.0真四声道。如果我们在98里面强制安装一个8738的四声道驱动，然后加以禁用，POWERDVD 4就能用MX200播放真四声道DVD，且效果极佳，声音饱满，虚拟的中置声道非常饱满。MIDI表现极佳，由于在表现流行音乐时有舞台键盘的听感，有朋友认为有电子味。但经过前一段时间对钢琴曲等的全面聆听，个人认为这种看法有失偏颇。MX200的音色表现非常丰富、明亮，最难得的是有力度感，其他民用声卡即便在加载大容量波表的时候，往往也显得音色平淡、缺乏力度感。LINE OUT1有本底噪音，LINE OUT2没有本底噪音。这两个输出既可以输出同样的信号，也可以构成四声道模式。耳机驱动力是以上所有声卡中最强的。最大缺点是不支持2000和XP，但据说驱动之家的一些程序员可能进行开发。且有最新的小道消息说微软内部有人在XP下使用MX200。 最后，由于创新128D、LIVE！黄金版、AUDIGY听的时间较短，因此，不便于详细介绍其功能和声音表现。但是可以基本得出的一个结论是，LIVE！黄金版的音质比数码版有较大优势，主要表现在高频柔和，音场较深。而AUDIGY的声音表现则比LIVE！黄金版有长足进步，声音具有锐利、大动态、高信噪比的特点。但遗憾的是，这块卡有严重的染色，无论什么声音经过这块卡的处理后，都变得偏硬和明显有金属色泽，在听感上也造成音场扁平的感觉。这样，综合评价起来，我认为其声音表现（尤其是对电脑听音的适应性上）仍在MX200和MX400之下。四、结论 令人不舒服的结论是，已经被购并的厂家帝盟的声卡在声音表现方面获得相当大的优势。我无意为亡者招魂，却真心地希望有关芯片厂家和有实力的程序员，能够为这些声音表现较好的卡开发更为完美得2000及XP驱动。以使得我们在享受2000、XP稳定性的同时，也享受到更为美好的音质。 从性价比上说，在100元以下，我推荐使用S100声卡。这块声卡的声音有亲和力，长时间聆听很少疲劳感，且声音略有金属色泽色彩，符合现在大多数流行乐、NEWEGE等曲风需要。对交响乐虽然表现能力有限，但与同价位的SB128比起来，仍然毫不逊色。另外，这块卡的驱动兼容性不错，并有ESS作后续支持。 在150元—200元这个档次，我推荐使用MX400。这块卡具有非常好的空间感和动态表现，且整体音色温暖。因此能够很好地弥补电脑数码声严重的问题。交响乐与流行乐表现俱佳。ESS仍然在提供驱动，因此，如果不追求环绕声，则这块卡没有什么后顾之忧。 至于为什么不推荐创新声卡，一方面是由于创新声卡居高不下的售价（一块AUDIGY声卡的价格相当于S100的700－800％，相当于MX400的300－400％，足够在买一块S100或MX400之余，再买一套高档多媒体音箱如惠威M20W），另一方面则是由于其系列声卡所一致表现出的生硬的数码声，与中和电脑音频缺点的听音要求背道而驰。而对MX200不作推荐的原因一个是因为其2000与XP驱动支持已属渺茫，另一个原因则是因为该卡被人为抬高价钱，颇有宰人之嫌。此卡无多少实用价值。 最后说明的是，本文所推荐声卡，仅为听音乐一途，若从功能性综合考虑，则另当别论。 问： 关于木吉他中，常说的，单板 合板 ，到底是怎么区分的，怎么看琴是单板还是合板的，各自有什么特点和区别吗？还有，有的琴带挡板的有的不带, 为什么呢，？
答： 一．三合板吉他这是木吉他最低的一个的档次。这类吉他的面板、背侧板采用木质较硬的三合板（三合板你知道是什么吧？）构成。用来做吉他的三合板一般都是：玫瑰木三合板、桃花芯木三合板等。用三合板做出的吉他音色一般，而且没有什么发展，一般做练习之用。二．面单板吉他面板采用实木制作；背侧板依然采用三合板。音色比全三合板的吉他好些。三．面单板吉他升级版（^_^ 我自己的叫法）面板、背板采用实木制作，侧板用三合板，很少有（但是也有）面板、侧板用实木、背板用三合板做吉他的。音色又会好一个档次。四．全单板吉他面板、背侧板均采用实木制成的吉他，这种吉他音质上要比三合板吉他好的很多，音色浑厚、质感很好而且有发展。而且经过演奏者一段时期的演奏（开声），它的木材对声音会更加敏感，音色会越来越好。五．独板吉他这是木吉他最高的一个档次，制作工艺上复杂，保养起来也特别困难。其实也是全单板吉他的升级版，呵呵…… 他就是在制作的时候不是采用拼合工艺，而是整块木板切割、定型…… 一般是高级的演奏会用吉他才会这么做（价钱上我辈是望尘莫及的）。它从音质、音色、音量上来说是前几种吉他无法相比的。如何判定吉他是不是单板，一般利用音孔就可以判断面板：观察音孔的内边缘，如果面板是单板，就会看到木纹自然延音孔内侧延伸。如果看到两层以上，就是合板的。但如果油漆过深，则不好发现。至于背侧板，先观察背面，然后再通过音孔看内部（与背部同一个点）。内外两点的纹理应该相称，如果不相配，就是合板；侧板也是这个方法测，但肯定比较费力。另外，如果上了浓重的漆，就不好判断了。以上内容是指其他任何条件相同的情况下，单就木材的单板与否而区别好坏，实际上根据所用的木材、木材自然风干的时间、制作者的设计、制作工艺等等，所制作出来的吉他是各有优劣的。 问： 我是自学民谣的，现在会弹几首歌，但不知道那些是每天必练的，可以讲讲吗？谢谢 答： 找一些独奏曲目训练技术和音乐性，找一些合奏曲目锻炼节奏感和稳定性，找一些弹唱曲目培养协调性和音准。光练基本功不弹作品肯定不可取。 练吉他是个长期有时候是很枯燥的事情，但是当你突破的时候，也是你有成就感的时候。我讲讲我的学习过程。
1：每天保证1个半小时到2个小时的练习时间。 快速地爬格子，高把位到地把位，100－150。这个速度是我现在的速度也不知道怎么样。
2：记住每首谱子里的优美的solo，自己能熟练地弹奏。一定要坚持，时间长了后结合乐理自己弹一些有自己特点的solo，不反对乱弹。
3：建议初学者先学一年指弹，然后半年匹克，然后两者结合在一起，我就是这样练的，基本上手指和匹克可以结合在一起了。
4：到一定程度后，提高自己的设备。
5：最重要的一点是对吉他的热情。首先解决柔韧性的问题。如果您的手指柔韧性难以解决，则说明您练琴已经太晚了。除拇指以外，每个手指的大关节，应当能在外力帮助下，能做到与手背垂直。这样的柔韧性是基本的。柔韧性不好，是演奏的一大障碍。许多小孩有很好的技巧，说明弹琴的阻力主要来自于手本身。试一下：用弹簧称把一个手指的指端套住并把这个伸直的手指拉到与手背垂直，看看弹簧秤的读数，读数越小，说明这个手指的柔韧性越好，弹琴时手指的自身阻力越小----练琴的年龄越小，柔韧性越容易保持。
有了基本的柔韧性，再练习相邻手指的独立平均。独立，就是相邻手指，有能力一个按压，而另一个抬起，反向运动，两组肌肉神经互不牵连，完全分开、独立。手指按压与快速抬起，用的是不同的肌肉，因为：肌肉的特性是能收缩和放松收缩。收缩给了骨节以拉力，却不能给推力。相邻手指的肌肉神经要独立，按压与快速抬起的肌肉要独立地发达。
要做到这一点，可以这样试练：
（一）左手中指按压：左手中指按压吉他的第六弦（也就是最粗的那根弦）的某一品，右手用拇指用力弹响，并一直保持发音，然后，左手的食指和无名指，再先后拨动一弦（最细的那根弦）。可弹成三拍子，第一拍是左手中指按压6弦、右手弹响的，这个音要保持延续三拍；第二拍是左手食指弯曲拨响的；第三拍是左手无名指拨响的。一定要慢练，就是要弹成慢三拍。然后，再在各把位练习。
这是练习中指按压时，其相邻的食指与无名指能够反向高抬。
注意：
1、按压的手指，每个关节都要有一定的弯曲度，每一个关节即不要太伸直，也不要太弯曲，禁止同一个手指的一个关节很伸直而另一个关节很弯曲的不自然形状。不要求用指尖按压琴弦，而是用指肚与指尖之间均可。按压的手指，应与琴品平行。
2、左手拨弦的手指，要求指尖（指甲）要与琴的指板和琴弦都垂直----难度恰在这里----左手拨弦的手指大关节几乎负弯曲（即向手背方向弯曲），而左手相邻的按压手指的大关节是正弯曲（即向手心方向弯曲）---相邻的手指神经完全反向用力，促使神经分开。
（二）左手无名指按压：与上相同，只是把上面的中指换成无名指，而把食指换成中指、把无名指换成小指。要求也完全相同。
明显地，这个难度有所增加，许多人会觉得相邻手指的巨大牵连。开始初练时，左手的一个手指拨弦时，按压的手指可以稍稍用一点推力，以抵消牵扯。
（三）左手小指按压：与上道理相同，只是小指的相邻手指只有无名指一个，且一般小指较短，没必要按压第六弦，而须按压第五弦，然后无名指去拨动一弦。要求与上面的都相同。小指的中关节或小关节极不容易保持相应的弧度，要多加注意。
对于这样大的跨度，许多初练者觉得难度太大的话，可以先按压更接近一弦的弦，等练好后再逐渐远离一弦按压。
练琴时间：这个练习的争对性很强，效率很高，可以大大缩短纯机械技巧的练琴时间。一天集中精力练15分钟，几天就可明显见效。一般地，无名指按压的练习时间要多于中指按压的练习时间，而小指按压的练习则需要更多的时间----以增强弱手指按压的力量，使各手指的按压力量尽量平均化。
右手：上述练习，一样适用于右手。把吉他反抱，右手按压指板、按弦、拨弦，指型、动作、练法与上面的左手要求完全一样（只是实际发音不同，右手按压的手指按压的是高音弦，而右手拨弦的手指拨的是最低音的那根弦）。许多吉他手弹琴，右手触弦没有按、绷弦的能力，音色音量首影响，这个反练吉他的练习，可以很好地解决这个问题：右手的指力、独立性、按压绷弦的习惯、相邻手指的神经分离等等，都有莫大的好处，而且效率极高，几乎有立杆见影的奇效。
另外，如果不弹钢琴，只弹吉他，就用不着练右手的小指按压。
正式曲目的指法编排中，除了考虑音乐需要，一般也要考虑平均地使用各手指，使各手指的点击率不要相差太大，否则影响各手指的力量平均 问： 斑竹大哥，您好。我刚学吉他，身边有些朋友吉他弹得很好，他们指出我没有节奏感。请问节奏感可以通过训练来提高吗？有没有好的方法。多些指教！ 答： 我再补充一些:
我能给的最重要的建议是：练习时一定要用节拍器。它能在帮助你增强时间感的同时提高你在乐曲结构中演奏的能力，换句话说就是能帮你不掉拍。
一个简单的方法就是养成把音乐分成小单元并边演奏边数的习惯：学会听辨和弦的进行，并培养2小节或4小节的感觉，一开始只需要在心里数。这将对你帮助很大，如果你能习惯性的这样做，不久你就会发现你对乐曲结构的认识和感受更深刻了。
· 如果你有掉拍的坏毛病，建议你在眼前放一张写有乐曲大致结构的谱子。你不必每个音符都照弹，但是乐曲的结构和和弦进行就放在你眼前会帮助你跟上，它能直观快捷的帮你找到现在弹到哪儿了。
· 听你的鼓手：鼓的一个基本作用是在乐曲的一个片段结尾运用滚奏，加花，大镲等技巧给出提示。有时候鼓手也会在进入新片段时改变节奏模式或改变鼓和大镲的组合。如果你掉拍了，就可利用这些提示重新找回来。
· 至关重要的是一定要作大量练耳的练习，尤其在你学习演奏乐器的最初几年。练耳是架筑在你的和声理论知识和你的演奏技巧中间的桥梁，它帮助你把理论应用到实践，这一点无论怎么强调都不过分。当你的耳朵对声音有充分的认识后，你就能听出和弦的性质和根音，结合你正演奏的和弦进行，从而保证不掉拍。因为练耳本身是一门学科，值得讨论的太多了，这里恕不细述。
· 练耳的一个实际应用是：如果在演奏过程中你感到出问题了，如果你弹的和乐队其他成员弹的部分不和谐，就停下来仔细听。如果你跟不上你的同伴，继续演奏也没意义，所以你应该停下来仔细听，直到你又重新找到某个和弦的时候再跟上。相反的，如果你确信你弹的没错而乐队其他人弹的都是错的，我仍然建议你这么做，尤其在他们虽然弹错但却仍错到一块儿去的情况下：即使你是对的也请停下来仔细听，然后加入他们的演奏中。因为在乐队中演奏最重要的是要和谐，谁对谁错并不重要。你可以在演奏完这一曲以后再指出他们的错误，然后一起努力在下一次演奏时避免同样的错误。
· 还要特别提一下作为有史以来最受欢迎的流行音乐形式—blues。学会在blues的基本结构中演奏，并学会识别blues乐曲的结构提示，是非常重要的。通过不断的练习和重复，你很快就会习惯于这种相对“不太匀称的”12小节结构。第5小节从‘I7’和弦到 ‘IV7’和弦的和声变化是你跟上这种结构的一个重要提示。以下是练习blues结构的一个很好的练习，你需要一个合作者或一个鼓手或一台鼓机或节拍器来协助练习：
第一个12小节循环演奏者1：在blues12小节的结构中演奏即兴演奏者2 ：演奏一级和弦，在伴奏中加入些节奏变化，但绝对不要换和弦
第二个12小节循环演奏者1：停止演奏，仔细听，在心里演奏和弦进行演奏者2：重复演奏第一个循环中的一级和弦
第三和第四个12小节循环在不停下来的情况下两位演奏者互换角色。希望他们能在第三循环的第一拍就达到同步。这个练习对培养”心的听觉”很有帮助，让你很出色的掌握12小节这种结构。注意：因为一个演奏者是在完整的12小节blues和弦进行中进行独奏，而另一个演奏者始终演奏主和弦，所以他们很多时候弹不到一起，可能听上去很不和谐。但不要让这些困扰你，因为这个练习的目的就是让12小节blues进行的感觉深入你的潜意识。
· 最后，还有两条关于演奏的注意事项：没有什么能代替经验，要利用一切可能的机会和乐队合作，即使你觉得自己还不够优秀也不要因为害怕而放弃这样的机会。和比自己优秀的乐手合作总能学到很多东西，尽管有些乐手可能会有些竞争的态度，但记住音乐不是体育，也不是比赛，这会很有帮助。为了你自己的乐趣去演奏，努力提高你的水平，保持积极的心态，你就能发挥你最大的潜能。如果你很紧张不放松，那你只能发挥出部分水平。
以上提到的大部分观点都属于基本常识，正如我已经说过的，其中一些论点并不适合你的情况，或许你会认为不太切题。关于如何把握乐曲结构感，仍然希望本文能给你一些启示，对如何解决这个问题也是一个比较理性的总结。 问： 我想问一下：下扫３２１ 再回扫２３４，怎么样才能不扫到１弦（右手的动作是怎样）？还有我上扫时总感觉声音是散的是怎么回事？关于拍子的问题，一拍的时值多少？怎样用脚打节拍？同一个四分音符在不同的歌曲里的时值怎么不一样啊？ 答： 1,多练!或者用左手消1弦音!
2,声音散发,可能扫弦动作不迅速果断,右手没放松!或者发力点不对!要靠手腕的自然甩动!
3,拍子的时值:是根据乐曲的要求而定的，比如当乐曲寻求规定的速度是每分钟60拍，那么每拍占的时间是每分钟的60分之一，也就是一秒，（半拍为二分之一秒），如果规定的速度为每分钟120拍的时候，那么每一拍占的时间是半秒钟（半拍是1/4秒），现在是半秒钟打一拍，前面是一秒钟打一拍，显然后者要比前者快，以此类推。这也就是拍子的时值，当拍子的时值定下来之后，比如四分音符为一拍时，八分音符就相当于半拍，全音符相当于4拍，二分音符相当于二拍。而十六分音符则是1/4拍，换句话说，也就是一拍里有一个四分音符，有两个八分音符，有4个16分音符。再比如以八分音符为一拍，四分音符就是两拍，二分音符是四拍，全音符是八拍，而十六分音符即半拍，这样，当拍子的时值确定后，各种时值的音符就与拍子连在一起。
4,学习节奏的理论,学会数拍子,然后用脚打拍子!
5,见3. 问： 我想问一下下 你们说的和弦什么1 3 5 2 4 7 的 是什么意思呀 我老看不懂 我只懂看图 还有什么大三和弦什么的 ？？？ 答： 1. 大三和弦：根音与三音是大三度，三音与五音是小三度，用根音的大写英文字母音名来表示，如DO，MI，SOL和弦用C表示，FA，LA，DO和弦用F表示，降MI，SOL，降SI就用Eb表示，升FA，升LA，升DOL用F#表示。
2.小三和弦：根音与三音是小三度，三音与五音是大三度，用根音的大写英文字母音名加上小写m表示，如RE，FA，LA和弦用Dm表示，MI，SOL，SI和弦用Em表示，降MI，降SOL，降SI用Ebm表示。
3.增三和弦：根音与三音，三音与五音都是大三度，用根音的大写英文字母音名加上aug或加一个“+”。如DO，MI，升SOL和弦表示为Caug或C+，FA，LA，升DO和弦表示为Faug或F+。
4.减三和弦：根音与三音，三音与五音都是小三度，用根音的大写英文字母音名加上dim或一个“-”。如RE，FA，降LA，表示为Ddim或D-，升DO，MI，SOL表示为#Cdim或#C-。
5.大小七和弦：在大三和弦基础上再加小三度，用根音的大写英文字母音名加上“7”即可，如SOL，SI，RE，FA和弦用G7表示，LA，S升DOL，MI，SOL用A7表示。
6.大大七和弦：在大三和弦基础上再加大三度，用根音的大写英文字母音名加上Maj7表示，如DO，MI，SOL，SI和弦表示为Cmaj7,降SI，RE，FA，LA和弦表示为Bbmaj7.
7.小小七和弦：在小三和弦基础上再加小三度，用根音的大写英文字母音名加上“m7”表示。如LA，DO，MI，SOL和弦表示为Am7,RE，FA，LA，DO和弦表示为Dm7.
8.小大七和弦：在小三和弦基础上再加大三度，用根音的大写英文字母音名加上mM7表示，如DO，降MI，SOL，SI和弦表示为CmM7,LA，DO，MI，升SOL表示为AmM7.
9.减七和弦：在减三和弦的基础上再加小三度，用根音的大写英文字母音名加上dim7表示，如SI，RE，FA，降LA和弦表示为Bdim7,LA，DO，降MI，降SOL表示为Adim7.
10.半减七和弦：在减三和弦的基础上再加大三度，用根音的大写英文字母音名加上m7-5表示，如SI，RE，FA，LA和弦表示为Bm7-5,升FA，LA，DO，ME和弦表示为#Fm7-5.
11.加音和弦：它是指在一个以三度关系为基础的和弦上加上其它音，如加入六度音，九度音，四度音等，标记法为将这个加音的度数写于原和弦的右边，如DO，MI，SOL，LA和弦可标为C6，（LA是基于C和弦的加音），FA，LA，DO，SOL和弦可标为F9。但要注意的是，加四音和弦的写法有规定，要写sus4，并且要省去原和弦的三音，否则三音和四度音一起响会很尖锐。如DO，FA，SOL和弦标记为Csus4.（C和弦省三音加四度音）。加音以6，9，4度为多数。另外，有更复杂的理论把加音与多音和弦分开来，如FA，LA，DO，SOL和弦应标为Fadd9,而标为F9会被认为是FA，LA，DO，MI，SOL和弦。不过这只是理论而已，一般情况下用简单的加音标记法就可以让别人明白你的意思。
12.指定和弦根音：就是在演奏该和弦是，不弹它本身的根音而根据标记弹奏。如C/G，表示演奏该和弦时把G音置于最低音。Dm/G表示演奏Dm时把G音置于最低音。也可以用On*表示同样意思，如F9OnD,实际演奏的是RE，FA，LA，DO，SOL。很明显，这种标记法可以用来表示和弦的转位。 问： 民谣吉他跟古典吉他的区分是那里呢.那个比较舒适? 答： 就是现代文学与古典文学的区别一样！舒服与否在于个人的感觉！包括人生阅历，对音乐的理解，乐理的掌握，技巧的广泛，自己的喜好。。。。。。 问： 锤拉弦具体怎么做呢？ 答： 锤拉弦可以练习左手手指力量,爬格可以练左手手指的灵活度,也可以练手指的力量和速度,其实都是基础的练习,练练都没错,其实也没什么区别不区别的,练就对了。 锤拉弦具体做法：先左手指击打“锤”那个音，接着别抬手指直接按压弦的手指向手心方向移动拨弦！ 问： 什么是和弦的内音和外音呢,什么是封闭和弦,什么是开放和弦? 答： 和弦内音：组成正和弦的音。（协和和弦）和弦外音：即非和弦音。和弦外音一般为某一和弦音上方二度或下方二度的音。在音乐分析中，和弦外音分为五种：延留音、先现音、经过音、邻音和倚音。 问： 吉他世界中的－华彩．摇滚．古典．民谣．布鲁斯．能解释一下吗？ 答： ★华彩的概念 ★ 华彩乐段(Cadenza) 原指意大利正歌剧中咏叹调末尾处由独唱者即兴发挥的段落。后来在协奏曲乐章的末尾处也常用此种段落，通常乐队暂停演奏，由独奏者充分发挥其表演技巧和乐器性能。这部分的演奏较自由，难度也较高，因而也较引人注目。华彩乐段最初由独奏者即兴创作，后来作曲者也开始写作。就是为了增强音乐表现力，技巧性高，音乐华丽的部分。华彩就算是SOLO吧？也就是主音琴手弹奏的吉他风格的一种,旋律性较强,间奏也算,曲中加花也算!quakejc
所有运用和声的音乐都是基于音阶的。音阶的运用非常广泛，特别是在乐器的演奏中,你可以经常感觉到音阶的存在，而像吉他这样的乐器更是须臾离不开音阶。音阶就像链子一样，把各段旋律有机地串联起来，形成精彩的独奏（或伴奏）。quakejc
华彩不确切地说其实是音阶的变形，将音阶里的个别音符做一下改动或改变一下它们的排列次序和时值，一段华彩就出来了.音阶练好了，手指条件达标了，弹华彩还不跟玩儿一样!唯一要费点心的就是加进去你自己的感情了.quakejc
从演奏风格来说，吉他可以分为古典吉他、民谣吉他、弗拉门哥吉他、爵士吉他、夏威夷吉他及电吉他几个大类。民谣吉他可细分为Acoustic guitar和Cutting down(缺角琴)，前者适合演奏和弦，后者适合演奏高把位Solo。 浅谈古典吉他音乐艺术吉他是一种弹拨乐器，但决不是一般弹拨乐器。在文艺复兴时期，吉他已风靡整个欧洲，其外形和演奏曲目，经过多少作曲家和演奏家的努力，相对固定下来，此后的几个世界吉他在乐坛上的地位忽高忽低，但在民间的影响力，与日俱增，成为不同时代、不同国度、不同种族的人们最喜爱的乐器之一。吉他具有优美的音色和丰富的表现力，成为歌剧、交响乐、室内乐、音乐剧、影视音乐、流行音乐及乡村音乐等艺术门类中不可缺少的一种乐器。在二十世纪的二十年代左右，吉他和钢琴、小提琴同时传入我国，目前这些乐器分别称为世界上的三大乐器，但是音乐是没有国界的，它是全人类的精神财富，二十年代吉他大师塞戈维亚到亚洲旅行演奏曾经在中国的上海、大连停留过，想将吉他音乐介绍给世界上人口最多的中国，但是由于中国的政治动荡不平，主事者并不热衷，拒绝了塞戈维亚的演出要求，其后塞戈维亚到了日本之后，在日本造成了极大的轰动，而从那个时候开始古典吉他风靡这个东方国家。近二十年来，吉他已在我国青少年中广泛流传，前几年虽然从整个社会来看，古典吉他爱好者，似乎有所减少，但是不能忽视的事实是，整体水平的提高已远非当年可比，据我多年来到全国各地观摩学习和交流比赛，发现一些年龄很小的都能弹出一些音乐会作品曲目，然而使一些热爱吉他者感到困惑的是，不知道学好吉他到底对自己的前途有哪些作用。如果学习吉他只是为了教吉他，那道路只能越走越窄。比赛良好的成绩也难带来什么实惠。本来演奏得很好的古典吉他手，不得已改行经商或者从事其它行业。这必将影响古典吉他演奏水平的进一步提高。但是，不容置疑，古典美是别有一番意境的，它之所以能够经得起时间的检验而经久不衰，本身就证明了其价值，因为这里存在着一种隽永、酣畅、沉稳的美，尤如一坛陈年老酒，酿存越久远，就越醇香。人类的有些感觉是很奇特的，百日里面对整个噪杂的充满现代感的城市，应付节奏日益紧快的工作和各种竞争，人们只剩下一付劳顿疲惫的身躯，很难找到好的心绪，只有当夜深人静时，才能逐渐调整好自己的心境，前提是你不再继续将自己投入那充分显示现代文明高科技的文化气氛中去，诸如高分贝的烦燥音或竭力通过放大器扩大自己歌喉音量的吵杂音中。只有在此刻，你才能舒缓正常的脉搏，平静地操琴练曲，或者静听古典音乐，去体味许多确实在很遥远的年代里那些最杰出的作曲家创作的乐曲，在这些乐曲中你能感受到一种浓郁芬芳的升华，与密集的沉淀，这是不同时代音乐的差异，并以此证明它们存在的意味深长。诚然，跨越每个年代的作品是需要精深的领悟加以理解的，但这是一种积累，更是一种自身的修养，独上高楼去演绎出曲高和寡的情致。如果没有极强的感悟性，至少也得有清心寡欲的境界，正所谓，爱到深处人寂寞，古典吉他的欣赏性是这样培养出来的，更是这样磨练出来的。那时候的作品气氛似乎更松驰些，没有现今那么浓重的商业性和人与人之间的以利益为重，也缺乏大众媒体的传播，那么作品的格调似乎更高雅些，因为它无需有意地迎合多数人的品味，这些都是我们今人应该理解并去感受的。加之东西方文化背景的差异，也是每一位爱乐者，可能在一生中都需要不断去适应这种差异和逐渐完善自己的。吉他大师耶佩斯曾说：“应该把一切想成音乐，而不是想成吉他”，可是一般人的看法都恰恰相反，有许多人高喊着吉他，而心理却别有用心，加上空洞无物的机械形式的练习，此事不禁令人感到他们遗忘音乐的质，由于这种错误的观点，结果在弹奏任何乐曲时，只注重技巧的表现方法，有些还是错误的方法，而忘了比技巧更重要的音乐文字。因此他们的演奏就丧失了魅力和光泽。象科学或文学书一样，不管记述的是抽象的或是具体的，大都能够把所要表达的概念或意思，明确地传递给读者，可是遇到音乐这种艺术时，就会发生难以预料的困难，也就是说，要借助文字或语言，把它们的内容充分表达出来，而且严明精确地让读者有清晰的概念是一件非常困难的事。由于这种原因，在学习吉他时，若要进步迅速，最好的方法莫过于跟随优秀的老师学习，直接接受指导、训练与启发，这里我们再谈谈吉他的教学。作为教师灵魂的工程师，首先要制定理想的教育和规范的计划，无论是理论和实践都要力求读懂，理解精神实质，吸收最新信息，更新音乐教育观念，通过学习不断提高自身的理论修养和实践经验，而不能漫无目的、随心所欲的施教。要充分收集、整理、分析资料得出结论。对受教者要量体裁衣，象医生治疗病人一样对症下药，要从科学性创新性应用价值以及所研究条件。施教者要对受教者讲求策略和方法。适当的方法可以事半功倍，这一点是在实践中经常可以遇到的问题。 布鲁斯的形式布鲁斯很有意思。和其他音乐相比，它的结构更为严谨，这也正是其神秘之处！在严格的限制当中，又有着充分的自由。布鲁斯这所以伟大的原因之一，就是它多样化的表现手法掩盖了简单的形式。布鲁斯艺术家的目的，是在一首接一首模式相同的中表现出新颖、与众不同的气质。
“我说‘简单’，并不是说‘容易’。音乐家和听众都很熟悉布鲁斯的味道。每种流行音乐都具有多样化、个性化的特点，这样的特点在布鲁斯里是听不到的，布鲁斯音乐家在创作时都遵循形式。这就是为什么他们在录音棚里有时会‘
心有灵犀’，不谋而合，创作出经久不衰的优美旋律的原因。
“对于艺术家来说不存在‘中间立场’。他必须不断地革新，这样他才能生存下去。我们把艺术家的创作看成是钟摆，一方面，他追求技巧的完美，另一方面，他在延长的静谧中表达飘落的树叶一般伴唱。以后我会慢慢地告诉你的。
“你原来也许以为，我让你打响指不过是浪费时间罢了。现在你该明白我的目的了吧？我想你应该还记得数四拍子的情景，“现在跟我数拍子：一、2、3、4，二、2、3、4，三、2 、3、4，四、2 、3 、4，……。一共是三级四小节，这就是十二小节布鲁斯。数的时候别忘了速度、拍子和重音。现在我不多讲，先把它放一放再说。
“非洲人仍然用着鼓，因此我先给你讲拍子。唱歌就是从呼唤与应答演变而来的。你说这句话，我也说这句话，这就是反复的原型。在田野里工作的人们就是靠这个来联络他们的工作的。我们的研究就好比是让一个旋转的陀螺停下来看看它们的样子。如果它在转动，我们当然就不能看清它的全貌了。
“通过反复，别人能更好地明白你的意思。从反复一遍到发展成反复两遍，于是形成了ＡＡＡ的形式。美国音乐的传统就是这样形式的。本世纪初的一个夜晚， Handy在密西西比遇到一个从荒野里来的吉他手，他就把自己的歌唱了三遍。综逐渐发展成今天我们所知道的十二小节布鲁斯。这十二小节的最后三小节（每小节四拍）是发生转折的部分。由此，得到了富有诗意和乐感的解决。
“咱们这会儿还是别谈这些题外话了。此刻我们要学一学如何按拍子统配和弦根音。你可能会说：‘这有什么难的。每拍一个和弦不就行了’。问题可没这么简单。在演奏中，四弦贝司的根音。拿把吉他来试一试。
“第一小节弹第六弦空弦或调主音。音阶的第四级是Ａ弦空弦，第五级是第五弦第二品的Ｂ音。照下面的十二小节和弦音配置表弹奏四分音符。一小节四拍。准备好。
“这是一张早期的和弦音配置表。第九小节是Ｂ，弹四拍，一拍一音。第十小节是Ａ音，也是这么弹。然后回到Ｅ。十二小节全弹完之后你该知道接下来还是一级和弦。不要错拍子。
“第二条是经典的布鲁斯形式。前四小节都是Ｅ，第八小节又回到这个主音，第九小节是Ｂ。这条练习的下行结束方式今天仍很常用。在重新开始之前以Ｅ音结尾。
“你得对第三条练习多加注意，孩子。这是个精华的例子，是真正的布鲁斯。好好学一学吧。它开始时是四小节Ｅ，然后是两小节的四级音，再弹两小节Ｅ，在第九小节用第五级音解决，第十小节下行至第四级音，第十一小节是主音，最后解决到Ｂ。在最后的四小节里有两次解决。
“这个十二小节的形式有许多种和声的统配的方法。学过这些花样之后，当你在听布鲁斯的时候，就能够很清楚地分辨出演奏者用的是哪一种。下面的三个例子除了最后一小节外，其他部分完全相同。第十二小节四拍都标了出来，以展示这几条例子的不同之处。现在你来象个贝司手一样演奏，第十二小节第一拍是Ｅ，后三拍是Ｂ。
“下面一条练习的第十二小节被分成两部分，前两拍是Ｅ，后两拍是Ｂ。和上一条练习相比，只有一个音的差别，但如果你不能掌握这个音，差别可不大了。这个音很讨厌，可能你心里想说‘略过去’，但是你的指尖却要‘弹过去’。
“这条练习的第十二小节后三拍是按半音阶上行的，要保持拍子的准确。别太较劲了—要适度地用力，平衡地上行。和前两条练习相比，这个小节只有一Ｂ。
“有一半的老唱片都是按照下面的例子走了。它之所以受人喜爱，就是因为它打破了前四小节全是Ｅ的局面，在第二小节以Ａ代替了Ｅ。弹这个Ａ的时候你会觉得很有趣。开始时只弹一小节Ｅ，然后指头去按另一根弦。你要知道，我们统配这些音就象带一群小孩子做游戏一样。多练习几遍你就明白速度的意义了。
“这个练习的十一、十二小节被分成两部分，也就是说，两小节里面有四个和弦根音。如果速度很快，就会弹得含混不清；速度慢的时候，你就能有时间弹清楚每个四分音符及和弦的转换了。
前奏 Introductions
“布鲁斯风格的歌曲里常用到前奏。最普通的方法，就是从十二小节布鲁斯中截取最后四小节作为前奏。你记住，我们有很多方法来研究它，其中和一种就是分析三、四个小节的片段。因此，人们选中了最后的四小节，也就是解决发生的部分。
“另一种常用的前奏是节选最后两小节。这两小节刚刚够吉他呈现主题。你还会发现，十二小节的最后部分如果有变化音，都可用作前奏。等我们扒带子的时候再来细谈这个问题。你以后会听到很多这类东西的。
八小节的变化 Eight bar varieties
“布鲁斯还有一种八小节的形式。它反复的时间更短，和弦转换的次数也比较多。一、四、五级的关系保持不变，拍子也还是 4/4拍。前两小节都有Ｅ，因而这种形式有一种独特的风格。注意下面练习，第六小节上行到Ｂ，这和十二小节布鲁斯中第九小节是Ｂ的情况相同。
“这个练习的前五小节和上面的练习相同，后三小节变化较多。我们已经练过最后两小节转换和弦的十二小节布鲁斯了。连贯地弹奏这八小节。保持拍子。
“最后这条练习里，Ｂ出现在三个地方。主音开始的第一小节之后接着就是五级音，这样就能够产生很吸引人的效果。注意只有最后两小节是两拍换一次和弦根音。
“前面的例子都是Ｅ调的。下面是Ａ调的例子，一、四、五级和弦的关系与Ｅ调相同。
“盲人莱蒙 .杰弗逊(blid lemon Jefferson)曾经在这种十二小节的形式上多加了一小节，使其变成十三小节。但是，这种事只有在你对布鲁斯熟练掌握的基础上才能办得到。这就是‘玩布鲁斯’。你能弹一些对其他风格的乐手来说是
‘错音’的东西，而你能继续往下弹。还有的时候，你把这十二小节变成了低沉的催眠曲，低音调的主和弦不断出现反复，尽管出现了下属和弦，但听众仍然等着那处属和弦的出现，而乐手却突然停住了。只要时机选择得好，就会产生很好的效果。
“多听录音你就会知道什么叫‘扩展桥’了。它的前四小节全部是主和弦开始，扩展的四小节还是主和弦，就象是在扩充一个有趣的故事。八小节的主和弦之后，换用四和弦；而在一般情况下，第五小节就换四和弦了。
“方法太多了，孩子。我们可以从不同的角度来研究布鲁斯，可以把布鲁斯的规则和有关的知识列成音子，但是千万不要忘了一点----而这一点有时你的确会忘记的----那就是音乐。”
老人从男子孩手中拿过吉他。“现在我来弹一个例子。你该从例子的这个方面下下功夫。我用这个速度弹，象这样分解。”老人刚开始弹，男孩就感到他的魅力了。这才是音乐----拍一个音的十二小节布鲁斯伴随着男孩有力的晃头而进行着。 问： 我想问您：弹玄应该到底怎样弹呢，怎样弹的音才对！ 答： 分解和玄通常情况下是没有旋律！弹奏时注意：
1，清楚现在弹的分解和弦是几分之几拍！
2，找准强弱拍！
3，练熟“靠弦弹法”和“钩上弹法”！正确的右手拔弦技术
靠弦与不靠弦的本质是一样的，都源于下面这种正确的右手拔弦技术：如果对靠弦与不靠弦还没有正确理解的朋友，请查找参考：靠弦弹法的重要性与关键点不靠弦弹法的要领 其实靠与不靠在方法本质上的一致性，就在于其触弦到离弦的动作。这里我想再和大家讨论一下正确的拨技术。因为不管靠与不靠最终都要通过触弦来使琴弦发生振动，这是最关键的一步。
首先我们要明白：正确的拨弦技术的技术主要目的是为了获得正确的音色，这一点对于古典吉他而言是至关重要的！
正确拨弦的要点在于两方面： 一是指甲的正确修剪。 各人的指甲本身都有差异，但大体上都已经是圆弧形了，要确保指甲边缘修剪光滑，指甲与指肉的联接处要平滑过渡。至于指甲的具体形状，各人有各自的习惯，就不具体说了，但都要保证触弦面有一个光滑的曲线。
二是触弦与离弦技术。 1、保证你的触弦点是指尖左侧，在接近指肉与指甲连接处同时触弦；确保你的手指与琴弦有一定的角度（一般为30至60度，因人面异）。这两点保证了拨弦时能利用指甲左侧的斜面下压琴弦！ 2、掌握好拨弦方向。 保证第1点做好以后拨弦的方向是尽可能指向琴面板，这样手指在拨动的时候，能将弦向面板方向压，同时，指甲斜面的坡度也能自然将琴弦向面板方向压，这样琴弦平行振动的同时也产生了尽可能大的垂直面板的振动，从而发出圆润结实有力度的声音。控制这种垂直振动幅度的大小，便能产生不同的音色与力度，这是古典吉他手必须加以认真研究和控制的。 3、掌握好正确的离弦点。 第2步完成后，弦从触弦点滑过指甲左侧的斜边到达大约是指甲尖端的位置离弦。从触弦点到离弦点的距离决定了发声的音色。这个距离是多长，各人有各人的习惯大家要自己摸索。我的离弦点（即指甲的最尖端）不是在正中而是偏向右侧，也就是说我把指甲修成了尖端向右斜的形状，我的目的主要为了加长触弦点与离弦点的距离以获得更圆润的音色。 4、离弦后动作。
完成以上3步动作以后，靠弦弹法是把手指靠在下一根弦上，不靠弦弹法是以接近平行（事实上不可能绝对平行）面板的方向划过下一根琴弦的上方。 5、发声 发声的关键在于放弦的把握。弦划过下压绷弦的指甲面后反弹发声，这个声音是干脆利落的；弦反弹的速度永远比放弦的手指要快，弦的第一下振动绝对是朝上弹起的。那天在吉他中国与哈哈兄讨论时，他说的一句“声音不是“弹”出来的，而是“放”出来的，澄清这个概念是掌握不靠弦弹法的关键。”一语中的。因为靠弦弹法是将手指停在下一根琴弦上，靠下根琴弦的阻力停住，拨弦时有惯性的因素，因而手指可以下压，能获得更为厚实的音色；而不靠弦要悬停在空中，必须对手指有完全的控制，不能利用惯性，但也因此更灵活一些。
所以练习的顺序必须先练不靠弦，以更方便地体味正确的拨弦方法，尔后再过渡到不靠弦的灵活运用。
经过长时间的练习应能将不靠弦与靠弦融汇贯通，此时靠弦时指头也是有控制的，不是单纯地依赖贯性靠在下根弦上。可以随意控制靠与不靠，靠的程度。这种细微的感觉需要长时间的练习和体会才能获得。这也从另一个角度说明，靠与不靠其实本质上是相同的。 问： 我现在和弦转换已经练得差不多了，接下来是不是就要练音阶和爬格，还有弹唱啊还有就是弹唱的时候，不能一边弹一边唱，或者忘了弹又或者忘了唱了？ 答： 1,先练好左右手协调性！音阶和爬格，击弦，勾弦，滑音，泛音，震音，切弦等技巧！然后练和弦转换，再练换把位。。。。。。
2，练准耳音！会2种以上的调弦法，并调准弦！
3，掌握大量节奏型！并会使用，会弹奏！
4，歌曲和弦编配知识！不能一边弹一边唱的问题，只有靠练了，先把弹记熟，再把唱技术，按照节奏，拍子一起和！
[ 本帖最后由 quakejc 于 2007-2-11 16:01 编辑 ] | 
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发表于 2007-2-12 08:15:31
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