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最近在练岸部真明的《奇迹之山》，深有感触。通过这个作品我发现，一直以来我的理解上面就有一个误区，即弹得越快越好，弹得快水平才高。这真是大错特错。由于个人偏好问题，以前我所弹的东西速度很少有低于120的。逐渐的养成了一个习惯，弹什么都快，这个习惯已经深深地影响了我弹琴的感觉。再加上我最早玩过电琴，把追求速度放在了第一位。
《奇迹之山》的速度是75，这么慢的曲子对我来说还是第一次。还没开始练我就在GP5里把速度给改成了109。弹是弹下来了，可是却难听得要死。于是我想，好吧，慢下来还不容易。结果岂止是不容易，真把我难倒了。居然无法慢下来，超不过三个小节就逐渐回到了原来的速度。费尽九牛二虎之力，跟着GP5，脚打节拍，深吸一口气，经过了一个星期终于算是慢下来了（85左右），可依然难听，简直就是弹得一堆垃圾。问题出在哪里，方方面面都考虑到了：速度已经下来了；节奏，四四拍的标准节奏不可能有什么问题；旋律，虽然改了几个根音但不至于影响大局；琴，一直是这把琴…终于在一个深夜，一遍又一遍听着岸部真明的原版演奏的时候，我想明白了这个问题。
岸部大师的每一个音符都来得饱含深情，那水银泻地般的琶音犹如天籁。这说明慢速的作品更要求感情的投入。我的演奏则把注意力完全集中在了速度上，一个音一个音十分机械地弹出来，没有任何感情，难听是肯定的了。那么问题又出现了，感情的投入如何在演奏中体现出来，岸部是如何做到的呢？速度、节奏、旋律，一个音乐作品的基本特征我都注意到了…不对，还有一项！这时候小学上的音乐课还是起到了一点作用，还差一项：强弱！
记得音乐课上老师让我们用手指在空中划来划去，来找出一首歌的强弱拍，一大帮孩子一齐喊着：“强、弱、次强、弱”（此处略去我如何在音乐课上被老师轰出去三百字），可见强弱对一个音乐作品的重要性。强弱有差，如果每个音符全是一个强度，那就没法听了。一个音乐作品要有生命，就要表现出每个音之间的强弱差别。这在古典音乐中更加明显，大师通过改变强弱关系，同一个音乐作品能够呈现出不同的面貌。我试着把自己以前弹过的东西改变其中的强弱关系重新再弹，立刻就有很大的不同。通过体现强弱关系，我找到了《奇迹之山》的精髓所在，这首作品在我手里终于不再难听了。朋友们可以找个弹得最熟练的曲目自己试一试（慢歌更明显一些），没注意过强弱的体现出强弱，加上强弱的改变其中的强弱关系，作品体现出的不同面貌会让你很吃惊的（慢歌更明显）。
许多作品为了体现强弱关系用到了不少方法：最常用的就是切分，此外还有抡扫、拍弦、SLAP、闷音、灵魂音等等。还有一些作品没有用到这些技巧，可不是说强弱关系就没有了，也同样重要！曾经有大师说过：一切技巧最终都是为了效果服务的。拿《奇迹之山》举例，此作品没有用到上述任何技巧，谱面上也只有两处标明“重音标记”，注意是重音标记，这肯定是强拍，但并不是指这个作品当中只有这两处是强拍！岸部真明的演奏强弱变化很多，作品所表现出的款款深情以及强烈的画面感很大程度上就是由此而来。
旋律、节奏、速度、强弱，这是音乐的四大要素，在这当中，强弱是最后的一步，是让一个音乐作品趋向完美的重要的最终一环，同时也是个人色彩最浓重的一项。同一个音乐作品，不同的演奏者绝没有完全相同的演绎。这关乎演奏者如何去把握一个作品的内涵（即中心思想），以及去表现演奏者个人对作品的理解，与众不同的个人风格。在这当中，强弱，可以说起着最主要的作用。
这是一个似乎被忽略的问题，因为在这个论坛上少有人提到这两个字；这也是一个需要我们共同讨论研究的问题，因为我考虑得不全面，不深入。XCHAINS抛砖引玉，期望大家注意到这个问题共同进步。 |
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发表于 2007-1-19 22:37:53
发表于 2007-1-20 07:44:36