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半小时学会作曲
几可肯定，全国范围内现在玩原创大多数都不是专业出身，因此本人认为在这里我不会跟你讲什么调式，什么定律。这些东西对于玩摇滚与一般的现代音乐来说并不能起到决定性的作用。相反我认为你过分的执着这些东西只会让你的创作力变得平凡无奇，所谓原创就是开发你自己的东西可知道？好，让我为你们找来一些必要的工具（它们只是工具。）、
昨晚我跟上帝通过电话，他老人家明确的告诉我“莫扎特”是他错手做出的一个作品，他发誓不会再犯这样愚蠢的错误了。所以我几可肯定无论你、我、他、都不会是下一个“莫扎特”。所以你就不要怪自己鲁钝了，来。喝口酒，壮壮胆。虎山有兄弟我陪你行。
要学会作曲首先要解决四大点：
第一． 基本音乐知识。
第二． 识谱记谱
第三． 会写歌词。
第四． 最少掌握一种乐器。
基本的音乐知识。
我以最简洁的方式把这些工具都列出来意求让你能以最快的速度明了。
一：1234567＝CDEFGAB.这个叫七声音阶，或者你可以把它理解为“标准音阶”。哥们，这世上所有的音乐都是从这来的，给我缠着它，死死地。
二：1，＃1，2，＃2，3，＃3，4，＃4，5，＃6，7，＃7＝1（高8度）。
这个叫12平均律，跟七声音阶不同的地方就在于它多了6个“不规则音”（你暂时把它理解为“不好听的音”）
三，高低8度，以1234567为例从1开始：
1－2－3－4－5－6－7－到这个音为止高8度。（在简谱中音符的上方有一个点的。）
1－7－6－5－4－3－2－到这里就为低8度。（在简谱中音符的下方有一个点。）
从作曲的角度来看8度的区分就在于区分一个歌手的音域。
以吉它为例，黄种人－男人：大概就是从第5弦的空弦到第一弦的第5品。这个就为止“大众音域”。（正常人都能唱到。）
同样的道理再低一点就是男低音再高点就是男高音。国内的歌手中许巍是男中低音。轮回的吴桐与超载的高旗是男高音。
女人：从第4弦的空弦音到第一弦的15品为“大众音域”。
四：音程
音程指的就是一个音与另一个音之间的度数。
1－2为全音（1度）在吉它上你可以理解为两个品的距离。
3－4为半音（半度或/二分一度）在吉它上是一品的距离。
小常识：在七声音阶中“7－1与3－4”是为和协的半音，而其它的有升号＃与降号b的音都是不和协音。对于作曲来说简单理解为“不好听的音或怪怪的音”你就会更好的理解了。（你要写好听的歌你肯定要找好听的音吧？）
在7声音阶中你可以用音程来理解会更快的掌握。12345671（高音）＝全全全半全全全半。
音乐知识这些就应已足够了。你也不要问我它们是怎么来的。这是个愚蠢的问题。
识谱与记谱。
1． 调：
在简谱的左上方第一个1＝？。就是指该曲的调。
以C调为例1＝C。从吉它上讲就是我们以第2弦的第1品为1，也就是这个调的根音，主属音。
以此类推，1＝D的就是以第2弦的第3品为1（根音）。。。
在此，我不得不在中间穿插一个关于“调”的问题。只有这样你才能更好的理解什么是调。
我只一句话，你不要把调想得太高深了，对于我们做现代音乐的人来说我们只要了解它的一点点就够了
。
调只有两种形式――“固定调”与“首调”。
固定调指的是什么？―――就是C调。
接着上面的例子来印证：
1＝C，这个就不用我多说，也就是7声音阶与12平均律里的音符了。
1＝D，在固定调里面是没有这样的概念的，它只会这样理解:
1＝D等于1＝2。
看得懂吧？我给你列一下。
固定调的形式：1＝D的歌曲它的7声音阶就是2－3－＃4－5－6－＃1－2（高音）
2－3－＃4－5－6－＃1－2（高音）这个等于什么？
在吉它指板上弹一下，你会惊奇的发现它得出来的音和你在第2弦的第一品开始弹1234567的音是一样的，只是高了一点。
这说明了什么问题？很多，但我认为你只需要理解一个就可以了。
说明了调的变体只是音高上的变化知道了吧？
再到回首调，
在首调上来说：1＝D，还是1234567。为什么？
我来问你：“你不觉得看着那些＃号与b号看得很头疼吗？而且你还要去推去算你嫌不嫌麻烦”？
既然你已经发现了，调只是音高上的变化而已，那么你又何苦来由要去分辨那些＃号与降b。反正你不会理解你总会听吧？你只需要记住一点：
当我告诉你我的这首歌是D调的时候，你就以吉它第2弦的第3品为1，然后你就把它当成是C调来弹、来理解你就会明白。假如我说我的这首歌是E调你就从吉它的第2弦第5品开始弹C调的感觉，你也会明白。它们什么都没变，听起来都一样是1234567，只是音高升高。
如果这个时候你还要问我为什么不用固定调？固定调又有什么不好，那么你不嫌我话多我当然不怕你听。
再举个例，假如是固定调，而我的这首歌是1＝B的话，你用固定调的算法去推一下得出“1－2－3－4－5－6－7＝7－＃1－＃2－3－＃4－＃5－＃6”。
够不够麻烦？够不够麻烦？够不够麻烦？够不够麻烦？够不够麻烦？
相反你只要用首调的方法来看，你不管它在固定调上面是变化成怎么怎么样，你只要一确定这首歌是B调你马上在吉它指板上找到B（7）音按C调来弹1234567，全全全半全全全半这样弹，再不好理解你就可以这样做：“你找到那个调的根音后，以它为第1品”你就开始在吉它上像数钱一样数着距离来弹：“1品－3品－5品－6品－8品－10品－12品－13品”。就弹完一个8度了。是不是很准确的听到一个1234567呢？（如果这样你还不明白，我只能说上帝犯了一个更严重的错误――就是造了你出来。哈哈哈哈！你死了这条心吧！我佛慈悲。。。。原谅我。）
为什么要花这么多心机的告诉你这些？就是为了告诉你首调的好处，也就是用简谱的好处。同学们，来，我们接着上面的话继续讲
2. 歌曲的速度。
在简谱的调的旁边或上方/下方通常都会有一个“小蝌蚪”＝数字。这个指的就是歌曲的速度。比如
“小蝌蚪”＝120，就是指这首歌的速度是1分钟每一秒就跳两下。
在写给人唱的歌曲中，（不包括器乐曲演奏曲。）我以我的个人经验给大家列出“慢、中、快”的定义。
60－80的歌曲为慢速
80－110为中速。
110以上的都可以理解为快歌。
3.节拍。
第一个要理解的肯定是重拍与弱拍。我有两个方法保证你肯定能理解。
1. 打开你的电脑或MP3播放歌曲。跟着音乐用脚打拍子，你踩下去的就是重拍。你拿起脚的就是弱拍。要是踩不准的话你就这样吧跟着时钟踩，口说“你好”。我敢肯定你每一次都会踩到“你”，每一次都不会踩到“好”。够简单不？哈哈哈！！
2. 随便找份简单谱。看到上面的音符，节拍线上面的第一个音就是重拍之后的就是弱拍。
什么？你问我什么是节拍线？放心，老兄们，风出手没有办不到的事。（除了钱）我给你忧着呢！
歌曲的节拍：在写给人唱的曲子中，一般用到的就只有四个节拍。
4分音符――在简谱中音符的下面一根线都没有的。
8分音符――在简谱中音符的下面只有一根线的。
16分音符――在简谱中音符的下面只有二根线的。
32分音符――在简谱中音符的下面只有三根线的。
节拍有什么用？我告诉你，它是用来区分音符的速度的，你不用管那么多，在你音乐的感觉还不是那么好的时候你只要记住一点，当你读谱时：“看到下面节拍线越多的就越快反之则然”。
记住，一定有个好习惯,把自己的旋律用简谱记下来，哪怕是只有一句，这不单能让你更快的了解音乐与音乐知识，最重要的是你刚开始学你乐感不好，会很容易忘记，所以你一定要记。
话说回来，我认为即使是高手也有必要要记，因为随着你学习的音乐越趋复杂越趋多样，你原先所熟悉的旋律都会模糊起来，比如你学完了BLUES再去玩流行你就真的没有那种感觉。而且极有可能会破坏你原来的良好的音乐触感。搞得流行又不像流行，BLUES又不像BLUES，当然这个没有绝对。但我还是认为要记谱，坚决要记。
下一部内容
3.写歌词与作曲。
为什么要写歌词？你一定会问“干什鸟事啊”？
别急，且听风吟。
（我再次肯定你不是莫扎特，我也不是，他不可能再回来了。）
首先你既然不会作曲，你当然乐理不好，你乐器也肯定是刚学不久不太熟练。那么在这种情况下，我想请问各位你有把握能凭嘴上的乱哼乱唱又或是你那鳖脚的乐器技术把你想的旋律记下来吗？你能够把每一个音都唱准就该偷笑了。
但是如果用我们平时说的话来记住旋律那就不一样了，毕竟你发音就可以有把握多了。这是个没有办法中的办法，你一开始学作曲乐感肯定好不到哪里去。说话也有语调，你慢慢就会发现。（我的作品很多旋律都是我用词随口唱出来的。）这样的好处就是你能第一时间把握到音符的准确音调，你要是乱哼的话你还要猜自己哼的是什么音，而且还要确定是什么调。换句话说，你既然已有词你唱出来了，你可以连调都不用管了，因为你唱的人家都听得懂。如果你能熟练的唱准你的歌，但又猜不出什么调什么音编不了曲，你找我，我一定无条件帮你做出来。
也不知你有多爱好文字，我可是很爱，如果你真的写不出歌词我帮你想想。放心，风一出手没解决不了的事情。请看。
“你好，冰冰。我爱你，我爱你冰冰。冰冰你爱我你好。。。。。”
马上跑到你心仪的女子面前唱，乱唱，一直唱，唱到她喜欢为止你的曲应该就差不多了。哈哈！开玩笑的。（不过要经常到别人面前唱。）
小技巧3条包保你能更快的学会：
1. 不要急着唱，想到一句是一句。
2. 注意节拍的变化，不要只留意旋律。没有好的节拍旋律再好也没用，毫不夸张。（我从来不吓别人只吓自己。）相反有好的节拍可能一般的旋律都会变得很好的哟！
3. 也是最重要的，一定要找模仿的对象，（你不是天才，你是天才就不用看我写的东西了。）一开始一定要找自己喜欢的音乐类型来模仿，不要介意，一开始是肯定要模仿的。而且我可以告诉你，你不模仿你极有可能会很难学会作曲。
学习乐器的必要性。
我可以毫不客气的告诉你学不学习乐器对你的作曲能力有可能起到根本的决定性作用。有没有这么夸张？且听风吟！
第一， 我要告诉你作曲不是用音符去堆砌旋律，而是要做出更好听的音乐。除非你每次清唱都能感动世人，要不你就不要凭多废话。
第二， 音乐的真正精髓不是“好听的旋律造就了好听的音乐，而是好的和弦造就了好听的音乐”。
不用我揭示你也该明白我要跟你讲的是和弦了吧！学习乐器对于作曲的最大好处，就是无论你学钢琴又或是吉它又或是世界上的任何一个和器你都不可避免的要学到和弦。我可以先告诉你，熟练作曲的人大都用和弦来作曲。
举一个例，我将以铁般的事实证明给你看你一定要弄懂和弦。
BEYOND－<<真的爱你>>（要骂Beyond的朋友请便）
（选这首歌的原因是因为它在中国最多人听过与解，而且更重要的是它简单易懂。）
在这之前我要列出这首歌的调也就是C调的和弦与和弦音来，才能让你真正了解到和弦对于作曲的重要性。
此曲共用到了C调的C、F、G、Am四个和弦。
这四个和弦都是大三和弦（1音＋3音＋5音组成的按照我上面的音乐基本知识去理解。）这四个和弦的
C和弦＝1－3－5 F和弦＝4－6－1
G和弦＝5－7－2 Am和弦＝6－1－3
这种和弦我们把它的第一个称为“根音”或主音，第二个叫三度音程音，第三个五度音程音。
好，真的爱你的第一句。（在这之前请找来此曲的简谱我这里没有抱歉）
“无法可修饰的一对手”这句旋律的“修钸的一对”是两个节拍，这个乐句配的和弦就是C和弦。C和弦有什么音？135。我在这个板块的<<扒谱－总谱全攻略>>里已经强调过和弦对于旋律重拍音的影响是非常重要的。
在这个乐句你可以从你手中的简谱看出，
位于乐句的第一个音符（重拍）的“修”字，它的音符是3音，也就是说使用了C和弦的三音，那么最后结束的那个“手”，它所配的和弦是G和弦，它也是重拍音，而它的音符是2，看一看我上面写的和弦音，找到了什么？找到了。它是使用了G和弦的五音。
下一句“带出温暖永远在背后”。
（“带出”是上一个小节的弱拍音可以免去不谈，同时我也告诉了你一个原理――弱拍音在作曲中不存在有和弦上的影响。）
从“温暖永远在背后”开始，第一个音“温”用的是2音它与另外三个1以16分音符组成了这个节拍。而这个乐句所配的和弦是Am和弦它的和弦音是613。
好，在这个时候肯定所有朋友都会问我：
“2音并不是Am和弦里面的音，我刚不是说和弦音对重拍音的影响是决定性的，为什么又会用到和弦外音，这不会是不协调了吗？不会是跑调了吗？”
Don’t worry――且听风吟！没有风－出手解决不了的事。
第一， 单纯从概念的角度去分析，用2音确实是在Am上属于跑调了。
但是，你有没有发现这个16分音符的后三个音也就是“暧永远”都是Am和弦里的和弦音三音1。那么这说明什么问题？
这说明了一个倾向问题。例如：
你在一个空大的房间，所有人都大声说话，只你一个人小声说话，请问别人听得到你说的话吗？
当然不能，简单点说这个就是“人多打人少”你有理也没有。哈哈！
还有就是时值问题，2音只有一个16分音符的时值，而三个1有3个16分音符，你说你会听到哪个明显？
好又解决了一个，下一句。
“后”这个字所配的和弦是F和弦，它的和弦音是“461”。而“后”字的音符是6音，（自己看简谱）而6音就正是F和弦的三度音程音，所以说，，一理通百理明。是不是茅塞顿开呢？
在分析完这两个乐句话后，大家看出什么来了吧？
四个和弦，它的乐句的主音以三度音＋五度音＋三度音＋三度音这样子就等于搭起了一桥和声/和弦之桥。这些主旋律都对你的弱拍音起到决定性的作用。
所以说，该知我并非危言耸听了吧？同学们我们一定要练就一样乐器多点留意一下和弦和声学啊！
接着为大家挑些特别容易入门的和弦进行，好让你有作曲的素材。
以C调为例吧！
大调（明朗轻松型）：
C--Am—F—G（1－6－4－5）
C—G—F（Am）—G（1－5－4（6）－5）
C—Em---F---G（1－3－4－5）
小调（忧郁伤感型）
Am—Dm—G－Am（E）（6－2－5－6）
Am—Dm—F－E（6－2－4－3）
Am—G—F－E（6－5－4－3）
这几个都特别简单又好听，先记住哦！
好，讲了这么多内容，我猜你可能都还不清楚步骤，我来给你们讲讲。
首先，找张纸，写几句歌词，不要多，以简洁为主。等旋律出来了再加也不迟。
第二， 在上面我写的和弦进行了随便挑一个，然后用吉它随便弹，节奏随便你，只是节拍不要错，而且最好弹慢点。
第三， 然后脑中想一下你想模仿的或想写出的旋律，但注意不要刻意的去想，尽量让自己投入到自己的演奏中去。灵感这种东西可遇不可求。
第四， 当有眉目时一定要冷静的处理，不能一下子就乱唱乱弹，也不要马上去记谱，唱多几遍，直到你觉得没什么大问题，再把它记下来。
第五， 不要一味的弹一个和弦进行，要适当的变换下。 这会更能让你产生灵感。
第六， 要经常拿自己写的去和那些模仿对象比较。看看自己还缺少什么。
好了，关于作曲就说到这了。是龙是凤就看你自己了。拿起笔和乐器吧！
自学音乐这么久岂无感慨？我跟专业一点关系都没有，我也不是天才，我学吉它一年才会调弦。所以我能你也能，我以自己为例子给信心大家。
接触地下音乐这么多年，我发觉我们当初的定位都错了，中国永远都不可能是美国。中国人也不可能像美国人。我们不能一味的死磕摇滚，也不能一味的练技术不创作。
我的看法：
创作是防守。表现是进攻。
兵法有云：“只攻不守者，终将成疲兵”。所以你就会见到为什么这么多人会放弃音乐，因为你终会老，你的手的功能会随着岁月的摧残而渐渐老化，不再灵动。
但你的脑子却不会，你只要还有一口气的一天，你还没有神经病，你的脑子都可以在任何时刻发挥出你的想法与灵感。
创作就等于战场上的大后方源源不断的人力物资。你能拥有源源不断的人力物资，你就有与对方周旋到底的本钱。以守为攻，对方就算再强，只攻不守也终会被你击败超越。
我有一个梦想，马丁路德说的。我引用之。
假如我们全国现在喜欢摇滚的朋友们能拥有一定的创作能力的话，那么那些小看摇滚，觉得我们只会弹闹哄哄的五和弦的家伙们，他们一定会被我们踩在脚下。为了完成这个梦想，我们得自强不息不能被人小看，在我国目前的状况只有先跨越流行才能玩摇滚，罗大佑，beyond，何尝不是如此？如果没有Beyond与李延亮我敢断言今天的中国不会有那么多的人拿起吉它唱自己的声音，骂的人多，但欣赏与被打动的人更多。艺术要先植根于生活，想法要实际。不能太现实也不能太梦想。我们写一些流行的旋律不代表摇滚就死，像Bonjivl那种乐队是很值得我那学习的，他们要什么就有什么。摇滚乐也不是万能，什么心情就什么风格的歌，这才是真正的音乐。
为了完成这个梦想，我们一起没曰没夜的写吧！
电吉他练习应该有的过程
当你拿到电吉他的时候…你应该想到的是怎么去演奏他，对吧？学琴最重要的一点是~要有耐心！
首先第一阶段：基本功是最重要的，在这个阶段，大家要学习一些基本的乐理，包括音阶和和声，每天要有3个小时以上时间是在练习基本功 (这也是以后不能间断的) :
1. 爬格子：熟悉各把位的音阶，练习一些吉他教程上面的小练习，活动开你的手指，这段时间应该是最痛苦的，但是为了以后可以挥发自如的弹奏，这些是必须的，而技巧的练习也是必须的，比如垂、勾弦、颤音(揉弦)，推弦之类。
2. 熟悉和弦：把你知道的所有和弦，要明白他在各个调，是几级和弦，也就是吉他一开始所需要的和声学，转调，和基础乐理！如：一首歌C大调的和弦为1 6m 4 5 也就是 C Am F G那么到了A调和声是不变的，但是和弦已经变了！就应该为A Fm# D E大家应该好好学一下这部分，这是以后即兴演奏的基础！
第二阶段:歌曲的练习、节拍的掌握、速度与素材的累积
1. 这个时候就可以试著演奏一些歌曲了，包括弹唱和主音SOLO的练习，来说下弹唱的时候：记住一定要用和弦的标准按法来练习，保证每一个和弦的每一个音都能准确无误的发声出来，然后就要掌握好强弱拍和节奏类型，一首歌可以由好多种节奏类型的，再有就是要学著记和弦走向，就是分析这首歌的和弦，试著练习换调之类的，在练习主音SOLO的时候要注意，不可以只记把位的按法，要学著去记谱，就是说要名字自己演奏的每一个音的唱名，让你写出旋律的时候，可以用简谱来表达出来 记住一定要有节拍器，谱上是怎么写的，就要把节拍放到什么位置(可以由慢到标准速度)，还有就是~感觉！也就是SOLO的味道，这个时候你可以模仿原版~
2. 速度：速度是由慢而生！这句话的意思就是说，想上速度的话，必须把基本功打稳，比如说一个SOLO的标准是 每分鐘200的速度，但是你是无论如何也达不到这个速度，这个时候你就应该先把速度放慢，从80/分 开始，一点一点加到200/分，你要说了，一个练习就练这么久?? 对!你练上去一个速度，这个时候你的速度已经上去了，再拿到很熟的SOLO的时候，应该很快就可以练到标准速度
素材的累积：大家一定要问为什么人家即兴SOLO的时候会有那么多的句子可以弹出来?这跟素材累积和和声的学习，音阶的练习是分不开的，练一条要记一条的旋律 拿到哪个把位都可以弹出来~~换到哪个调都可以弹出来
转- 关于调整双摇琴的方法
关于调整双摇琴的方法,希望对琴友能有帮助
看过了其他琴有的调整双摇的方法,想把自己看过的一个老外调FloydRose的过程说一下.
这个办法我个人觉得比较巧妙,但不适合经常性的如此调节,为什么,您往下看.
(小弟不会贴图,尽量用语言表达)
以常见的原装或授权FloydRose系统来讲,首先把吉他后盖拆下,如果你还没有上弦的话,现在琴桥会因为弹簧的拉力呈向下紧贴琴体的状态.
1. 好,现在把弹簧固定在琴体那一端的两颗螺钉往外松一些,如果你想调标准音高,稍微把螺钉拧出来一点就可以,如果你想降弦,那就多拧一点.
2. 找一块火柴盒大小的质地硬一些的木头,削到一定厚度,这个厚度是多少呢,将此木块夹在琴体背面,琴桥系统和琴体之间,压摇把,让琴桥颤动的部分与琴体把此木块夹紧,琴桥正好水平,那么这就是咱们需要的厚度,这块木头日后就可以一直用了.
3.现在开始上弦,每上一根,不用调到想要的音高,拉上点劲就可以.上完全部6根,开始调弦,调到你要的音高,注意,那块木头是要夹在原处的,因为一开始咱们把弹簧向外调整,现在无论你调的是标准音还是降音调弦,弹簧的拉力都会小于弦的拉力.现在弹簧上的力和木块顶着的力二力的合力与弦的拉力平衡,这点大家不会不明白吧.
4.好,现在你的弦已经调准了,可木块还在那夹着呢,用改锥(螺丝刀)将固定弹簧的两颗螺钉往琴体里拧,千万要一点一点的来,拧过了之前的可就白调了.两颗螺钉交替着拧,直到木块自己松落.这时弹簧上的力和弦的力是平衡的,木块当然自己就掉下来了.
到此为止,你的弦音高是对的,弦上拉力和弹簧拉力相等,琴桥位置水平.OK!开始练习吧!
此方法是从一个视频中看到的,从哪个网站下载的不记得了
！！！非常好的教程－－【混音的初級概念】国内著名音乐人大头亲笔撰写
【混音的初級概念】
很多人在剛開始接觸混音的時候都認為混音是一個既好玩但卻不容易上手的工作，對於一個新手來說，一開始踏入混音的領域當中常會有令人摸不著頭緒的情況，當一堆聲音放在面前的時候，就已經感到天昏地暗，更不要說要從何下手，也因如此，所以我想多寫寫有關初級縮混方面的文章來和大家分享，也讓想深入了解縮混的音樂人明白一個初級的混音需要具備哪些知識。
本人在這行闖蕩多年，經歷許多的專輯錄製及縮混，但就個人而言，我倒認為混音就像是和聲音玩魔術一樣，看你如何利用現成的工具去創造一首不錯的作品，尤其現在的錄音混音的設備已越普及化，我希望能多闡述一些混音的概念而不是一昧教條式的教程，有了這樣的方向，我認為從觀念著手會比告訴大家如何按部就班的混音來得更適合，或許有些人不認同我的說法，但是音樂是活的，決沒有一首歌是可以靠公式就可以縮混完畢的，所以我們先從混音的基本思路開始說起，在此我想把一些我對初級混音的觀念做一個整理，我把它分為三大類，就叫它是混音三部曲吧，
[ Last edited by 爱你 on 2005-10-19 at 03:25 PM ]
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状态 离线 #2发表于 2005-10-19 15:20 资料 文集 短消息
首先要談到的就是初級混音三部曲之一 ( 讓耳朵熟悉您的監聽環境!! ) 。
首先看到這個題綱一定會讓很多人詫異，為甚麼要先說這個呢，其實很簡單，一首歌混音是否成功，完整性的監聽環境才是重點，很多人花大把銀子去改善設備，可對這一環節卻相當忽視，殊不知花了大把時間在縮混上，但是做完的東西和別人一比簡直是十萬八千里，歸咎原因後去質疑自己縮混的能力或者是效果器的參數設定不正確等等…，其實關鍵不在這，問題的重點就是您沒有一個真正好的及正確的聆聽環境，雖然自己在家裡縮混不可能像在大錄音棚裡有一樣的監聽系統及環境，但是我們可以做一些方法來改善，打個比方，首先您需要一張混得還不錯的專輯（最好是自己最喜歡聽的﹚當作調適用的樣帶，然後把它聲音放出來用耳機及音箱相互比對，仔細去聽Kick Drum、Bass Guitar及Vocal的差別﹙包含音源的位置及混响空間的定位﹚，然後嘗試去改變你聽音樂的位置及音箱左右的擺放調整，如果還不行的話，你可以將監聽環境做一番小小的裝修，比如加上吸音棉或是反射板之類的等等…，儘可能使你能聽見Mix的細微變化，這種變化包含音色及音量的部分，當測試完後，我希望您能再換幾張CD去做對比，這樣的反覆測試更能取得一個監聽環境的平均數值，雖說這是小事，但是它對於您的作品呈現將會起相當大的作用。
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状态 离线 #3发表于 2005-10-19 15:20 资料 文集 短消息
接著是第二部分，初級混音三部曲之二 ( 要混音前，先學會聽音樂!! )，在了解自己工作的監聽環境後，你應該多去觀摩別人做出來的混音作品，這個部分是最基礎也是最重要的，為甚麼要多去聽別人的作品，原因很簡單，我列舉幾個重點供大家參考。
1.)了解音樂的特性，首先要當一個專業的混音師，是有必要去了解各式音樂類型的，就好比一個廚師他要去熟悉各個地方菜系特點一樣。好比搖滾樂（Rock）它的組成是可細分出Hard Rock，Folk Rock，Punk Rock…等等類型，甚至從Rock的元素所研發出來的重金屬( Metal )音樂你都得必須要了解，目前除了搖滾樂外還有許多大家都挺熟悉的音樂類型，這個部分都可以在相關書籍或是網路上找到，在此就不多做介紹了，回到正題，那為什麼要去了解這些類型的特性呢，原因其實很簡單，就是希望你縮混出來的作品不要成為四不像，就像麻婆豆腐裡不會沒有放豆腐的道理是一樣的，為什麼呢？因為每一種的音樂元素都有它獨特的風格，像Jazz樂有其專屬的Jazz音階，R&B有特有的節奏型態和和弦，這些都是歌曲的靈魂，也是混音時必須掌握的重點，再舉個例子大家應該會更明白，現在有一首硬式搖滾的歌交給你去縮混，當你縮混完後把失真吉他及鼓組處理的很小聲的話，那聽起來會是一首多麼不協調的歌啊？追究原因後其實並不是你的聽覺有問題，而是你沒有抓住音樂的重點，就像抓癢沒搔到癢處一樣，所以說每一種類型的音樂都有它的靈魂中心，也就是你必須得凸顯出來的主題，除非這個編曲不懂音樂，要不然你是很容易且有必要的將這個精神主題明顯化的。
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状态 离线 #4发表于 2005-10-19 15:21 资料 文集 短消息
2.)知道有什麼，該擺在哪裡，很多剛踏入混音階段的錄音師是不知道樂器該如何擺放的，這個除了平常多聽音樂外，你還得多去了解音樂裡的樂器種類和它們的相關歷史，比如一個交響樂團你要很清楚知道所有的弦樂管樂及打擊樂它們彼此的關係，還有它們為什麼要如此安排每種樂器及各種聲部的位置？這些其實都是有道理可循的，把這個觀念應用在混音上你就會更明白樂器的擺放會有多重要，因為不同種類的歌都有其專屬的配器和位置，我常常聽到一些新手混出來的作品讓我感覺很彆扭（例如鼓或者管絃樂的樂器位置亂擺，比如把Hi-Hat及Float Tom都放在同一邊等等…），並不是這些新手不懂修整音樂，而是這些在現實狀況中不可能發生的錯誤，混音師一定要先察覺到，明白了這些環節後，我覺得大家有時間的話更應該去觀摩國內外一些好的縮混作品，去聽聽這些大師們如何去”放”聲音，聽聽歌曲的走向，混音上的新手法而不是只聽旋律優不優美、動不動人而已。另外還有一點就是要希望大家多聽音樂，要明白好的混音除了自身的創作外，還得靠過來人的經驗去積累的，要懂得有效率去聽一首歌當中有哪些變化，聲場要如何設計，動態如何處理等等…。
3.)音樂的畫面性，說到這裡肯定很多人更覺得抽象了，沒錯，音樂就是個抽象的藝術，它看不到也摸不著，你必須得跟著音樂的情緒舖陳去感受，感受歌曲旋律及歌詞帶給你的每份驚奇和感動，當然還要有好的編曲和高質量的錄音混音。音樂它的抽象性更不同於繪畫，繪畫給你的是靜止的感受，而音樂給你的卻是動態的感官刺激，把音樂當作是動態的畫片我想也不為過，它的構圖原理和作畫是一樣的，現在我們就拿一幅畫來舉例大家就會比較明白。
大家都看到上面的風景畫了吧，很多人會開始質疑縮混和畫圖有啥關聯？先別著急，讓我們仔細去看這幅畫，你發現了什麼？有沒有看到遠距離和近距離的變化？沒錯，這就是踏入縮混的第一課《空間的架構》，先不管我們的素材是什麼，你可以看到當近距離畫面呈現時，它是一個輪廓很鮮明的圖案，草的顏色和形狀都非常清楚，反之，呈現較遠的山脈，它的色彩表現就越顯黯淡且模糊，從這一點得知，當你在建構音樂空間的時候，層次的安排會是一個多麼重要的課題。剛接觸到混音除了要考慮畫面的整體性之外，我們還必須將歌曲的順暢性一並考慮進來，關於這部分在以後的教程將會說到。
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状态 离线 #5发表于 2005-10-19 15:22 资料 文集 短消息
當大家對踏入混音階段有一定的認識之後，我相信現在一定有不少人在罵我們了，為啥講了一堆廢話還沒提到縮混的正題？是不是存心要跟我們過不去？其實不然，我只想先闡述一些縮混觀念上的東西，一旦觀念及方向導正之後，以後當大家遇到縮混上的問題時，至少會有一個比較正確的邏輯思維能力來處理問題。
嘻嘻，那就繼續往下說吧。
再來要提的就是初級混音三部曲之三 ( 營造並享受音樂給您的激情!! )。說到這個話題，我想先和大家探討一下當一個混音師在面對音樂時應該保有一種什麼樣的態度，常常有人說混音是個純技術活，這點我不以為然，這話怎麼說呢？我認為一個只會幹技術活的混音師是決對混不好一首歌的，這話或許說了重些，但我始終相信縮混也是一項必需投入創作的工作，就像詞曲創作一樣，所不同的是詞曲與編曲的創作是屬於無中生有的想像而訴諸執行的創作，而混音是就現有的音樂素材來進行加工的創作，所以說混音師就像個精雕細琢的工匠一樣，當然這個工匠是可以隨時更換必要的器具和素材來進行創作的（就好比選用適合的EQ、混响、Compressor等等或者去Triger一個新的音色），這個部分我們會在以後講到。
談到音樂給您的激情可以說是個很廣義的範圍，它包含了音樂元素給您的創造力，曲與詞相加的想像力，還有個人風格的詮釋力。但是這個激情您能發揮多少全得看待您面對這首歌時能不能與您產生共鳴，所以說混音還不光只是個技術活，它還需要一個混音師在一個對的時空中創造對的音樂，這個部分說容易很容易、說困難也有一定的難度，只好靠您平時的細心領會，畢竟音樂是個很主觀的藝術，您唯一能做的就是把歌混好，讓賞識您的製作人能和您一同合作下去！
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状态 离线 #6发表于 2005-10-19 15:23 资料 文集 短消息
空間的架構取決於聽著對於環境的臨場感覺
聲音的遠近除了音量的大小之外還有就是混响空間的變化
而編曲在聲音的空間架構上可以不必多做處理
反倒是特殊的效果可以事先做好
另外一點經驗就是
編曲的聲部及和聲如果很豐滿的話
這歌混出來通常不會差...
大头梦版麦克风教程连载
大头梦版麦克风教程连载
麦克风是什么？对于录音师来讲，麦克风就像男人的JJ。麦克风是所有的录音过程的最直接也是最重要的环节，就象JJ一样永远在前面冲锋陷阵。其余的环节如效果器，调音台，录音设备就如同人的腰子，睾丸等等，腰再好，JJ不勃起，你啥事也别想干。同样的道理，你别的设备研究的再透彻，不会用麦克，你也不可能录好音。
现在的新手学音频技术，往往是从CUBASE等软件入手，下载了一堆巨大的音色和一堆莫名奇妙的效果器，很少有人关心麦克风这个最原始的环节，最多有人偶尔问问：这个牌子的麦克风怎么样？和U87差多少之类的问题。却很少有人问，这个麦克风是什么样的麦克风？应该怎么用？为什么这么用？为什么不那么用？
好的录音占整个音频制作过程的百分之七十的分量，而麦克风的选择和使用在录音过程则占到百分之七十左右的分量。由此可见，麦克风在音乐制作中的重要性。
有人要说，老子有钱，买它一箱U87，或者挑最贵的买，随便怎么用效果都好。请记住，对于麦克风，有一条定律就是：没有最好的，只有最合适的。在某些情况下，U87用起来不如30块钱一根的步步高。
从今日起推出大头梦版麦克风傻瓜教程系列，希望各位大师补充指正，为全体音频的弟兄JJ勃起而贡献一份微薄的力量，未今所有回帖人同意，严禁转载。
今天首先讲的是麦克风的分类，麦克风的分类有两种，一种是根据声电转换方式来区分，一种是根据音头构造来区分。
根据声电转换的方法我们可以将麦克风分类为：
一：动态麦克风：依靠线圈或者铝带在磁场中的震动产生电信号的麦克风。
动态麦克风又分为两大类：
1， 动圈麦克风
2， 铝带麦克风
二：电容麦克风：依靠震膜与电容背板在震动中的不同距离来产生电信号的麦克风
电容麦克风又按震膜大小区分为大震膜和小震膜。又根据电容背板分为真电容和极柱体麦克风。又可根据信号放大电路分为电容和电子管麦克。又根据信号平衡整流方式分为变压器平衡电容麦克风和非变压器平衡电容麦克风。
三：压电麦克风
四：电阻麦克风
其中压电麦克风通常用于电箱吉他拾音，电阻麦克风主要用与电话。两者的频响范围很窄，所以在教程里不进一步介绍
根据音头构造我们可以将麦克风分类为：
一：压力接受式（封闭式）：震膜后的音头为封闭式，震膜只有一面可以接受声压。
二：压力角度接受式（开放或半开放式）：震膜后的音头为开放或半开放式，震膜两面都可感应声压。
未完持续
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状态 离线 #2发表于 2005-10-19 16:02 资料 文集 短消息
封闭式音头是只有一面能感应到声压的音头。来自正面的声压直接到达震膜，来自背面的声压绕过音头外壳，也在正面被震膜感应。所以封闭式音头的指向性是全指向性。当然随着频率的声高，指向性会从逐渐全指向变为胖心型，心型，超心型。所以大多数厂家在标明指向型时回用不同的虚实线表明话筒在不同频率段的指向型，全指向话筒通常指话筒在1KHZ时的指向为全指向，所以全指向话筒在使用中仍然要注意正反。
半开放式音头则根据开放程度的不一，产生话筒的心型，超心型指向。以心型话筒为例，音头低壳允许声压透过，使从180度角度穿来的声波，在透过低壳到达震膜背面和从正面绕过外壳到达震膜正面的压力相当，从而完全抵消，而使从180度的声音完全过滤，从而产生心型指向。
全开放式音头则产生8字型指向，原理是从90度或270度（侧面）传来的声波分别绕到震膜的正反面后，在震膜的两面产生同样的声压，完全抵消。
很多小震膜电容麦克风配有不同的音头可供选择，如AKG的SE300B等，在需要不同种类音头的时候直接拧下来换上一个就成。而很多大震膜电容麦克风的指向性选择则是通过两个背靠背的心型指向音头产生的信号叠加处理完成的，具体叠加方式入图。
麦克风的音头构造的意义不仅仅体现在指向性上，还体现在音色和效果上。封闭式音头拥有更好的自然纵深感，同时在低音部分有优良的表现。而半开放或开放式音头则会产生近讲效应，在舞台上可以让歌手方便控制自己的音色。
名词解释，近讲效应：随着音源和音头距离的接近，低音部分明显声高
严重拉肚ING，拉屎去了。
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状态 离线 #3发表于 2005-10-19 16:05 资料 文集 短消息
动圈麦克风
大家都知道，录音棚里录人声基本都用电容麦克风，有人说因为电容麦克风专业，那为什么舞台上不用？
动圈麦克风是依靠震膜上的线圈在磁场中的震动产生电信号的麦克风，因为线圈始终有一定的重量，所以动圈麦克风在感应到震动产生电流时都需要一定的“起始”时间，在声压震动结束后都有一定的“惯性震动”时间。所以动圈麦克风的频响不如电容麦克风平直。
由于动圈麦克风本身没有信号放大电路，依靠线圈在磁场中产生的电压是非常可怜的，大约只有2到5毫伏，而电容麦克风通常输出电压为10到30毫伏。所以动圈麦克风没有电容麦克风那么灵敏。灵敏既是好事也是坏事，在录音棚里，高灵敏度能捕捉到更多的细节，在舞台上高灵敏则创造了低躁和啸叫。
动圈麦克风的另一个优点是他的最大声压值很高，可达到150dB到160dB，所以可以用于在声压很高的情况下使用，比如近距离录制管乐器，鼓，吉他贝司音箱等。如果在近距离用电容麦克风录制以上乐器的话，你会得到一堆失真的暴音。注意区分最大声压值和动态范围的概念，最大声压值等于动态范围加低躁
通常动圈麦克风因为音头和外壳产生的共振，会在100MZ和3KHZ附近产生两个小峰尖，又因为本身震膜的重量对高频表现不佳，在16KHZ后有严重的衰减。这个频响正符合低鼓EQ上我们想要的，所以有很多特殊的低鼓用动圈麦克风能把很普通的低鼓直接录出很好的音色。
动圈麦克风的另一大优势是结实耐造。歌手在舞台上一激动，趴，麦克摔了。没事， 拣起来继续唱。鼓手不小心一锤子砸麦上了，没事，继续打。你换一电容试试，录音师得心疼死。
说到心疼，动圈麦克的价格的确和电容有天攘之别。在中国产的电容麦克冲击世界市场前，几乎没有一根大震膜电容麦售价低于1万人民币，而一根非常不错的动圈麦克风的售价往往也就只有人民币2000不到。
动圈麦克风大多带有指向性，用于舞台上减低啸叫和环境噪音。所以音头大多是压力角接受式，所以大多数动圈麦克风具有严重的近讲效应。近讲效应在舞台演唱中，作为歌手一个能实时控制的EQ，有其方便的一面，但在广播录音等场合却是个严重的麻烦事。所以有那么一些动圈话筒是频响平直，几乎没有近讲效应的，如EV的RE 20。
动圈麦克风也有个别的是全指向的，在乐队现场录音和扩音中常常是录音师的秘密武器，录出的乐器非常有层次感，要知道，在后期通过效果器调整出的层次感是远不如现场直接录得的层次感的。
列出以下几根录音师不得不知道的动圈麦克风，不知道的去GOOGLE上搜索一下各自的特性及用法，默记20遍。
SHURE：SM或BETA系列，重点是52，57，58。52是标准的低鼓麦，57是标准的乐器或者音箱拾音卖。58可以说是全世界卖的最多的一支舞台用人声麦，卖了有40年左右，仍然畅销。
SENNHEISER 老MD系列 421U，441，新的EVOLUTION系列，老的 E6系，新的E9系，录音师买起来都是一箱箱的买，一套套的买。
AKG的动圈卖的品种很多，可我用过的不多，但最著名的D112是录音师对付便宜低鼓的不二法宝。无论津宝还是大名，通通能录出牛声。当然摆位和鼓的调整也很重要。
EV最著名的就是那根RE 20了，这两年好像出了后续款，但似乎骂声一片。如果是广播录音，就RE20吧。
NEUMANN出的动圈不多，但近年也出了根有根用于广播录音的动圈麦克风，BCM 705，据说近讲效应的消除不如RE20，别的情况不明。
音频应用，THE ONE，驴赶快送根给我研究研究。
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状态 离线 #4发表于 2005-10-19 16:15 资料 文集 短消息
铝带话筒
现在这年头知道铝带话筒的人越来越少了，铝带话筒，顾名思义，是依靠一根很小的铝带作为震膜，依靠其在磁场中的震动产生电流，再经过变压器变压变阻，产生可进入话放的麦克风信号。
铝带话筒的历史悠久，在电容话筒出现前，30年代所有的录音棚都拥有几根铝带话筒作为录音的主要设备。最著名的就是AEA公司1930年的产品RCA 44BX，后来这公司也不知道倒闭了还是重组了，后来前几年好像出了个复古的R44C。目前市面上比较著名的几根铝带是COLES 4038，BEYERDYNAMIC的M160 M130，这几根价格从200到2000美元不等，但无一不是录音师在录音中或者现场扩音中的秘密武器。
铝带话筒的特点如下：
声音温暖结实无比，听过一次就终身难以忘记。
信号很小，对话放要求很严格。
灵敏度不高，频响也不是很平直，但很有自己的风格。
特别容易损坏，而且要严格注意幻想供电开关。这和动圈话筒不同，动圈话筒开不开幻想供电问题不是很大，而铝带话筒则可以做到一开就烧。不但一开就烧，而且一摔就坏，喷上点口水更是完蛋，所以要保护的非常小心。
今年的法兰克福琴展上无意在宁波某话筒厂的展位上淘到一根铝带话筒，是该厂按订单给国外公司OEM的。琴展上以半价买下，拿回来后在几次学校麦克风比较WORKSHOP上试验了一下（我们通常称这种为麦克风开会，一次用16根档次不一的麦克风排一块挨个比较），除了8字两面声音不一样（不知道是怎么装的），高频不够亮外，基本还算满意。只是拿去和我老师的M130放一块录就显的很操蛋，当然两者的价钱也相差好多倍。
其实铝带话筒作为家庭录音小作坊来讲是个很好的选择，因为铝带话筒录出的人声充满模拟录音那种温暖感，而且非常结实。同时灵敏度不象电容麦克那么高，对于没有条件把电脑和录音区隔开的朋友来讲也是个好事。而且和名牌电容麦比，价格也有优势。只要买个好点的单路话放就一切OK，而且还可以用与现场演出，我目前唯一放家里录着玩的话筒就这根宁波产的铝带，别的再好的电容在家里也没有办法录。
说了这么多，最后再强调一遍，用铝带话筒前千万要做的两个准备：
1，检查你的幻想供电是否关掉
2，防喷罩是否安装好
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状态 离线 #5发表于 2005-10-19 16:17 资料 文集 短消息
电容话筒：
电容话筒：
电容话筒可能是这里大家最关心的部分了。飞乐话筒好不好？NT3好不好？驴的那个NB-1好不好？U87为什么卖的贵？专业棚里的电容话筒和自己家里的有什么区别？
我在一片闪光灯中清了清嗓子：这些问题，无可奉告！人群顿时散去一大半，剩下的同志将得到一份大礼，电容麦克风的构造以及使用。
先丛电容麦克风的构造开始讲起，电容麦克风分为四个部分讲：音头，整合电路，平衡转换，供电。
音头：
电容麦克风的是音头是一个电容，电容的一极是震膜，另一极是背极板。当震膜随着声音震动时，改变了与背极板之间的距离，从而产生电压的变化。震膜一般是一层极薄的金属膜（大约5到10微米厚），也有用金属化的PVC材料代替的。最早的电容话筒的震膜，NEUMANN的M7系列音头就是采用的PVC材料，但PVC材料有个致命弱点，时间长了后会变脆变硬，所以现在的话筒中少有采用。
根据震膜的大小将电容话筒分为大震膜和小震膜，一般来讲震膜大于一英寸的城为大震膜，当然0。9英寸的也可以勉强算在大震膜里。小震膜话筒的直径一般在10毫米以下，只有半英寸不到。大小震膜又分别有什么特性呢？
一般来讲大震膜话筒灵敏度稍高，声音丰满。大多数大震膜话筒的指向性可通过话筒上的开关选择，具体原理见前面音头构造部分所讲的。少数型号的大震膜话筒只有心型指向，音头少了一半，电路少了一部分，成本自然就降低了。大震膜话筒通常用于人声语音或频率范围中低乐器的录制。
小震膜话筒声音冷而亮，这和小震膜的尺寸有关系。大家设想一下，一个高频的声音到大震膜后会在震膜表面产生一系列的小形变。当这种几个小形变同时产生与震膜表面时，震膜会产生部分凹陷，部分突出的现象。这种现象我们称为干扰效应，这个干扰起始频率可以很简单的由震膜的大小计算出。比如一个震膜直径为5MM的小震膜话筒的起始频率为7KHZ左右，所有这个起始频率的整数倍的频率都会受干扰效应抵消。同样一个直径是25MM的大震膜话筒，它的其实频率从1。3KHZ就开始，也就是说所有1。3KHZ的整数倍频率都被抵消，其他高于1。3KHZ的频率也或多或少的受干扰效应的影响，所以大震膜话筒在高频的表现不如小震膜。也因此显的更温暖丰满。小震膜话筒对人声中的喷音以及吃音极度敏感，而且声音偏冷偏亮，所以通常不会用与人声的录制，无论是语音还是歌唱。但作为非电声乐器的录制，却是最常用的工具。如木吉他，小提琴，钢琴，鼓的OVERHEAD录制，通常小震膜话筒都是不二选择。
提到音头不得不提一下驻极体话筒。驻极体指的是电容中震膜和背板之间通过材料保持一定的偏压。这个内部偏压大约在100到200V之间。这么大的偏压产生的最显而易见的好处是降低了生产工艺的难度和成本，通常一个“真电容”麦克风电容音头两极的间距只有20到50微米，震膜是只有5到10微米的金属膜。而驻极体电容话筒可以大大放宽两极之间的间距，震膜也用其他极性合成材料代替。所以通常驻极体要比“真电容”便宜的多，如AKG的C2000，3000，4000，铁三角的4033等。过去的驻极体有个毛病，就是时间长了后电容会自然放电，降低电容的偏压，而现在的新工艺则避免了这个缺点。但从技术参数上始终达不到“真电容”那么高的标准，同时声音也比不上好的“真电容”自然。其实驻极体技术本身并不比“真电容”差多少，只是由于生产工艺简单，各个小作坊都可以粗制滥造所以败坏了它的名声。
整合电路：
音头出来的信号需要经过一个整合电路转换为麦克风信号。这个整合电路主要分为两种，一种叫NF电路，也就是低频电路。这种电路普遍用于广大电容麦克风，麦克风信号进入一个前级放大器升压降阻，如果这个放大器采用的是真空管放大，这就是我们通常所说管子麦。
另外一种叫HF电路，也就是高频电路。只有少量的小震膜话筒采用这种整合电路，其特点是高频表现突出，代表产品是森海的MKH系列，Mkh是德文Mikrofon Kondensator Hochfrequenz的缩写，意思是高频电容麦克风。
麦克风信号需要在麦克风里经过一个平衡电路转换为平衡信号并降低阻抗输出，平衡和不平衡的知识稍候再开贴普及。总之平衡的方法有两种，就如同DI BOX有主动和被动一样。一种是电路平衡，一种是变压器平衡。最早的平衡方法一直是变压器平衡，大多数麦克风也都是采用的这种简单经典低成本的方法。到了70年代末，NEUMANN觉得得开发个新方法来卖他们的麦克（又是这群孙子第一个发明的），于是在1983年推出了他们的TLM系列。TLM：TRAFOLOSES MIKROFON ，无变压器麦克风。另外一个比较著名的例子是AKG的C414，大家都知道C414有金色和银色网罩两宽。金色那款叫414-TL的是非变压器平衡，银色那款是变压器平衡。至于两种平衡方法的好坏无从评价，但各自的优点倒可以一说。变压器平衡的优点是声音温暖，非变压器平衡的特点是灵敏度高，大家找两个414一比便知。
最后谈一下幻象供电，幻象供电分三种，48V加减4V的，24V加减4V的，12V加减4V的。后两种在日常生活中（昏）比较少见。但在不少电影或电视录音用的麦克风中会遇到，所以在拿到一个电容话筒的时候还是最好先看一下说明它的供电是多少的，话筒上通常会标住P48，P24，P12加以区分。最常见的48V供电很简单，XLR接口1接地，2和3都是正48V直流电。（不是正负！）
另外我们常看到的领夹式话筒大部分也是电容话筒。当然，其中大部分都是驻极体的。所以这些领夹式MINI话筒也需要幻想供电，通常配套的无线发射器上会通过电池对他们供电。
总之，电容麦克风有着高灵敏度，频响宽且平直的特点而广泛的被应用在录音场合。但通常情况下它的最高声压值明显比动圈麦克风小20分贝左右，所以不适合用于录制产生很大声压的乐器和音箱。当然也有个别厂家通过特殊手段达到了这个目的，比如DPA的高压麦克风系列。
最后列举以下不得不知道的著名电容麦克风：
NEUMANN U87，U89i,你不知道？你可以去继续看黄色网站了，这没你什么事了。M149和其他M管麦系列，TLM大震膜系列，以及KM小震膜系列，当然还有别的，NEUMANN所有的东西你都要看看。
森海 MKH系列，重点是MKH800，那根频响到50KHZ的香槟色麦克风，我昨天刚摔了它一次，好在摔在叠在一边的衣服上而且没人看见。此外要强调的是MKE系列MINI小话筒。当然，森海也同NEUMANN一样的待遇，全系列都要了解。
AKG，C414的两款，C12 VR 管子麦。个人不太喜欢C12，但名气大大家还是了解了解吧。另外AKG比较卖的多的是“蓝线”系列，AKG SE 300B，特点是可更换音头的小震膜话筒。
BEYERDYNAMIC，拔牙的电容麦常年处于半死不活状态，有小部分人喜欢，但不是特别出名。最出名的是是MC 833，一根被称为PARKUHR的立体声麦克。PARKUHR的意思是停车位旁边那种计时器，的确这麦克风长的挺象那样的。
SHURE的SM81也是很经典的一宽小震膜。坊间有那么种传说，用一对SM81做OVERHEAD录鼓，你拿一锣当CRASH也能录成那种经典的ROCK AND ROLL的鼓镲。
SCHOEPS 小震膜话筒极品中的极品，个人而言录音乐会上传统乐器的最爱。可惜就用过一次，以后我们老师就再也舍不得拿出来给我们糟蹋了。
BRAUNER 如果上天给我一个机会，免费送我一根麦克风的话，我肯定会选择：来根VMA。如果上天再给我一个机会的话：我会说：再来一根给我录STEREO。上天：你*就不能选点别的啊。
BLUE：和BRAUNER一样，BLUE的特长也是管子麦。著名的是那个大瓶子，第一次看见吓一跳，这么大个，里面起码可以灌个1。5升可乐。据说不错，可惜一直没有机会用过，欧洲人对澳洲人感冒，觉得那地方除了袋鼠最多造点牛奶。所以周围一直没有人买一根回来请我去糟蹋。
RODE：不用我多介绍了，国内卖的太火了。但似乎怎么也脱不了二流产品的帽子，谁用RODE就注定他收不出棚费。一个题外话，关于地球人都知道的NT2的鲜为人知的故事：大家都知道，NT2（不是797后来出的了，后来出的变味了）最早是仿造U87的。公元199X年，NEUMANN一纸诉状将RODE告上法庭。所以到现在德国都不允许销售NT2，德国所有的NT2（包括我们学校的两根）都是从别的国家搞来的。
MICROTECH GEFALL：国内用的人似乎不多，但用过的都说好，其中M930大震膜做小震膜用，以及UM900管子麦都是行家的秘密武器。
铁三角：前几天论坛里有个卖得胜的到处推销得胜话筒，因为铁三角有部分便宜货是得胜待工的所以他又发贴讨论铁三角好不好。我的答案是铁三角是便宜货里比较中性的话筒，但音质始终上不到高档次上。其各档次大震膜和RODE各个产品大概同一水准，但因为是日货，大家千万别买。
其他好话筒：这就海了。很多牛的话筒都是手工小作坊出的，厂家规模不大，东西产量不高却非常有名而且狂贵。基本上一根麦克风可以够普通老百姓在北京生活个一两年，在偏僻山区可以过一辈子了。DPA，声乐士（注意不是台湾那个超乐士）等等，不一一列举。
其他便宜话筒：包括各种中国货和前苏联货。其特点是：外形牛（我在琴展上看见和BLUE大瓶子一磨一样的俄罗斯话筒了），指标高超（光看技术指标，绝对比U87优秀，那频响平直的在上面开飞机）。拿到手后有人中奖，有人骂娘。原因，生产检测落后，质量差异巨大。当然音频应用的999套餐没有这个问题，每根都经过驴吼测试，当然还是有大奖等着您，那就是防护罩上可能能找到驴的口水哦！（最后这句一定要用林志玲肉麻腔调念）。
写的我天昏地暗，歇几天先。
想要练习即兴的朋友就进来看看！
和弦的构成！
献给初学者和进阶的吉他手们!
吉他上的和弦有九千多个，我们怎么记亿这么多的和弦呢？先来看看C系列的和弦。
和弦名称 组成音 记法
C大三和弦 1 3 5 C
C小三和弦 1 b3 5 Cm
C增和弦 1 3 #5 Caug
C减和弦 1 b3 b5 Cdim
C挂四和弦 1 5 4 Csus4
C六和弦 1 3 5 6 C6
C小六和弦 1 b3 5 6 Cm6
C大小七和弦 1 3 5 b7 C7
C小七和弦 1 b3 5 b7 Cm7
C大七和弦 1 3 5 7 Cmaj7
C九和弦 1 3 5 b7 2 C9
C小九和弦 1 b3 5 b7 2 Cm9
C七减五和弦 1 3 b5 b7 C7-5
C小七减五和弦 1 b3 b5 b7 Cm7-5
C大九和弦 1 3 5 7 2 Cmaj9
C十一和弦 1 3 5 b7 2 4 C11
C小十一和弦 1 b3 5 b7 2 4 Cm11
C十三和弦 1 3 5 b7 2 4 6 C13
C七挂四和弦 1 5 b7 4 C7sus4
C减七和弦 1 b3 b5 bb7 Cdim7
这20种是现代音乐中比较常用的和弦。记忆这些和弦是有方法的。
先来看看英文单词的意思。Min是小的意思，Augmented是增加的意思。diminished是减的意思。Suspend是挂的意思。major是大调的意思。
我们先来把和弦分为两类，1 3 5类和1 b3 5类。 1 3 5 是C，1 b3 5是Cm。
六和弦在上面加上六度音。C6就是 1 3 5 6，Cm6就是1 b3 5 6。
七和弦在上面加上七度音。C7就是1 3 5 b7，Cm7就是1 b3 5 b7。而Cmaj7就是第七度音不要降，组成大二度音1 3 5 7。
九和弦在上面加上七度和九度音。C9就是1 3 5 b7 2。Cm9就是1 b3 5 b7 2。而Cmaj9就是1 3 5 7 2。
同理我们也可以推出C11就是1 3 5 b7 2 4。Cm11就是1 b3 5 b7 2 4。C13就是1 3 5 b7 2 4 6。
什么是增和弦呢？就是两个大二度的和弦，Caug的音就是1 3 #5。减和弦就是两个小二度的和弦，Cdim就是1 b3 b5。
什么是挂四和弦，挂四和弦就是挂留四度音，1 3 5 变成了 1 4 5 。Csus4就是 1 4 5。
C7-5就是在C7的基础上降低5度音，音的组成就是1 3 b5 b7。
最后是C减七和弦，Cdim7就是在Cdim的基础上在减去七度音，音为1 b3 b5 bb7。这样我们就可以将20个和弦记住。
这是C系列的和弦，其它象B系列，我们只要用首调唱名的方法。B为1 3 5 ，这样就可以推出其它和弦。
如何记忆和弦在吉他上的把位，这说几点必须记忆的内容，更好的方法在高级教程中在论述。
我们必须记忆的常用和弦：
第一把位的大三和弦，C、D、E、F、G、A及它们的七和弦。
第一把位的Cmaj7、Damj7、Emaj7、Fmaj7、Gmaj7、Amaj7和弦。
第一把位的C9、D9、E9、F9、G9、A9和弦。
第一把位的C6、D6、E6、F6、G6、A6和弦。
第一把位的Am9、Dm9、Em9和弦。
第一把位的Am6、Dm6、Em6和弦。
第一把位的Csus4、Dsus4、Esus4、Gsus4、Asus4及挂四七和弦。
第一把位的Ddim7、Eaug和弦。
为歌曲编配和弦！
一、定调。
1、首先你必须确定这首歌是什么调的，从总体上说它是大调还是小调，主歌到附歌之间有无转调，这样在一首歌大体听下来的时候基本上有个定位。
2、准确定调时每个人都有自己的不同方式，如耳朵好的可以听主音（即一首歌里最稳定的音，绝大多数歌都是从主音开始，最后再回到主音）甚至直接听主和弦。
3、如果耳力不是很好，笨办法就是套用指型，你把一首歌的主旋律弹出来，然后看它用到的是五种基本指型的那一种，再根据你扒出来的把位，就可以推算出调式来。
4、有两点需要注意：许多电吉他用的是降半音调弦，而另一些歌曲在录音时磁带最后播放出来的音会比当时的现场音高半个音，这样要根据自己判断加以修正。
二、初步编配（均以C调为例）。
初步编配时应该已经初步定出了这首歌的节拍，大概的把这首歌分成各个小节。然后基本遵循以下几个原则去编配。
1、本小节出现频率多的音，如本小节1、3、5较多，就可以配C和弦。
2、时值较长的音，比如在4/4拍的歌里，有一小节只有5和6两个音，但5占了三拍，而6只有一拍，考虑配G或G7和弦。
3、优先考虑在重拍的音。比如4/4的歌里，有一小节4和6在一、三拍，5和2在二、四拍，优先考虑配F和弦。
以上是一些基本原则，重要的是根据不同情况灵活变通。
三、修改。理论上一首歌只要有主和弦、下属和弦、属和弦三个就可以编完了，那我们要那么多和弦干什么呢？同一个小节里或许有十个或更多的和弦可以配，如何去选择呢？这就要看个人的喜好和道行了，一首歌十个人或许配出来十个样，而且都还有道理。不过大体上还有以下几点可供参考：
1、听。努力听看哪个和弦更接近原版。
2、避免重复，上一小节用过Dm了，这一小节用D7或F试试。
3、前后连接的顺畅。理论上除下属和弦和属和弦之间外，其他二度连接是不和谐的（如C和Dm之间），因避免使用，不过也不能一概而论。
4、一些自然的“解决”，如G或G7走向C肯定比Em走向C更舒服，特别是在附歌转向主歌的时候。
5、连接技巧。比如一些连续的解决A7-D7-G7-C。
6、节奏型的变化和和弦外音的运用。
7、挂留和弦和离调和弦的运用。
乐理: 如何编配独奏曲!
你也可以试着自己编配和弦,自己编配独奏曲!
有人想找<<罗密欧与朱丽叶>>的独奏曲,以下是我的答复!
根据罗米欧与朱丽叶的旋律配适当的和弦以及适当的指法,让主旋律落在高音上或者是低音上,其他的音为和弦中的指法音就可以了!当然指法音要不干扰到旋律的进行就可以了,不要让指法里的音成为了旋律音就行!就是这么简单!
当然编曲的时候，可以考虑到做不同的声部的对比！比如说，第一遍的时候，用低声部来编配旋律！第二遍的时候就可以用另外一个声部来编！比如说，高声部！当然，你也可以把这两个声部反过来编也可以的！你要是理解我的话了之后,你可以把任何一首歌都编成古典独奏曲或是重奏曲了!
即兴伴奏！
现在我把我的即兴伴奏的的一点体会与你们分享，仅代表个人意见！
按每一个小节说： 旋律以1为主，可用1级和弦，6级或4级 ； 以2为主，多数用5级和弦，或是2级和弦 ；以3为主，可用1级，3级或6级； 以4为主，可用4级或2级； 以5为主，可用5级，1级或3级； 以6为主，可用6级，4级或2级； 以7为主，用5级的7和弦效果较好！
如果这样弹腻了，可以试一试，用含有部分相同组成音的和弦来代替原来的和弦，或者是用原来和弦的7级或9级和弦来弹，效果都不错，大三和弦都可以用9和弦来替代！可是，7和弦就不是了，听起来有一些不和谐，但你完全可以让人认为你现在在弹爵士风格！
和弦级数!
我现在就给你们讲一讲!
以C调为例:
一级和弦是1,3,5,C和弦!
二级是2,4,6,Dm和弦!
三级是3,5,7,Em和弦!
四级是4,6,1,F和弦!
五级是5,7,2,G和弦!
六级是6,1,3,Am和弦!
七级是7,2,4,B-和弦!(一般不用!多用属七和弦代替,也就是五级的七和弦,在C调里就是G7和弦!)
然后,再回到一级和弦!
这些,你们应该能看懂了吧?
那好!我们继续!
现在说D调!
以D调为例:
一级和弦是1,3,5,D和弦!
二级是2,4,6,Em和弦!
三级是3,5,7,#Fm和弦!
四级是4,6,1,G和弦!
五级是5,7,2,A和弦!
六级是6,1,3,Bm和弦!
七级是7,2,4,#C-和弦!(一般不用!多用属七和弦代替,也就是五级的七和弦,在D调里就是A7和弦!)
然后,再回到一级和弦!
我们再来分析一下,D调和弦与C调和弦的差异!
从C到D相差一个全音,也就是相当于从C调的1到C调的2之间的距离!所以,我们可以说,从C调和弦到D调和弦,只需要把C调的所有和弦的所有组成音加上一个全音,也就是升高大二度!就可以得到D调的和弦了!是吧?
好,那么,我知道了C调的和弦进行了之后,我怎么才能把它改为D调来唱呢!
其实很简单!
你把C加一个全音,就是D了!C和弦就变成了D和弦!一级!
你把D加一个全音,就是E了!Dm和弦就变成了Em和弦!二级!
你把E加一个全音,就是#F了!Em和弦就变成了#Fm和弦!三级!
你把F加一个全音,就是G了!F和弦就变成了G和弦!四级!
以下,道理相同,省略!
有没有看懂?
同样的道理,D到E相差一个全音,那么从D调到E调,所有D调和弦组成音,按照和弦的级数,加上一个全音即可得到E调和弦!
同样,从E调到F调,只相差半音,那么就把E调和弦的组成音都加上半音就可以得到F调的和弦了!
当然,要按照和弦的级数对应着加!
其他调同理!
我举一个具体的实例来说一下!
如<<童年>>,4/4,,这首歌的伴奏和弦进行够简单的了吧?每一个小节,只用一个和弦!
用G调是: G----Em----C----D----
G----Em----C----D----
Bm----Em----A7----D----
G----C----D----G Fine
如果我改为和弦级数来记谱的话,就是:
1----6----4----5----
1----6----4----5----
3----6----2----5----
1----4----5----1 Fine
至于每一级和弦具体用哪一个,我以前发表的文章里面都有写过的!根据音乐的需要和自己的喜好来选择!如<<童年>>中的二级和弦用的是七和弦---- A7!
用和弦级数来记谱的话,具体的方法可以是把和弦级数写到一个小圆圈儿里,而七和弦,九和弦,挂二,挂四或者七挂四和显的标记写在小圆圈儿的外面!如: @7,@9,@sus2,@sus4 and @7sus4
或者,可以更直接一点!如:
1----6m----4----5----
1----6m----4----5----
3m----6m----②7----5----
1----4----5----1 Fine
就可以了!
好了,现在我们来把它转调!
按照和弦级数,把G调改为A,B,E,bB,#F调来看一看,当然,没有必要转那么些调,而且有一些调根本就不适合来唱的!我的目的是为了让你们明白怎么看和弦级数和怎么即兴转调!
还是<<童年>>这首非常简单的歌!我们来看!
按照级数!
1----6----4----5----
1----6----4----5----
3----6----2----5----
1----4----5----1 Fine
A调为:
A----#Fm----D----E----
A----#Fm----D----E----
#Cm----#Fm----B7----E----
A----D----E----A Fine
B调为:
B----#Gm(=bAm)---E----#F----
B----#Gm(=bAm)---E----#F----
#Dm(=bEm)----#Gm(=bAm)----#C7----#F----
B----E----#F----B Fine
E调为:
E----#Cm----A----B----
E----#Cm----A----B----
bAm----#Cm----#F7----B----
E----A----B----E Fine
bB调为:
bB----Gm----bE----F----
bB----Gm----bE----F----
Dm----Gm----C7----F----
bB----bE----F----bB Fine
#F调为:
#F----bEm----B----#C----
#F----bEm----B----#C----
bBm----bEm----bA7----#C----
#F----B----#C----#F Fine
其他调同理!
我不知道我有没有讲清楚!
再补充几句:
一级和弦多用于为1,3,5或以这几个音为主,也或者是这几个音在小节中所占的时值比较长的旋律伴奏!
二级和弦多用于为2,4,6或以这几个音为主,也或者是这几个音在小节中所占的时值比较长的旋律伴奏!
三级和弦多用于为3,5,7或以这几个音为主,也或者是这几个音在小节中所占的时值比较长的旋律伴奏!
以下类推!
最后,就可以用代理和弦来改变伴奏的色彩!来写你自己的音乐!
我有时即兴编和弦,如果想把谱子记下来,我就会这样用和弦的级数来记谱!
这种谱子的优点是,转调和变调比较快!变调时不需要使用变调夹!
当然有更简单的记法,就是直接用小写的阿拉伯数字记录和弦级数!
而至于具体用这一级的哪一个和弦,根据不同的歌曲和不同的音乐的需要而定!
用大三和弦还是小三和弦,七和弦还是九和弦,挂2和弦还是挂4和弦等!看你的爱好了!
也要看歌曲的表达内容的需要!
多嘴一句！
用和弦级数记谱还有一个好处就是--------
你们到书店抄书，抄歌谱的时候方便多了！不会怕被别人抓住！
你们只需要记住大概的右手伴奏节奏型和指法！其余，左手的和弦就可以用和弦级数，用阿拉伯数字表示了！
就是被抓住了，他们也看不懂你们写的阿拉伯数字是什么意思！呵呵！
这样抄谱，由原来的一连几个礼拜，连续打游击，才只能抄完一个谱，到现在几分钟就可以搞定一个谱，几个小时就可以抄完几乎所有你们想要的谱！这是什么感受啊？
这岂是一个“爽”字了得？
特殊调弦法！
既然有人提到这个问题了,我就简单给大家讲一讲！
这种调弦法叫做:
Open Turning(改变开放弦音的调弦法,也就是我们常说的: 特殊调弦法!)
也就是说改变常规的吉他调弦规律!
使其中的一根或者多根弦的音,甚至是所有弦的音重新排列组合!
来寻求不同的音色,不同的指法!
有的是为了让指法和伴奏更简单!
而有的则是为了秀自己吉他的高深技巧!
一般这种事都是大师和想当高手的人喜欢做的!
这种做法的最主要出发点就是: 与众不同!
这种调弦法,很多书中都有提到过!如:
刘传老师的<<吉他爱好者>>中有!
潘尚文的<<弹指之间>>中有!
另外,还有王鹰,马鸿老师的<<民谣吉他名句名段赏析>>中有比较详细的解释!
建议找来看看!
我简单举几个例子!
如:
江建民为周华健编曲的<<明天我要嫁给你了>>中,他把第6弦从E这个音升高一个小二度,也就是升高了半音,从E变成F这个音,从而简化了F9和弦的按法!
现在流行乐中有好多歌是bB调的!用bB调的和弦来编配当然可以!
只不过bB调的和弦有好多都是大横按!按起来麻烦!没有谁会很喜欢用它的!
何必呢?
只需要用C调的和弦,并把所有的6根琴弦都降低一个全音就行了!
这样就可以为bB调的歌伴奏了!
还有的吉他大师,干脆把整个6根琴弦调成一个开放的G和弦,也就是说,左手不需要按任何位置!整个6根弦的音已经构成了G和弦!这样的好处是: 只需要拿一个滑棒,或者是一根食指横按全部的6根琴弦,就可以得到不同的和弦了!使指法简单了很多!比如说: 横按第2品得到A和弦,横按第5品得到C和弦!如此类推!
当然你也可以把开放弦调成是D和弦,A和弦,F和弦等等都可以!
也不妨试一试把开放和弦调成小调和弦!如: Gm和弦,Em和弦等!
当然,特殊调弦,并没有固定的要求!只要你不把琴弦调断,你怎么调都可以!
只要你能够创作出好听的音乐就行!
同样,也没有规定什么样的场合必须要使用特殊调弦!
只是,玩儿很长时间的吉他的人,对平时老用的一些技巧,和弦,和声套路等都厌倦了之后,
都会喜欢找一找新鲜的,能够带来不同感觉的东西!
玩儿一玩儿这个: Open Turning(特殊调弦法)
会让人觉得你是高手!何乐而不为呢?
[ 本帖最后由 大头音乐 于 2012-8-15 09:34 编辑 ] |
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发表于 2012-8-15 09:05:38
